edward hopper - el Louvre en una tormenta 1909

Habiendo ganado algo de dinero en los últimos años de su estancia en la Escuela de Arte y con la ayuda de sus padres que veían mucho más claro y despejado el porvenir artístico de su hijo, Hopper se embarcó hacia París en el otoño de 1906 con 24 años de edad . Allí comenzó a pintar , primero exteriores desde su misma casa  y después , cuando el tiempo lo permitía, salía decididamente a pintar fuera.
Dos veces más se desplazó a Europa , en 1909 y 1910 ,visitando algunas de sus ciudades además de París y , tanto los post-impresionistas como los movimientos emergentes vanguardistas , influyeron en el color y el tema de sus obras.La ciudad del Sena era el polo de atracción artístico de toda Europa y por supuesto también de toda América, incluyendo a los pintores estadounidenses que , junto con los ingleses se reunían en el café du Dome en Montparnase. Hay un pintor francés, Albert Marquet,nacido en 1875 , con el que Hopper tuvo relación en París y cuyos cuadros de vistas de esta ciudad especialmente se parecen mucho en su tratamiento de la luz y el empleo del color, además de los temas representados, a algunos de sus paisajes de estos años.
Esta vista de París es ya de 1909 y en ella Hopper une al paisaje natural , la tormenta cercana, la obra humana del edificio del museo y ambos los combina con elementos del equipamiento puramente urbano potenciados con el alarde técnico correspondiente a la época, como es el puente metálico novedoso y orgullo del nuevo siglo recién estrenado. Esto va a ser una constante en la obra de Hopper, como ya iremos viendo. La ciudad de París , especialmente en los meses de buén tiempo  ejerció sobre él una atracción especial,  y con frecuencia tomaba un barquito a St. Cloud ó a Charenton para pintar ambas orillas del Sena hasta el anochecer.
De vuelta a Nueva York hubo de emplearse de nuevo para hacer frente a sus gastos, ya totalmente independizado de sus padres, y esta vez lo hizo en una agencia de anuncios, donde hacía ilustraciones, pero no por ello dejó de estar en contacto con sus antiguos compañeros de clase y de esta relación salió un grupo de ocho pintores , The Eight, bajo la influencia de Robert Henri, de signo abiertamente anti-académico. En su primera exposición Hopper aportó tres cuadros parisinos , suaves de color y de corte impresionista, en contraste con el talante general de ésta , totalmente americano. Así pués, el pintor quedó un poco orillado hacia la Francia de esos años. Pero en marzo de 1909, vía Plymouth y Cherburgo, ya estaba otra vez en París y de nuevo de vuelta a casa cinco meses después. De ésta época es su famoso le Bistro ,  en el que más se adelantan muchas de las características de sus etapas posteriores.

edward hopper - figura solitaria en un teatro.1902-1904

con este cuadro de principios del siglo pasado comenzamos la presentación de parte de la obra de éste ya muy conocido pintor estadounidense que hemos podido admirar en el Museo Thyssen de Madrid. Pintor nacido en 1882 en Nyack, al norte de la ciudad de New York y a las orillas del río Hudson, en una familia de ascendientes holandeses e ingleses ligados a los asentamientos madereros que se extendieron con profusión a orillas de este gran río norteño. Su nacimiento se produjo casi simultáneamente a la llegada de la luz eléctrica a la ciudad de New York y a la de la inaguración de la primera línea telefónica entre esta gran ciudad y la de Chicago. Además desde 1870 Nyack estaba ya comunicada por ferrocarril con la primera de ellas y contaba con un activo puerto fluvial. En estos años juveniles ,Hopper disfrutó con frecuencia de hermosas jornadas de navegación a vela a lo largo del río. Fué una etapa feliz repleta de deporte y acontecimientos culturales, los padres le llevaban, junto con su hermana, a Nueva York en tren o en barco al teatro ó a la Opera con relativa frecuencia. Desde los cinco años se conocen ya dibujos del colegio que demuestran su facilidad y dotes en esta disciplina .Los padres fueron pronto conscientes de este regalo del cielo y procuraron siempre estimular la imaginación creativa del pequeño Edward poniendo a su alcance revistas , libros y cuantas publicaciones relacionadas con el tema del dibujo y de la ilustración podían procurarse. Tampoco faltaron nunca lápiceros, pinturas, ceras, tinta, papel ,ctr.  Era una época donde , en un país como el moderno Estados Unidos, a pesar de retumbar  casí todavía los últimos cañonazos de su guerra civil, la proliferación de información impresa de todo tipo estaba verdaderamente en auge.

A los doce años Edward pegó un tremendo estirón ! hasta casi los seis pies!, 1.80 metros , que unido a su delgadez y cierta torpeza o poco garbo en sus movimientos quizá influyeron en su forma de ser, un tanto reservada . Lo cierto es que, independientemente de éste detalle, puede que no demasiado importante, a sus  diecisiete años y, a pesar de su ya decidida vocación de pintor, hubo de contemporizar ante las peticiones paternas , y se matriculó en Nueva York en la Escuela de Ilustración. Allí pasó un año, no muy convencido y en 1900 pasó  a la Escuela de Arte de esta misma ciudad,  en la que permaneció 6 años, y que pensó podría aportarle, por su reconocida fama, una mayor orientación artística. En efecto, desde el siguiente año los diversos profesores con los que  se fué encontrando Hopper en sus aulas, además del ambiente libre, creativo y hasta indisciplinado del centro , cambiaron radicalmente su forma de pintar .
No pasaremos por alto la influencia que sin duda recibió de Robert Henri, William Merritt Chase y Kenneth Hayes Miller. Chase fué el primer profesor de pintura y le apremió a buscar su propia individualidad en esta disciplina y a aprovechar en todo lo posible los adelantos y hallazgos de los demás colegas. Aquí, Hopper puso el listón muy alto y estudió a fondo nada menos, entre otros , que a Hals, Rubens, Velázquez, Fortuny ó Manet, de este último realizó una copia al óleo de su Mujer con un loro .
De Henri traemos su famosa Young blonde girl , cuadro que indudablemente nos recuerda algo la forma de pintar de Hopper de algunos años después. Particularmente creo que Edward Hopper a la larga superó a sus tres maestros, lo cual no quiere en ningún modo decir que no fueran capaces de enseñarle; nada tiene que ver una cosa con la otra, se puede ser mucho peor pintor pero tener unas ideas tan acertadas e influyentes sobre la pintura qué , y esto parecerá lo más chocante,por sí solas sean capaces de encauzar, educar y liberar de una forma brillante a un pupilo avantajado pero aún por formar. Me direis, -pero la genialidad ya residía posiblemente en el interior profundo de Hopper-. Por supuesto, pero si no se la hace salir a la superficie, gracias a ellos, nos habríamos quedado posiblemente sin Hopper. !ojo con los profes!. Son mucho más influyentes y definitivos de lo que pensamos.

Así pues, en la fecha de la ejecución de nuestra obra, Hopper se encontraba estudiando y mejorando en Nueva York con ellos. Pinta ésta figura solitaria en grises , tonos oscuros, dibujo simple y elaboración rápida, sin detalles ni contemplaciones. Muy parecida , también del mismo año, ó incluso anterior, es Mujer joven en el estudio . Este tipo de pintura sombría es posible la adquiriera Hopper ya durante el período con Chase, pero el mismo Robert Henri insistía en la conveniencia de pintar en blanco y negro con el fín de valorar las escalas de grises, definitivas en la buena entonación de cualquier obra. También, en lo que a su técnica se refiere, puede estar la influencia de los propios impresionistas.

j.santiago perlado - gran barranca verde : camino del Naranjo 1999

me he tomado la libertad, y perdonarme por ello, de empezar a incluir, será con no excesiva frecuencia, no os alarmeis, algunos de mis cuadros. 
Este es del año 1999 como se puede apenas leer en su parte inferior . !ya de hace más de trece años!. Estábamos en plena forma tanto Virginia, mi mujer, que aparece en ese camino de montaña, como yo. Subimos hacia el Naranjo de Bulnes, un enorme monolito de piedra en el corazón del macizo central de los Picos de Europa en el norte de España. Montaña ilustre y codiciada por todos los escaladores de aquí y de fuera, vertical y de una caliza excelente para la adherencia , aliada maravillosa del oficio de alpinista y vieja conocida de una buena parte de mi familia.
El cuadro es de un tramo de la larga marcha desde el collado de Pandébano a la vega de Urriellu, donde se erige el Naranjo. Pero es un tramo muy especial, una angosta barranca entre dos contrafuertes que conforman un valle muy inclinado y siempre verde. La hierba crece alta y tupida entre rocas, piedras y paredones, llenando cada rincón y dando un frescor y una jugosidad a todo el paisaje en contraste con las siguientes revueltas mucho más adustas, secas,e implacables. Por eso la llamamos nosotros desde el primer día que la cruzamos, la Gran Barranca Verde, y creerme que cruzarla es un placer para la mente y para el espíritu, algo menos para las piernas, aunque el camino aún no ha empezado a enseñar todavía los dientes. Si disponeis de 4 ó 5 horas (ida solo) y estais mínimamente entrenados en marcha de alta montaña, acercaros a dormir una noche en la Vega de Urriellu y nunca lo olvidareis. 

david hockney - retrato de Nick Wilder

con este cuadro llegamos al final de este repaso que hemos presentado sobre cinco siglos de pintura inglesa , desde 1497 , año del nacimiento de Hans Holbein el Joven, hasta hoy, puesto que el pintor que ahora traemos afortunadamente vive todavía. He dejado muchos insignes artistas con cuadros en la muestra por no tener tiempo para incluirlos aquí, ya que la cola de exposiciones aumenta cada vez más. Tanto Madrid como Barcelona son dos ciudades realmente afortunadas por la dedicación que sus museos, organismos y entidades  ponen para conseguir traernos casi constantemente a lo largo de todo el año estas magníficas recopilaciones de arte. Lo malo es que nos están acostumbrando a un nivel altísimo, como aquel asiduo de la buena ópera que solo se conforma ya con oir cantar a las mejores divas.

 La diva en este caso se llama  David Hockney, un artista moderno , nacido en 1937 y representante pues  del arte de la segunda mitad del siglo pasado, pero también de todos los que llevamos del actual siglo XXI , pues aún no ha parado de progresar y de interesarse por todo lo novedoso. Lo último el i-pod  y el extendido i-phone, excelentes instrumentos pictóricos con enormes posibilidades, después de haber pasado por la Polaroid, el fax, y la fotocopiadora. Por supuesto también ha pasado por el grabado, la acuarela y cualquier técnica en la que haya intuído posibilidades de expresarse ; es , así pués, un auténtico artista de este siglo, pero su significado en la historia del arte llena más plenamente el siglo anterior. En efecto, Hockney es el auténtico representante, si no creador , del arte pop, es decir del arte libre , no sujeto a academicismos ni reglas que más representa éste mundo moderno que creció y se aceleró al término de las dos grandes guerras. El arte de nuestra generación, el fruto , por ahora, de la audacia de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX. 

Actualmente tiene casa en Londres pero también mantiene dos residencias en Los Angeles, ciudad en la que ha permanecido, con muchísimas intermitencias, desde el año 1966 y que desde el primer momento le subyugó por su clima, su sol, su ambiente liberal y sus posibilidades de trabajar y progresar.
Aquí comenzó a experimentar con otro medio recién incorporado, los colores acrílicos, que le permitían llevar a cabo grandes superficies lisas , luminosas y de colores muy vivos con las que poner en  los lienzos la alegría de la vida en la California de mediados de siglo. De esta época son sus famosas pinturas de piscinas, esto es , del paisaje de las ciudades residenciales americanas de la costa oeste, puesto que no hay más que subirse al avión, nuestro más significado medio de transporte actual, para ver cual es el paisaje , desde su ventajosa posición : una sucesión de piscinas , manchas azules entre la vegetación generosa que esconde con sus sombras cada residencia. Hockney, en esta época feliz, lleno de vida y de amor, se sintió atraído por el azul del agua y sus brillantes reflejos llenos de sol y calor. Este cuadro es uno de los más famosos de este tema, pero traemos unos cuantos más :

- a bigger splash



 - Peter salindo de la piscina de Nick

-large diver

-hollywood pool

- robert Littman Floating in My Pool

-Lithograph of Water Made of Thick and Thin Lines and a Light Blue Wash and Dark Blue Wash

 -paper pool 11

-portrait of the artist

 si teneis la ocasión de visitar el Hotel Roosevelt en los Angeles, no dejeis de visitar su piscina cuyo fondo fué decorado por Hockney con simples líneas curvas evocando los brillos angulosos producidos por el sol sobre el agua en movimiento. Si el agua está tranquila os dará lo mismo , pero en cuanto el primer bañista agite su superficie comienza el espectáculo y las líneas que decoran el fondo cobrarán vida y se unirán a la fiesta que unos metros más arriba llevan a cabo el agua turquesa y el sol, como una pareja de enamorados.
No puedo dejar de traer una página con obras de nuestro pintor. Si solo me dejaran quedarme con dos, me quedaría con las panorámicas sobre  el Gran Cañón....!que colorido!.

peter blake - portada para el album Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band

Que familiar nos resulta a todos, jóvenes y mayores, esta portada del  octavo album de los Beatles, que salió al mercado el año 1967 después de 129 días de trabajo de grabación. El disco tuvo un éxito fulminante, como todos los que sucesivamente iban saliendo de estos geniales compositores, pero éste , junto con  el anterior Revólver, de 1966, marcó un punto de inflexión en el desarrollo artístico de estos maravillosos músicos  . Hasta la fecha actual al parecer se llevan vendidas más de 32 millones de copias  en todo el mundo.
El collage de la derecha es el original de Peter Blake, quién fué invitado en Marzo de ese mismo año a colaborar en la creación de la portada del disco :  en castellano : la banda del Club de los corazones solitarios del Sargento Pimienta . Debajo de un dibujo del sargento en cuestión aparecen los cuatro músicos con uniformes también de sargentos y con diversas condecoraciones, entre ellas las medallas de la Orden del Imperio Británico que ostentan McCarney y Harrison entregadas por la Reina en 1965.
A partir de este collage se diseñó la portada definitiva que fué resultado de extrecha colaboración de los cuatro beatles, Blake y el productor del disco George Martin. Los personajes que aparecen fueron elegidos por unos y otros entre los que intervenían en el diseño de acuerdo con sus gustos y preferencias. El collage original de Blake se ha subastado el pasado año en Sotheby's de Londres , adjudicándose por 87.704 dólares . Tiene 30 x30 cms y anteriormente perteneció al arquitecto Colin Wilson quién lo había comprado directamente a Blake en 1968. Con el fín de ver más nítidamente nuestra portada, hemos incluido ésta página donde se puede ampliar la imagen

Peter Blake, nacido en Inglaterra en 1932, ha desarrollado a lo largo de su ya larga vida  una obra artística que lo definen como uno de los más importantes autores de arte pop del pasado siglo. Calificado como el abuelo del arte pop británico, recibió el título de caballero, Sir, y desde muy jovén se interesó por el collage ,el arte popular y la ilustración en general, de manera que cuando hace esta cubierta para los Beatles, ya estaba entre los más conocidos aristas en éste campo. Podeis ver todos los albumes de discos en cuya portada colaboró Blake, puesto que este artista ha estado siempre muy en contacto con el mundo de la música pop. En 1969, Blake dejó Londres para instalarse en Bath, donde comenzó a interesarse por ilustraciones basadas en el folklore y en personajes de las obras de Shakespeare. De sus collages traemos algunos de los más conocidos y famosos, son todos excelentes :

-convención del Comic en Picadilly Circus
-Westminster Abby Animalia
-regata en el río Támesis
-día de los esqueletos en Ludgate Circus
-baile en Regent Street
-el encuentro ó tengo usted un buén día Mr. Hockney
 
Pero nos queda poner algo muy interesante y curioso. La portada del Sargento Pepper es tan famosa qué, probablemente debido a lo característico de su diseño, se ha re-creado en dos ocasiones al menos, siempre por su autor original, por supuesto. Me direis que la portada en cuestión se presta , nada más verla, a una modificación que se le ocurriría al más tonto : cambiar a todos ó algunos de sus personajes. Clarísimo. Traemos las dos modificaciones con nombres de sus nuevos personajes incluídos. La primera la hizo Blake con ocasión de la campaña a favor de Liverpool para conseguir su nombramiento como capital de la cultura europea del 2008 ; en este caso sustituyo los originales por personalidades del mismo Liverpool. 
La segunda ha sido precisamente para conmemorar su 80 aniversario el pasado año 2012 , y en cuanto a los personajes intercambiados, dice el mismo Blake : -He elegido a gente que admiro, gente grande, y a algunos que son muy amigos míos ; tengo una gran lista de personas que me gustaría que entraran en el collage, pero es imposible meterlos. Pero eso muestra lo fuerte de la cultura inglesa y lo que  su legado de estas últimas seis décadas representa-.
Y ya, solo como anécdota, pongo una tercera modificación, esta vez debida a la edición en castellano de la conocida revista musical Rolling Stones, con motivo de la presentación de los 50  mejores grupos de rock españoles. Aquí os dejamos que seais vosotros los que averigüeis quienes son esta vez los sustitutos.
 Bueno, esto que viene es un homenaje a nuestros BEATLES....escuchar, es el último tema del disco a day in the life .  
y, el mismo tema ,cantado hace poco por Paul Mcartney 

laurence stephen lowry - paisaje industrial

pintor muy popular a mediados del siglo pasado, especialmente por los temas tratados y el estilo un tanto naif, como podeis ver en este paisaje de ciudad fabril, uno más de los muchísimos de este mismo tema que pintó durante su vida, todos en la zona industrial del NW de Inglaterra, zona del gran Manchester . Concretamente , solo en dos de sus ciudades llevó a cabo la mayoría de estos cuadros :  Pendlebury y Salford.

Una gran cantidad de los mismos cuadros llenan actualmente el Museo de su nombre , The Lowry, en la última de estas dos ciudades. Lowry pinta de lejos el ambiente de sus calles y plazas, incluyendo en algunos casos acontecimientos cotidianos y llenándolas de sus habitantes anónimos esquematizados en un simple punto ,la cabeza y un trazo vertical más o menos vestido y coloreado .Son escenas ciudadanas llenas de encanto e ingenuidad, donde el color gris-negro domina sobre un fondo blanco casi constante. Quizá ese negruzco dominante remarca intencionadamente el carácter industrial de estas vistas , pero también la abunancia de chimeneas y naves lo definen perfectamente .

Dejamos una página donde podeis ver gran cantidad de obras de este artista que murió hace tan solo 37 años.

spencer gore - la estación de tren de Letchworth

el Camden Town Group fué un grupo de artistas ingleses que hacían un tipo de pintura en la línea del Post-Impresionismo, como se llamó al movimiento artístico con características propias para ser considerado como tal y que tuvo su desarrollo en los últimos años del Impresionismo. Precisamente el término fué acuñado por un crítico de las islas, Roger Fry, tras unas exposición de tres post-impresionistas franceses, Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh,
que se llevó a cabo en Londres el año 1910. -oiga, pero ¿estos no eran impresionistas como los que más?-. Bień, seguramente un porcentaje muy elevado de personas a las que se les pida el nombre de un pintor impresionista saldrán con uno de estos tres, y no se podrá considerar su respuesta como incorrecta del todo. Algunos de los impresionistas más competentes de la última época del movimiento, no se conformaron ni siquiera con el enorme bagaje de avances y logros que ,en materia de pintura, habían obtenido sus colegas anteriores, y , aún pintando de una forma similar, trataron de expresar un poco más de ellos mismos , de ofrecer una visión algo más subjetiva del paisaje, el retrato ó cualesquiera fuese el tema a tratar. Sí, Van Gogh hace paisajes muy impresionistas, pero les llena de sí mismo, vuelca en ellos todos sus anhelos, sus temores, su furia contenida, en una palabra todo su ser. Esto es ser post-impresionista, poner algo más aún que el maravilloso paisaje lleno de luz y de calor, aún a costa , por supuesto, de modificarlo a conveniencia.

Spencer Gore fué el fundador, junto con Walter Sickert , importantísimo pintor alemán  afincado en Inglaterra, muy influenciado por la cultura francesa, del Camden Town Group, tomando éste nombre de la zona de Londres, Camden Town, donde estaba situado el estudio de éste último. Su padre ganó el torneo de tenis de Winbledom en el año 1877 y él mismo fué un excelente jugador de cricket. A través de otro pintor, Rutherston , quién le había pintado un retrato y con quién mantenía en estos años de principios de siglo  una gran amistad, Gore conoció a Sickert durante un viaje a Normandía en 1904.

Muy cercana a Londres, a 55 km  hacia el norte, saliendo por la A1 en dirección a la ciudad de Peterborough, que, por cierto tiene una maravillosa catedral gótica, encontrareis el pueblo ó pequeña ciudad de Letchworth, o mejor, la ciudad -jardín de Letchworth. Esta fué la primera ciudad-jardín planeada y llevada a cabo en la Inglaterra de principios del siglo XX . Y aquí deberíamos detenernos mucho más tiempo para ensalzar y admirar esta magnífica iniciativa urbanística y a uno de sus mas entusiastas promotores,  Ebenezer Howard, a quién la clase trabajadora inglesa debe un gran tributo por su esfuerzo en mejorar sus condiciones de vivienda, servicios, y, en fín , calidad de vida. Ciudades a la escala del hombre ,integradas en la naturaleza y autosuficientes laboralmente, esto es, con trabajo insitu para todos sus habitantes. Es una página de oro en la Historia del Urbanismo de la época moderna. Si teneis ocasion de viajar por Inglaterra, merece la pena que os detengais a ver sus maravillosas ciudades-jardín, aún cuando hoy, cien años después, ya se hayan copiado y extendido por todo el mundo. Hoy
Letchworth tiene unos 33.000 habitantes y ,por supuesto, sigue siendo un lugar adorable para vivir y trabajar.
Bajo el título:   Jonathan Meades :: Letchworth Garden City, y debidos a éste insigne escritor inglés actual, podeis ver la serie de 5 videos sobre esta ciudad-jardín inglesa.
Spencer Gore vivió en esta localidad, comenzada en 1903, de  Agosto a Noviembre de 1912. Pues bién, y aquí viene lo más asombroso, los mejores y más avanzados de sus cuadros los llevó a cabo en estos meses y en esta ciudad. Exactamente 23 cuadros , en su mayoría paisajes. Allí nació su hija, en el número 100 de Wilbury Road,  en la casa que alquiló a Harold Gilman, casa representada en algunos de sus cuadros. Uno de ellos, el de la estación, lo traemos aquí, por ser el de la exposición . Gore , como podeis ver en la presentación que hemos preparado a continuación, estiliza y simplifica figura y objetos y modifica enteramente su tratamiento del color, enriqueciéndolo y creando nuevas armonías más allá del estilo puramente impresionista.

Spencer gore- his masterworks from Letchworth from Jose S.perlado

henry lamb - Lytton Strachey

un retrato en tonos tostados, ocres oscuros  y sienas que llama poderosamente la atención por la profusión de elementos verticales en consonancia con la figura alargada del sujeto que descansa sobre el sillón. Sujeto qué, efectivamente era alto y delgado, con gafas y con barba .Se trata de Lytton Strachey , historiador, hombre de letras de prosa irónica, crítico literario y también uno de los muchos intelectuales que apostaron decididamente en Inglaterra por una salida urgente del convencionalismo victoriano imperante qué, para lo avanzado de la época y contrariamente al clima de renovación e innovación que por todas partes se extendía por el continente, estaba pidiendo a gritos su demolición. Fué quién introdujo a Henry Lamb en el sofisticado grupo llamado de Bloomsbury , una especie de club formado por elementos de la élite más avanzada intelectualmente, casi todos los elementos masculinos provenían del Trinity o King’s College de Cambridge, comprendiendo a escritores, artistas, filósofos y otros intelectuales. Entre ellos se encontraban Virginia Woolf, John Maynard Keynes y  E. M. Forster . Realmente conformaban más bién un grupo de amigos y familiares, había muchos conyuges y hermanos, que se relacionaban intelectualmente mediante reuniones en sus casas , sobre todo en el distrito londidense de Bloomsbury , en los alrededores del Museo Británico. Discutían cuestiones estéticas y filosóficas dentro de un remarcado agnosticismo y fueron muy influenciados por G.E. Moore y Bertrand Russell.  Su afán por la espontaneidad y considerando la relación como algo lo más placentero posible les llevó a conformar relaciones amorosas de dos, de tres ó de cuatro, estables en unos casos y en otros no, libres y felices, aparentemente al menos, pues suponemos que la característica debilidad y egoísmo humanos jugaría malas pasadas a estas desenfadadas uniones.

En este orden de cosas, Strachey ,por ejemplo, que era homosexual, creyó ver en Lamb, a quién conoció en una fiesta de amigos, a uno de su misma condición y, atraído por sus cualidades, intentó mantener relaciones. Cualidades, en palabras de  Vanessa Curtis, una miembro del grupo : " con el pelo rizado rubio, una figura delgada y una manera única de vestirse con seda antigua  o trajes de terciopelo. , lucía un pendiente de oro y tenía un sentido del humor juguetón". Sin embargo  éste movimiento, a la larga, tuvo una gran influencia en la crítica, la literatura, la propia economía, y las artes de finales de siglo y , por supuesto también en la evolución de las corrientes feministas, pacifistas y sexuales. 

Henry Lamb era australiano, de la ciudad de Adelaida,  pero pronto arribó a Manchester donde su padre ejercía de profesor de matemáticas. Estudió medicina que no acabó totalmente y después estudió en Paris pintura. El cuadro que traemos es del año del comienzo de la I Guerra europea, 1914, cuando contaba 31 años . Ese año retomó sus abandonados estudios y se alistó llegando a ser oficial médico de su batallón hasta ser herido y devuelto a casa. Ya firmado el armisticio que puso fín a la Guerra, recibió el encargo de llevar a cabo una serie de cuadros de grandes dimensiones sobre la pasada guerra que llenarían una gran galería destinada al efecto. Dos de estas obras son : tropas irlandesas sorprendidas por un bombardeoturco en los altos de Judea y  travoys llegando con heridos a la estacion de Smol, Macedonia  ambos del año 1919. Tres años después, en 1922 expuso el cuadro que traemos, Lytton Strachey , en la galería del Club Alpino de Londres con gran éxito. Cuando estalló la siguiente Gran guerra de éste siglo , en 1939, ahora sí, fue designado como cronista ilustrador de la contienda y llevó a cabo una enorme cantidad de retratos de soldados y oficiales. Podeis ver unos cuantos en la siguiente página de BBC.co.uk  . Quizá por este tipo de cuadros es por lo que es más conocido Henry.

Pero me he permitido traer dos cuadros más que no siguen esa línea, hay quién dice que recuerdan a los post-impresionistas, a Gauguin quizá, pero, en fín, juzgar vosotros. Yo los encuentro de los mejores , sin olvidarme del presente retrato. Se trata de : La mujer del artista y muchachas irlandesas

John everett millais- niños from Jose Santiago Perlado Jimeno

john everett millais - mi primer sermón- mi segundo sermónn

mi primer sermón

                                                                         mi segundo sermón

sorprendentes cuadros, ¿verdad?. Pertenecen, como indico, a John Everett Millais a quién rápidamente identificareis por ser el autor de Ofelia,quizá la obra prerafaelista más conocida. Se trata de una de sus hijas,  Effie , de cinco años de edad en ese momento, quien escucha su primer sermón bastante seria y formal y duerme con una gran paz su segundo, recostada en ambos casos en un viejo banco de alto respaldo al parecer de la iglesia de Todos los Santos de Kingston-on-Thames, donde los padres del artista tenían una casa al borde del río . El primero de ellos es del año 1863 y tuvo tanto éxito en la exposición de la Royal Academy que al año siguiente , 1864, repitió la modelo y casi el tema. No importa, los dos creo que son soberbios, un ejemplo más sin embargo de la gran debilidad que éste pintor siempre tuvo por la pintura de niños y adolescentes en sus primeros años de recién estrenada juventud. La niña se ha puesto una capa abrigo roja con sus bordes rematados en piel posiblemente de su madre, quién ha dejado sobre el banco guantes y misal. Como decimos, Millais llevó a cabo un sinnúmero de obras en las que aparece algún  niño, niña ó joven de poca edad, siempre tratados con gran ternura y atención. Y si no, ver la presentación de una serie de obras de este tipo que he traído en la siguiente entrada. Siempre consideró el retrato infantil como un verdadero reto dada su dificultad y se esmeró en su superación pintando a sus propios hijos y a los hijos de los otros. Entre 1856 y 1868 el matrimonio tuvo ocho y todos posaron alguna vez, algunos muchas veces, en sus cuadros. La figura del niño sirvió no solo como tema en sí, un retrato, sino como protagonista o elemento primordial de situaciones corrientes ó excepcionales de la vida , y , más aún, de temas y acontecimientos históricos.

 Niño prodigio, destacó desde los cuatro años en la pintura de manera que la familia se hubo de trasladar a Londres antes de cumplir siete, casi con la precipitación de evitar el deterioro ó el decaimiento de alguna de sus excelsas facultades congénitas. Así, a los once años fué admitido nada menos que en las clases de la Royal Academy y aquí fué donde , para el bién suyo y de toda la humanidad subsiguiente, conoció a dos compañeros alumnos, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti,con quienes emprendió la formación de la Hermandad pre-rafaelita.  Fundada en Londres en 1848 , duró apenas cinco años como tal asociación ; volvía sus ojos al tipo de pintura que se hacía en Italia antes de Rafael de Urbino, es decir, aborrecía el manierismo incipiente y abogaba por una vuelta a la realidad , autenticidad y sinceridad de los temas y de su ejecución. Huir de lo convencional, de las recetas , de la composición a priori. Todo ello derivaba en una perfección y delicadeza sin igual en la técnica y en un estudio exhaustivo de la realidad de la naturaleza y de las cosas.  Podeis ver este documental de la BBC titulado los revolucionarios victorianos en inglés con subtítulos en español.

El ideal prerafaelita no se limitaba a la pintura, sino que ,ya desde su iniciación tenía también raices en la poesía y esta poesía la llevaron los pintores a sus obras como podemos observar principalmente en las  de nuestro autor hasta el año 1860. Aparte de la presentación de la siguiente entrada, creo que debeis ver Lorenzo e Isabela del año 1849, pintada a la edad de 20 años y también Fernando engañado por Ariel de 1850, este como ejemplo del detallado estudio de la vegetación natural consecuencia del ideal de autenticidad y belleza que el movimiento preconizaba. Después de éste año Millais , casado con la mujer de Ruskin, una vez se hubo divorciado de éste, se convirtió en un padre de familia  muy numerosa que hubo de mantener y la crítica, empezando por el propio Ruskin, por cierto uno de los impulsores de la Hermandad prerrafaelita, empezó a ver cierto abandono de la tensión poética y originalidad en sus obras.
Es posible que , por conveniencia del mercado, Millais dejara algo la fantasía creativa por una mayor dedicación a la realidad del encargo, retratos o grabados de sus propias obras, pero creo que la calidad y la poesía siempre se mantuvieron casi intactos hasta el final de sus días. De cualquier forma éste es un tema que queda para los estudiosos.  
 

frederic leighton - Perseo sobre Pegaso apresurándose al rescate de Andrómeda

un cuadro ya de 1895-1896 perteneciente al más conocido representante de la pintura victoriana. La vida de Sir Frederic Leighton coincide casi exactamente con los años del larguísimo reinado de esta monarca del reino Unido y Emperatriz de la India; en efecto Leighton vivió entre 1830 y 1896 y el reinado de Victoria de Hannover se extiende desde 1837 a 1901.  Como se ve , el cuadro es prácticamente del año de la muerte del pintor y representa a Perseo sobre el caballo alado Pegaso que vuela al rescate de Andrómeda, hija los reyes Cefeo y Casiopea, antes de que sea devorada por el monstruo Ceto. Habreis visto algúna cuadro de carácter mitológico representando a la bella Andrómeda atada a unas rocas temiendo la inminente llegada de Ceto para devorarla. Perseo al parecer llegó a tiempo de matar a la bestia y liberar a su amada.
Leighton, el primer artista nombrado caballero bachelor o Sir, llevó a cabo una obra pictórica realmente atractiva desde el punto de vista estético y formal. Para comprobarlo no hay más que darse un paseo por alguna página y por ello hemos seleccionado dos : The complete works  y   Taringa , y a ambas le reconocemos y agradecemos el tener la ocasion de poder admirar juntas tantas obras de este pintor. Bueno, deleitaros, especialmente con la segunda de ellas. Aparte he subido uno de los cuadros que más admiro de Leighton ; se trata de Sol ardiente de Junio, (flaming June), una obra que por sí sola podría hacer famoso al Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, donde se encuentra. Quizá exagero porque dicho Museo contiene un verdadero tesoro de Obras de Arte de todas las épocas. No dejeis de visitarlo si teneis la suerte de poner alguna vez el pié en esta bellísima isla del Caribe.

Leighton era nieto del primer físico ó medico que tuvo la familia imperial rusa en S.Petersburgo quién, como tal, amasó una gran fortuna. Sus padres , ya en Inglaterra, accederían a que su vástago fuese un artista solo si llegaba a ser un artista eminente, pero ,claro, esto es imposible de saber a priori, y, el pintor aceptó a ciegas la condición (y, por supuesto , los padres también ), y, tuvo la suerte, todo hay que decirlo, de conseguir llegar a serlo. Así , a sus 25 años la reina Victoria se encaprichó de una de sus obras,  Procesión a través de las calles de Florencia de la madonna de Cimabue(1853-5) y la compró por 600 guineas el primer día de su exhibición en los salones de la Royal Academy. Una obra de 17 pies de longitud estudiada al máximo detalle y ejecutada con total brillantez y parsimonia en dos años durante su estancia en Roma. Fué un soltero empedernido y ya maduro tuvo como modelo principal a  Ada Alice Pullen, conocida como Dorothy Dene, y ambos , muy probablemente, fueron los tipos en los que se fijó  George Bernard Shaw para los personajes de Elisa y el profesor Higgins en su famosa obra Pygmalion.

Pudiera ser considerado por su estilo y ejecución como un pintor perteneciente al movimiento prerrafaelita, movimiento netamente inglés coetáneo de Leighton, y de hecho se asoció a ellos a su llegada a Londres en 1860, pero nunca se declaró de palabra ó en escrito alguno como tal.