Louis le Nain - La visita de la abuela

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 ¿ Es posible que este cuadro que vemos ahora sí haya sido pintado por Louis le Nain como se nos dice en la etiqueta indicativa de la exposición?. -Oiga, ¿que pregunta es esa?- -Perdone ,pero tiene su sentido- Aunque es un caso algo raro en la historia de la pintura ,pero no el único. Los hermanos le Nain eran tres, los tres pintores, los tres solteros y los tres compartiendo estudio en París y ....atención...!compartiendo firma!. Solo firmaban las obras salidas de su estudio con su apellido, y por lo tanto nunca sabremos con absoluta certeza, salvo casos muy, muy estudiados técnicamente por expertos llenos de paciencia, y puede que de imaginación, de cual de los tres es cada obra. Más aún, uno de ellos, Mathieu, qué sobrevivió a los otros dos, Antoine y Louis, en nada menos que treinta años, debió decidir complicar más la cosa al dejar sin firma alguna todos los cuadros salidos de su estudio, o mejor salidos de su mano, del año 1648 en adelante; ese fué precisamente el año de la muerte de los otros dos hermanos. Además, al parecer la actividad del taller del ya solitario Mathieu deja prácticamente de estar documentada desde ese momento ,con seguridad crucial en su vida. Caso singural, ¿verdad?. pero no el único,y, aunque no es de esta historia ,traigo como referencia por su curiosidad, el caso de los gemelos pintores.( extraído de la magnífica página el dibujante 2.0)

Bién, hoy día muchos estudiosos "tratan" solo con la familia le Nain , ante la dificultad que entraña cualquier estudio seguro sobre la identificación de las obras de marras. Sea como fuere, lo que sí esta bién claro y definido es el carácter y el contenido artístico de los numerosos cuadros salidos de sus manos. Se les ha llamado los pintores de los pobres, adjetivo con el que estaréis plenamente de acuerdo en cuanto veais éste y algunos otros de sus cuadros. Fijaros en sus ropas, no existe ni un adorno, ni el más mínimo brillo que dé algo de calidad al tejido, ni siquiera un pequeño botón de color, es todo austeridad y aspereza .Pero, !que manera de conseguir esa aspereza de las ropas burdas !. Y que me decís del colorido que acompaña a estas escenas, no puede ser más neutro , aunque esa neutralidad le da cierto carácter. Pero observar la expresión de los rostros, son la serenidad personificada y sobre todo están llenos de dignidad, de paz y de entereza, parece que están orgullosos de su pobreza, que su conformidad les ha hecho felices y sobre todo personas humanas. No existe en ninguno de los personajes desvío alguno hacia la picaresca, la insinuación, el vicio o la emoción. Abordar este tema en la Francia de mediados del XVII era algo inaudito, cuando lo que imperaban eran las escenas mitológicas y el servicio del Rey y de la Corte.

otros cuadros de la National Gallery

Anthony Van Dyck - retrato de Sir Henry Danvers

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 un retrato que llama poderosamente la atención en cuanto entramos en la sala en la que se encuentra : quizá sea por la mancha de la cara ó quizá por su majestuoso porte. Lo cierto es que su atractivo se debe a la conjunción de un gran pintor de retratos, ya un prodigio a sus quince años,  y de un modelo muy adecuado. Me explicaré : prácticamente cualquier retrato que podamos contemplar pintado por Van Dyck tendrá ,desde luego, y entre muchas otras cosas, un majestuoso porte ; éste es uno más de sus más de quinientos cuadros representando especialmente a la corte de Carlos I de Inglaterra y a la aristocracia de ese país. Van Dyck pasó allí , al servicio del rey, los años que van desde 1632 hasta su muerte en 1641, cuando contaba tan solo 42 años. Anteriormente había estado al servicio de Jaime I, pero lo dejó para marchar a Italia . Justamente entonces está también Velazquez al servicio del Rey de España y en unas condiciones similares, y algo más joven que ellos, Rembrandt va a desarrollar un poco después su trabajo como retratista. Tres retratistas insignes, quizá los mejores que han existido. Van Dyck  pasó esos años encumbrado, rico y famoso, con un precioso estudio al que acudía con frecuencia el mismo Rey a visitarle, quién incluso le reservó en verano algunos salones de una de sus residencias reales, la situada en Eltham Castle, Kent .Su taller estaba perfectamente especializado para poder atender la gran demanda de retratos ; tan grande era ésta que se precisaba pedir hora para ir a posar, y una vez allí el personaje de turno podía ver su lienzo pasar por varias manos distintas en las sucesivas fases de la operación. Por supuesto, el maestro atendía con toda dedicación el trabajo de postura(bocetos previos), rostro, manos y retoques finales. El resultado estaba garantizado : era siempre maravilloso. Podeis ver una serie larguísima de retratos de este pintor ahora en esta referencia y también traigo esta otra estupenda página aunque con textos en inglés.

Quizá las mejores están en esta referencia de la National Gallery.

Pero también deberíamos hablar un poco del modelo, que ,al fín y al cabo, es el que nos ha llamado la atención. En el retrato viste el uniforme de caballero de  la Order de la Jarretera . Las biografías dicen que fué Conde de Danby, miembro del Consejo Privado y guardián del sello real. El último Conde de esta casa, pues fué un soltero empedernido y soldado también empedernido, y acabó siendo inmensamente rico. Gracias a ello pudo acometer en vida una tarea que le ennoblece aún más : Henry Danvers es el fundador de los Jardines Botánicos de Oxford, los más antiguos de toda Inglaterra y casi del mundo, y cuya primera finalidad fué el cultivo y estudio de plantas para uso medicinal . Aportó más de 5000 libras de entonces, unas 745.000 lbs de hoy día, para "glorificacion de las obras de Dios y para la promoción de la cultura". 

Ah !, se me olvidaba ya :  la mancha negra de la cara es un parche para tapar una fea cicatriz que tenía.

Gabriel Metsu - la visita del médico

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La visita del médico , ó quizá se la hubiera podido llamar "el mal de amor", que posiblemente es lo que Metsu nos quiere mostrar:  una dama de la clase media-alta, desde luego acomodada, que languidece por algún tipo de carencia amorosa que le provoca melancolía, falta de apetito ó cambios bruscos de humor. No, no nos estamos aventurando demasiado en nuestras conjeturas sobre las intenciones del pintor, ya que este tema estuvo de moda precisamente durante gran parte del siglo XVII en Holanda, y no solo Metsu, sino también Samuel van Hoogstraten, Jan Steen y muchos otros pintaron mujeres, casi siempre adolescentes y jóvenes, aquejadas de esta romántica dolencia. Incluso se sabe que durante la segunda mitad del siglo se dieron en las Universidades de Leiden y Utrecht hasta diecisiete disertaciones sobre el tema. Fijaros en el doctor y sobre todo en la dama de compañía de la derecha, observar que su gesto no es en ningún modo de tristeza ó abatimiento sino más bién se nos antoja un tanto suspicaz. De los pintores mencionados, Jan Steen se lleva la palma con casi cincuenta visitas de Doctor, y dos de ellas las traemos aquí : Jan Steen (1), Jan Steen (2).

Pero hablemos de Gabriel Metsu . Hace poco más de un año, quizá dos, tuvimos en Madrid la suerte de ver una exposición, creo que también en el Prado sobre el gran pintor del Siglo de Oro holandés Vermeer, y creo que a las numerosísimas personas que tuvieron el gusto de verla, entre las cuales tuve la suerte de encontrarme, nos dejaron sus obras realmente maravillados. Pués bién, hace un siglo y pico , hacia finales del siglo XIX,  nos hubieran traído no a Johannes Vermeer sino a Gabriel Metsu, como la figura indiscutible de la pintura de género holandesa en su mayor época de esplendor. En efecto, durante todos los siglos XVIII y XIX , Metsu era el más considerado y mientras sus obras eran febrilmente admiradas y adquiridas para las colecciones de los nobles de toda Europa, Vermeer era casi desconocido. Ha sido durante el siglo XX cuando la figura de este último ha sido redescubierta , estudiada y, meritoriamente, admirada.

Del porqué de los valores de nuestro artista y  su obra no hace falta desarrollar ninguna tesis, basta con ver este cuadro que hemos traído. No puede ser más hermoso ni estar mejor construído e iluminado, la blancura central rodeada de rojos y granates y rematada por una falda de una calidad, color y textura asombrosas, solo quizá superadas por las franjas de armiño blanco que enmarcan la chaqueta. Fué un gran pintor de escenas de la vida corriente de los holandeses el Siglo XVII, al principio escenas más rurales y posteriormente de la clase media y la nobleza. Traemos uno de sus autorretratos, que se autotituló Autorretrato de un cazador bañándose, !un autorretrato bañándose!, no es nada corriente en la historia del Arte, pero no direis que no nos permite conocer a Gabriel Metsu algo mejor que con un simple retrato de cara .Metsu se autorretrató también como personaje de alguna de sus obras.

Otras  obras suyas y algunas damas más con mal de amor

Willen Kalf - bodegón con copas y frutas

  

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Bellísimo,¿no es así?. Una delicia a saborear, un encuentro amable en el recorrido de los cuadros de esta exposición. Autor poco conocido entre el público en general, y muy conocido enseguida para los que empiecen a profundizar en la pintura holandesa del XVII. En efecto, se trata quiza del pintor de bodegones más exquisito y delicado de la historia el arte y ésta está llena de magníficos pintores del género en cuestión.A mi, sinceramente me impresionó el otro día este cuadro. Su color es maravilloso, sí, por supuesto resaltado y magnificado por el claroscuro del lienzo, pero esto lo hacían todos en cuanto podían en este género y en todos los géneros´sin ningún escrúpulo, aunque a algunos el truco no les saliera tan bién. Kalf  borda este efecto con una sutileza sin igual.

Willen Kalf fué uno de los grandes maestros holandeses en el tipo de bodegón llamado pronkstilleven, término que viene a ser algo como bodegón ostentoso, pues como veis todos los objetos representados, excluyendo lo que sería la comida, son objetos caros, de valor al menos aparente, lujosos, no los tendría problablemente cualquiera. Quizá Kalf no optó deliberadamente en un momento de su carrera por la representación de estos lujos, sino simplemente, como ocurre en tantas ocasiones en la vida, le llevaron a ello las propias circunstancias de su devenir. En efecto, en 1653 Kalf estuvo viviendo en casa de Johan le Thor, un conocido comerciante de Amsterdam y a la vez uno de los directores de la Compañia de las Indias Occidentales, que con seguridad facilitó al pintor todos esos objetos importados principalmente de China para que los incluyera en sus obras. De hecho el primer bodegón considerado pronkstilleven esta fechado, que casualidad, en el año 1653. Sea como fuere, a ese primero siguieron muchos otros y el público empezó a cogerles el gusto y a reclamarlos, y el pintor , sin perder por supuesto un ápice de belleza y calidad, hubo de recurrir un poco , me cuesta decirlo, a la repetición, aunque sin llegar a la receta. Repeticiones han hecho todos los pintores , malos ,buenos y excelentes, muchos experimentando, otros con fines exclusivamente comerciales, quizá como Kalf. Ejemplo de repetición es éste mismo cuadro repetido en el Rijksmuseum, como podeis observar.

Aprovecho este comentario para hacer un homenaje a la pintura de bodegón holandesa del Barroco, que por supuesto engloba a Kalf, pero que cuenta con otros magníficos pintores del género; de entre éstos traemos solo a tres para no aburrir , pero creo que os gustarán : Abraham van Beyeren , Willem Heda y Pieter Claesz .

Pero no nos vamos todavía, traemos también tres regalos para la vista. Veamos, el primero es una página con unos cuantos  pronkstilleven del propio Kalf . El segundo presente consta de tres cuadros que tiene el Museo Thyssen de Madrid de éste mismo autor. Y, por último, acabamos con otro bodegón suyo fotografiado con una magnífica resolución que permite saborear uno de estos delicatessen. ( Apurar la ampliación permitida con el signo + que se encuentra en la esquina superior izquierda)

P.P.Rubens - paisaje con carro de piedras

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paisaje de alrededor del año 1620 . Contaba Rubens con unos 43 años y se trata de uno de sus primeros paisajes, aunque ,por supuesto , hubiera utilizado ya el tema de la naturaleza indirectamente como fondo de multitud de cuadros religiosos y mitológicos. Pero aquí ya lo trata como tal, aunque introduce un tema digamos central : la carreta, que además está cargada de piedras, se encuentra en un camino evidentemente tortuoso y difícil  y coloca a los que la llevan en una situación comprometida, esforzada y violenta. No discurre el carromato plácidamente por un paisaje idílico sino por un pasaje crítico para el cargamento que transporta. Bueno, digamos que es el Rubens de siempre, de muchos de sus cuadros. Si no , fijaros en la clase y variedad de árboles que nos trae a escena, es toda una selección de árboles que parece han tenido un crecimiento dificultoso y terrible que les ha llevado a formas adultas un tanto inverosímiles, ¿no es así?. Luego el paisaje se apacigua a ambos lados y sorprendentemente parece que quiere representar en cada uno una hora distinta del día, la noche en la izquierda y todavía el día en la derecha; o quizá no sea así, es solo una casualidad, al fin y al cabo , la salida de una brillante luna suele darse en tardes aún iluminadas por el último sol, pero lo que sí está claro es que el pintor se recrea en los efectos lumínicos de la naturaleza con esa hermosa luna y su reflejo en el agua. Encontramos un paisaje de este estilo, y también de estos años en paisaje con Filemón y Baucis, aunque aquí casi podemos decir que el protagonista es el mismo paisaje ya, esto es el río y el cielo ; el primero hasta atrapa un cordero en sus aguas y compite con los propiós árboles en lo que a retorcimientos y fuerza se refiere.

Seis años después muere su primera mujer y solo tarda tres años en volver a casarse, esta vez con una jovencita, de,al parecer, diecisite años. Rubens contaba ya con 53. La nueva mujer, Helene Fourment, que así se llamaba, transforma al pintor, ó es ya su edad avanzada, lo cierto es que compra !el castillo de Het Steen, en las cercanías de Amberes ! (podía hacerlo pues estaba en la cumbre de su carrera donde llevaba ya muchos años instalado). Lo cierto es que prácticamente se retira allí con su nueva esposa y sus hijos y delega cada vez más la dirección de su taller a otros de sus discípulos aventajados. Allí , según el mismo dice encontraría la paz de espíritu, libre de preocupaciones, muchas veces asuntos de estado, en las que se encontró a menudo comprometido , libre también de engorrosos y monumentales encargos, que también abundaron en su carrera, y dedicado exclusivamente a su principal pasión : la pintura. Es entonces, en esos diez últimos años de su vida, cuando más desarrolla el paisaje, pero ahora se trata de un paisaje tranquilo , amable, donde se recrea aún más en los efectos atmosféricos y lumínicos. Quizá fué la época de su vida en la que el pintor verdaderamente disfrutó de su habilidad con los pinceles, haciendo lo que quería y como quería. De esta dulce etapa y de la inmediatamente anterior traemos algunos de sus paisajes, de los que, os aconsejo, apureis al máximo su resolución.

el oro de los griegos

peine con escena de batalla - siglos IV - V a.C.

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broche de cinturón - siglos IV - III a.C.

No había visto nunca el oro brillar de esta manera. En las fotos no se aprecia bién porque les falta algo de nitidez, pero en el Prado éstas y muchas otras joyas han sido colocadas en las mejores condiciones para mostrar todo su esplendor. No os las perdais si vivís en Madrid o alrededores. Forman parte éstas de la colección siberiana, perteneciente al zar Pedro I llamado el Grande, por su gran estatura pero sobre todo por lo que engrandeció a su país, Rusia, mientras fué Zar. La primera es la mitad de un broche de un cinturón. La colección cuenta al parecer con 14 pares diferentes de esta clase, todos ellos representando animales en acción, tema muy común en este tipo de objetos de las culturas nómadas de Eurasia. En 1715 el Zar recibió, como presente por el nacimiento de su primer hijo, una gran cantidad de objetos artísticos y joyas, muchas de ellas provenientes de sepulcros siberianos. La belleza de su ejecución cautivó al Zar y a partir de ahí se aplicó a la protección de ese patrimonio que hasta entonces estaba siendo diezmado por los saqueos. La mayoría de los frutos de estos saqueos acababan siendo fundidos y por ello se ordenó la entrega a la Corona de cualquier nuevo hallazgo.Naturalmente el tesoro creció enormemente y hoy se encuentra en el Hermitage de San Petersburgo a disposición de todo el que lo visite, solo para verlo ,claro.

El Hermitage en el Prado - 8nov2011  al   8abr2012

Philips Koninck - Bert van der Leck

Philips Koninck - vista panorámica con ciudad al fondo

Bart van der Leck - estudio para composición nº 7 y 8

lo mismo podemos decir de la siguiente pareja de cuadros realizados también en las mismas condiciones y en la misma época ,aunque por otros artistas de estos mismos grupos. Aquí ya voy a transcribir directamente algunos comentarios contenidos en el pequeño catálogo de esta mini-exposición que Paloma Alarcó nos ofrece relativos a estas obras : Al contemplar la vista panorámica con ciudad al fondo, una efectista pintura de horizontes lejanos y elevados, comprobamos que el pintor se vale de una especial perspectiva creada a base de sucesivos estratos de tierras, agua y árboles que se prestan al análisis formal riguroso. A través del punto de vista elevado, Koninck se aleja de la perspectiva albertiana y el tratamiento radical de la topografía y de la luz le distancia del paisaje real.............las dos nos ofrecen un mapa-paisaje a la inversa: al apartarse de la visión en profundidad, convierten el paisaje en un mapa. En efecto, Koninck , al igual que le ocurría a Vrel en la pareja anterior, no pretende centrar en algun acontecimiento concreto del paisaje nuestra atención, se limita a presentar una sucesión indefinida de elementos paisajísticos definidos y monótonos: líneas de árboles,prado,pequeña alameda, otro prado algo mayor, pequeño lago, árboles otra vez...bueno, tal vez como sería el paisaje, pero en Italia nos hubiesen puesto un árbol en primer plano, una hermosa torre o ciudad con un cortejo aproximándosele....algo de emoción ó ,al menos, de acción. La traducción a De Stijl del cuadro es exactamente lo que vemos en el de van der Leck : una línea naranja horizontal, pequeña línea azul vertical..aquí se compone un cuadrado ...luego este otro muy similar algo más amarillo..línea naranja algo ocre..y  sucesivamente repetición de lo mismo. La misma compartimentación del plano. Termina Paloma Alarcó el programa con esta, creo yo, acertadísima frase :                                                                                                                                                         

Como grandes maestros de la cartografía pictórica ¿no intentaron todos ellos definir a través de sus 

metáforas el orden que se oculta tras la apariencia de la realidad ? .                                                      

 No queremos dejar a Piet Mondrian de lado en ésta pequeña presentación de De Stijl, por lo que hemos traído algunas de sus obras en el siguiente enlace : Piet Mondrian

                                                  

Jacobus Vrei - Theo van Doesburg

                                   

          Jacobus Vrei - interior con una mujer sentada

                                                    Theo van Doesburg - Composición XX
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Hoy volvemos al Thyssen. Allí me he encontrado con otra sorpresa estupenda en un rincón, una pequeña sala en el primer piso donde han expuesto juntas unas cuantas obras verdaderamente únicas.Parece que no hay nada y te encuentras de pronto un verdadero tesoro. Se llama la sala de exposiciones Contexto y enseguida la encontrais subiendo una pequeña escalera detras de las taquillas. Nada menos que tres magníficos cuadros de la escuela holandesa del siglo XVII y cuatro del movimiento, tambien holandés De Stijl del siglo XX. Trescientos años de diferencia a cuestas, y además, contraste brutal , negruras contra color, antiguos y modernos, en fín , como debe corresponder, dos épocas y formas de vida difererentes. ¿porqué están juntos?. Bién , veamos : fijémonos en la primera pareja que he puesto juntos justo encima de estas líneas. El de más arriba pertenece a una época en la que Holanda tuvo un verdadero Siglo de Oro y también un estado de guerra contínuo que la llevó a apartarse de los planteamientos italianos y a hacer una pintura más nórdica , más serena ,más descriptiva, realmente no existe un argumento , solo se disponen cosas en orden, se las describe en detalle con el mayor realismo posible, quedan perfectamente ordenadas , como colocadas en un plano liso ocupando cada una  su pequeña parcela , su trozo de rectángulo.En el cuadro,donde no pasa nada, solo es una mujer de espaldas, no nos muestran ni su cara, en una habitación "habitual" donde cada día es igual y todo está en su sitio, hay dos ventanas superiores, dos rectángulos y dos inferiores, otros dos rectángulos, una mesa, otro rectángulo más, las sillas, los laterales, otros rectángulos, las zonas de sombra, puertas oscuras, zonas alargadas de luz, todo líneas paralelas y perpendiculares, horizontales y verticales, orden perfecto, areas equilibradas, no hay nada mucho más grande, serenidad y equilibrio.

El de debajo es exactamente igual y lo han hecho los del mismo país , mucho más tarde ,pero en unas condiciones parecidas, la guerra , 1917, les ha aislado, han quedado a un lado, en la neutralidad y se están planteando también el mismo orden ,la misma concepción un tanto ascética de la representación, pero ahora llevada hasta el final. Reducción a lo esencial de las formas y del color: así pues, lo más simple en formas: la línea recta, lo más simple en color : los colores primarios, nada de colores reales o mezclas impuras. Las rectas al cruzarse componen rectángulos y cuadrados, pero nada más. Fuera de eso , cualquier desvío hacia el formalismo o hacia la descripción de algo ,queda fuera de lugar, es impuro, destroza la pureza espiritual. El resultado son estos cuadros tan conocidos , tan famosos y tan imitados feliz o infelizmente, pero que brillan con gran fuerza en el arte del siglo XX al ser la base de toda una nueva concepción en las otras artes y de manera muy especial en la arquitectura, donde la influencia es ,desde el primer momento directa. Hoy todavía estamos construyendo así , muchísimos hermosos edificios tienen la firma De Stijl en sus plantas y en sus fachadas. Un aplauso para Jacobus y otro para Theo.

 Otros cuadros de Jacobus Vrel :

mujer a la lumbre

mujer en la ventana

mujer en la chimenea

Mondrian, De Stijl  y la tradición artística holandesa

miradas cruzadas 1

Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid 

7 febrero al  6 mayo 2012

Pieter Bruegel el viejo - El vino de la fiesta de San Martín

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!sorpresa en la ampliación del Museo del PRADO de Madrid ! (ampliación de Moneo, como ya la llaman para abreviar, lo cual es justo y meritorio) . Ir a la primera planta por la escalera mecánica y a la izquierda, en la sala más al oeste del nuevo edificio, está esta maravillosa obra. De lo mejor. y , por supuesto, entrada libre. Un cuadro de grandes proporciones (148 x 270 cm. ) presentado solo en una salita y acompañado de multitud de detalles de su hallazgo y su restauración. ¿Es importante y bueno?. Por partes : es importante ; se sabía que existía por una estampa existente del mismo, pero se daba por perdido. Esto , si se tratara de Van Gogh, al que se le atribuyen más de 800 cuadros, y no digamos si hablasemos de Picasso, no sería una pérdida importante en el conocimiento de su obra, pero de Bruegel el Viejo solo contamos con ! 40 lienzos en todo el mundo!, de los cuales , por si quereis ver un gran número de ellos de una vez, 12 están en el Kunsthistorisches Museum de Viena. Al parecer el emperador Rodolfo II hizo grandes gastos para poseer todos los cuadros de este pintor posibles.  Os paso dos páginas con sus cuadros más importantes :

19 obras de Pieter Bruegel

otras obras de Pieter Bruegel

Para el Prado su adquisición sirve para buscarle un compañero a el triunfo de la muerte, algo más pequeño (117 x 162 cm), pero va a ser emocionante verlos juntos. Importante también ha sido el hecho de su recuparación a tiempo: si éste cuadro hubiese permanecido, en su estado de deterioro, demasiado tiempo quizá se hubiera perdido para siempre. Definitiva pues la maravillosa recuperación de  Elisa Mora y su equipo en su trabajo de casi dos años. Gracias a ellos podemos admirar una obra bellísima y luminosa de un contínuo tono ocre-marrón (quizá derivado del tono mate propio de las sargas, el tejido en el que está pintado) magníficamente animado por Bruegel con la introducción por todo el cuadro de vívidos azules, blancos  y escarlatas. De los detalles de su adquisición se ha escrito mucho y en internet podeis encontrar todos los datos.( ver si quereis : benitonavarrete.blogspot). Al parecer en el inventario del  IX Duque de Medinaceli, embajador en Roma y después Virrey de Nápoles, ya figuraba esta obra valorada en 8000 reales , un valor mayor que el de "Las Hilanderas de Velázquez , que también se encontraba en dicho inventario.Ahora , de su actual propietario, y no entramos en detalles por si no estuviesen confirmados, y a través de la casa de subastas británica Sotheby's, ha pasado felizmente a ser patrimonio de todos nosotros. Y esta es la siguiente cosa importante, que la podemos ver todos cuando nos apetezca y seamos quienes seamos.

Y además, que no se nos quede en el tintero, la obra es excelente, ya que se trata de una de las más ambiciosas e incluso de las más complejas del pintor, y tiene unas cuantas de lo más complejo, solo recordar El Triunfo de la Muerte. Darle vida y distribuir a más de 100 personajes por todo el cuadro creo que es una ardua tarea de la que sale Bruegel con total brillantez. En fín, disfrutar si podeis verla directamente en el Museo del Prado, y para los que no, os dejo una página de detalles editada por el propio Museo.

Por último, el cuadro, ya lo sabreis,  representa el primer vino, primer caldo de la primera vendimia del año   que se ofrecía el 11 de Noviembre, día de San Martín, práctica, la de degustar este primer vino, que todavía la he podido disfrutar hace poco en Francia. Coincidía también con la matanza de otoño, y se ofrecía fuera de la ciudad, en sus puertas.

Alejo Vera - Entierro de S.Lorenzo en las catacumbas de Roma

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Historias Sagradas - exposición de pinturas religiosas de artistas españoles en Roma (1852 - 1864)
Museo del Prado - Feb 2012

Junto a las salas dedicadas a la pintura española del S XIX ,se presenta esta pequeña exposición de tan solo cinco cuadros, de la cual he traído éste porque, bajo mi punto de vista ,destaca de los demás por su corrección y delicadeza. Bueno, vamos a empezar a hablar de Roma otra vez; creo que se cita a Roma en casi todos los cuadros  que han ido apareciendo en éstas páginas. Ahora es la Roma de la segunda mitad del XIX y ahí sigue ,ahora con un papel ¿didáctico?,...Ya no eran las clases privilegiadas, ahora son  artistas de talento prometedor los que venían a Roma a corraborarlo. Venían becados, en otro caso difícilmente habrían podido costearse una estancia completa de varios meses,  y tenían su joven espíritu  abierto, libre y estusiasta para ver , copiar, aprender y en definitiva ,soñar. Pero había una pequeña espina, obligatoria por norma, que era el llevar a cabo una gran pintura de composición que justificara sus estudios. También era, al fin de cuentas, una forma de lucirse y de demostrar aptitudes. Alejo Vera es uno de estos pintores, que ,sin embargo, cuando llega a Roma , tiene ya tras de sí bastantes éxitos como artista.  Y , desde luego se luce, pasa con creces el nivel exigido con este cuadro, que obtiene después, en la exposicion Nacional de Bellas artes de  1862, medalla de primera clase. Podría parecer una pintura más para llenar alguna gran pared eclesial a un lado del crucero, allí en lo alto, con poca luz, como tantas que llenan nuestras iglesias y que ,sin embargo, nos dirían muchas cosas a poco que nos detuviéramos un rato en cada una .

Cuando Alejo llega a Roma se acababan de descubrir algunos enterramientos importantes de los primeros cristianos y éste acontecimiento influyó enormemente en los numerosos artistas y en sus obras. No es para menos, el mundo subterráneo de las Catacumbas cristianas es visita obligada de cualquiera que se pase por la Ciudad Eterna, por su enorme extensión, casi 300 kms. de túneles y tumbas a varios niveles, y por su profusión de objetos y reliquias, que ,como vemos, seguían encontrándose en los años del Alejo becado.

Aquí nuestro pintor lleva a cabo, de forma puramente académica, el tema del entierro de S.Lorenzo , después de haber sido martirizado como todo el mundo conoce, ya sabeis, quemado sobre una parrilla. Sin embargo, el cuerpo del santo y mártir aparece en todo su esplendor, casi glorificado, sin una señal del terrible tormento padecido. Los acompañantes son a su vez ilustres y serenos, según el Acta de los Mártires son cristianos compañeros y allegados al santo, Justino, Ciriaca, Flavia e Hipólito, todos en un perfecto equilibrio de composición e ilumunados por una sola llama, inmóvil y delicadísima.

De este pintor os traigo una imagen de su obra más conocida , últimos días de Numancia