William Blake - lámina 11 del Libro de Urizen

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Muy poca gente sabe de esta exposición, aún en el mismo Madrid, quizá sea el verano ó lo poco llamativa que parece a simple vista.  Bueno ,va a estar hasta el 21 de Octubre y, por supuesto,merece la pena conocer a este artista y hombre de letras nacido en  Londres en 1757. En efecto, poeta , escritor y también filósofo , para mí especialmente filósofo y pensador y, finalmente, pintor. Desde este blog vamos a hablar de sus cuadros ,aunque vamos a necesitar hablar también de su espíritu cada vez que nos pongamos delante de alguno. En el catálogo de mano proponen la exposición como "Visiones en el arte Británico". ¿un visionario?

Para entender su obra es preciso conocer paso a paso los primeros años de su vida , definitivos en su formación y en su mente. Siempre he insistido desde estas páginas que el encadenamiento de una serie de hechos y circunstancias , sumado en la mayoría de los casos, pero no siempre, a unas características genéticas o propias, dan lugar a una obra humana útil ó destacable ó bién dañina y destructiva. Y esto ,claro está, en todos sus grados. Me direis que de acuerdo, que es de cajón, pero solo pretendo que lo advirtais en éste artista genial. Sus padres pertenecían a la iglesia de Moravia, una rama protestante desligada de la Iglesia católica ya en pleno siglo XIV , cuyo fundador murió en la hoguera y que propugnaba un retorno a las costumbres y pureza de la Iglesia primitiva.El contacto con la doctrina cristiana y con la misma Biblia fué constante en estos primeros años. A continuacion, tras fallecer el padre, la madre se integró en otro grupo religioso , los Disidentes, que se oponían a la propia Iglesia Anglicana. Enseguida , no se sabe como ni porqué, William empezó a tener visiones : ángeles, estrellas, personas y objetos sobrenaturales que provocaron la ira del padre y quizá cierta comprensión de la madre. Un muchacho tan especial no fué a la escuela, recibiendo educación en su misma casa durante bastantes años, y, mientras, salen los genes, se comía los libros y empezaba a desarrollar una gran facilidad para el dibujo y la representación en general.
Por ello le inscribieron en una escuela , le procuraron cuando pudieron, grabados y láminas de artistas clásicos que él copiaba , y finalmente , a los 14 años , le pusieron de aprendiz de grabador nada menos que con James Basire, de la Royal Society, quién le enviaba con frecuencia a copiar a la abadía de Wensminster : horas y horas pasadas en le penumbra de esta iglesia entre adornos funerarios, estelas, armaduras ,esculturas y bajorrelieves. Allí tuvo otra de  sus visiones . Con 16 años llevó a cabo su José de Arimatea entre las rocas de Albión .   Siete años nada menos con Basire y a los 21 entra como estudiante en la Royal Academy donde permanecería otros seis años más.

Federico Beltrán Massés - las perlas

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Después de ver esta exposición, la inmensa mayoría de los visitantes habrán llegado a la conclusión de que Bertrán Massés fué principalmente un pintor de mujeres, mejor dicho , de mujeres hermosas, mujeres de ojos enormes , enigmáticos y seductores, mujeres utópicas, irreales, casi etéreas, con cierto aire fatalista en algunos casos, mujeres en un pedestal, como diosas inalcanzables e inmortales. Y si no mirar este cuadro de 1934, donde no sabemos si su título se refiere a las perlas que lleva una de las bellas alrededor de su cintura ó a ellas mismas. El cuadro es, sin duda, el más luminoso y sugerente de la exposición, es un verdadero canto a la mujer y a la belleza de la vida, del mundo ,del mar , del aire  y de la misma arena. Piel turgente , cabellos de oro y ojos bañados de cielo azul que salen a recibir al sol desde un mar amable , verde y cristalino. 

En 1924  Bertrán Massés se embarcó en Cherburgo rumbo a Norteamérica a bordo del  Leviathan. Ese mismo año había sido presentado en la Riviera francesa a todo un Rodolfo Valentino en la plenitud de su fama como artista de la pantalla. Llegaron a ser bastante amigos, o ,por lo menos, tuvieron bastante relación a lo largo de unos años. Valentino le presentó a medio Hollywood . Hay un cuadro de Massés donde están representados Valentino y la actriz de origen polaco Pola Negri, estrella indiscutible del cine mudo de Hollywood. Sin embargo para nuestro famoso pintor esta amistad no tiene nada de excepcional. Su vida es una contínua sucesión de premios, exposiciones exitosas, relaciones, viajes, hoteles lujosos, nuevas amistades, encargos y , como no, trabajo constante.

Sus retratos son numerosísimos, se puede hablar de él como de un pintor esencialmente retratista, aunque suponemos que no sería ésta su vertiente más deseada, al fín y al cabo el retrato es siempre un tema impuesto, aún cuando los suyos están casi todos envueltos en un carácter muy personal y profundo, especialmente los femeninos. Ante sus pinceles posaron , asombraros, todos estos personajes de su época, y supongo que muchísimos más no tan famosos : estrellas del cine como Rodolfo Valentino,Douglas Fairbanks, Joan Crawford, Marion Davies, Gloria Swanson , millonarios tales como William Randolph Hers ( magnate, editor y periodista, su vida la conoceis a través de la película Ciudadano Kane ), Forbes ( fundador de la famosa revista de ese nombre), los Rothschild, los Peugeot o Lucie Florio, reyes, papas y aristócratas del mundo entero tal y como: Pío XII,  Alfonso XIII de España, Jorge VI del Reino Unido, Humberto II de Italia, Jorge II de Grecia, el Sha de Persia, los maharajaes de Kapurtala, de Indore, la princesa Haag de Dinamarca, las marquesas Luisa Casati, de Casa Maury, de Martègne, las duquesas Sacha Sforza, de la Unión de Cuba, las condesas Arlette Schneider, Raymonde Poilove de Saint Perrier, de Montgomery, el vizconde Alain de Léché, Lady Michelham, Mme. Wellington Koo............

Desgraciadamente la mayoría de sus obras se encuentran en colecciones particulares,pero sin embargo podeis ver dos obras en el Museo de Art Decó y Art Nouveau, Casa Lis de Salamanca. Se trata de la que presentamos en este blog mujer con pamela verde y Salomé. De paso veis el Museo que es una maravilla, tanto por sus obras como por el edificio en sí, otra cosa más a admirar en esta ciudad verdaderamente monumental.

A continuación traemos el siguiente enlace con una sucesion de diapositivas, a través de Picassa, de obras de Beltrán Massés. Ver y juzgar a éste pintor socialmente activísimo y abierto al mundo que murió en el hotel Ritz de Barcelona en 1949, dicen que bastante olvidado y triste y seguramente añorando aquellos maravillosos años 20 llenos de luz , sonrisas y vida .

Federico Beltrán Massés - mujer con pamela verde

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otra hermosa sorpresa , esta vez en el Museo de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, qué, para los que no lo sepais, está en la calle Alcalá junto al Casino de Madrid, en la acera de la derecha poco antes de llegar a la Puerta del Sol . Se trata de un Museo normalmente poco visitado, pero de vez en cuando ofrece exposiciones temporales sorprendentes, como ésta.

Para mí era un pintor desconocido, pero no soy ningún erudito y  posiblemente la mayoría de los que me leen le conocerán ó habrán oído hablar de él. Si hubiésemos vivido y tenido algo de aficción al arte durante los famosos años veinte, por ejemplo, habríamos oído hablar con seguridad de Beltrán,  aunque seguramente no habríamos visto ninguna de sus obras, no porque fueran éstas escasas, sino por no estar, aquí en España al menos, tan abierto al ciudadano corriente el mundo de las obras de arte y sus exposiciones. No es que no hubiera ocasiones de ver obras de artistas del momento, lo que no había era costumbre generalizada de hacerlo, exceptuando normalmente las clases altas y por supuesto entusiastas de vocación y de espíritu, que siempre los ha habido. La gran demanda que tienen hoy día este tipo de acontecimientos artísticos, tanto en las grandes ciudades como en las más modestas, es algo único y en parte obedece, creo yo, a la eficacia de la moderna publicidad, tanto profesional como la popular del boca a boca, y a la potente posibilidad de relación social y cultural que ofrecen los asentamientos urbanos actuales.

Aprovecho la ocasión para decir justamente lo contrario de las galerías de Arte de la calle y otras salas de exposiciones municipales y locales. En estas, generalmente sin propaganda alguna, la afluencia es casi cero, exceptuando el día de la inaguración durante el cual, por ser un momento de encuentro de familiares y amigos y tener aperitivo gratis, esta puede ser de uno ó dos; el resto de los días desolación y tristeza en la sala. No empezaremos a ser una nación algo culta hasta que no empecemos a tener criterio artístico independiente y sincero, sin necesidad de apoyarnos siempre en el bastón de la publicidad ó la noticia de moda : "me gusta este cuadro sin saber si vale mucho ó poco ni quién lo ha pintado".

En fín, no es el tema de ésta entrada, pero, animo a todos a llenar las salas de exposiciones de pintores actuales, a visitarlas con más frecuencia, aunque sigais haciendo colas interminables en los grandes Museos para ver a nuestros genios. Son en realidad la cresta de la ola de la vida cultural de nuestro mundo y por ello debían interesarnos todavía más que nuestros bellos y antiguos Museos.

Dije antes que habríamos oído hablar con seguridad de Beltrán Massés en su época de esplendor porque realmente fué un pintor que alcanzó de verdad este esplendor. Nacido en Cuba poco antes de su independencia de España, se educó en Barcelona , de donde era su familia y pronto comenzo a pintar , acudiendo a la conocida escuela Llotja y, más tarde, en la Escuela de Bellas Artes, recibiría clases del mismísimo Sorolla.

Se casó con otra pintora perteneciente a una familia de posición acomodada y , quizá gracias a ello, pudieron instalarse en París en plena Guerra Mundial, 1916, y permanecieron en ella hasta el final de la  siguiente gran contienda, 1946. Pues bién , solamente en estos años de París llevó a cabo más de 50 exposiciones, muchas de ellas individuales y en los sitios más variados, desde Sudafrica a Nueva York pasando por Venecia, Túnez ó Londres. Ya en la de Venecia, bienal del año 1920, contó con una gran sala para su uso individual y su éxito fue enorme. Anteriormente ya había recibido muchos primeros premios y menciones, cuyo numero, cuando leí los paneles informativos de la exposición, me pareciero impresionante. En efecto, allá donde iba era premiado, y su fama fué incrementandose año tras año especialmente entre las clases altas.

Marc Chagall - amazona sobre caballo rojo

   
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 la representación del mundo del circo, con todo lo que podía dar de sí para un artista de la sensibilidad de Chagall, fué constante a partir de un cierto momento en toda su obra. El circo de su niñez, posiblemente reducido a las visitas de saltimbanquis y cómicos más o menos aparatosos y coloristas, debió dejar también un recuerdo constante en su alma que después se reforzaría con sus frecuentes visitas al circo de invierno parisiense, donde parece ser que su amigo , el editor francés Ambroise Vollard disponía de palco. Este le propuso una serie de litografías precisamente sobre el tema, y a Chagall le volvió a parecer bién y emprendió la serie. Para ello dibujó 18 ilustraciones con gouache aprovechando el rodaje de una película en este mismo escenario parisino.

El cuadro representado, de 1970, es muy posterior a los dibujos al gouache que son de los años treinta. Maravillosos sus colores vibrantes, rojo y amarillo ,sobre el fondo misterioso azul de la penumbra cirquense. Los artistas evolucionan en un mundo mágico que Chagall lleva más allá de la propia representación : de nuevo la mujer frente al mundo natural y salvaje del caballo, rojo , noble y compenetrado con su amazona envuelta  de arriba a abajo en un vestido floral.

El desarrollo de las ilustraciones para la Biblia, frenaron el tema del Circo, que habría de ser también un libro, y no es hasta 1967 cuando éste se publica, ya con litografías y con textos del propio artista. En total 38 litografías que merecen la pena echarles un vistazo.

Acabamos en esta entrada con nuestro maravilloso Marc Chagall , aunque nunca nos desprenderíamos de su embrujo y seducción. Mereció la pena ver la Exposición. Para los que no hayais podido ver sus cuadros tal como los pintó, no desaprovecheis cualquier ocasión de encontraros con ellos. Os dejo una magnífica página de internet con una extensa y excelente relación de obras de este artista y mago del siglo XX :

435 obras de Chagall

Marc Chagall - ilustraciones para las fábulas de la Fontaine

   las dos palomas

                                                                  

                                                           la gata transformada en mujer

para ilustrar las ediciones de la obra de Gogol, las almas muertas y de las famosas fábulas de La Fontaine, Chagall aceptó el encargo de llevar a cabo una serie de grabados. La Fontaine había publicado sus  fábulas en el año 1668 acompañadas por ilustraciones del dibujante Chaveau . Posteriormente hubo otras ediciones y entre ellas una magnífica con dibujos de Gustavo Doré en 1867. Para la primera de éstas obras, Chagall  realizó, entre 1924 y 1927, hasta un total de 107 placas. Para la  la segunda hizo también dibujos preparatorios con guache, de los que aquí traemos la gata transformada en mujer, todos ellos de gran colorido y por supuesto, como siempre, con gran fantasía .  Las dos palomas es un grabado, pero también se muestra en la exposición su dibujo preparatorio en color. Al parecer estuvo trabajando en las placas desde 1927 a 1931 pero los grabados resultantes no se editaron hasta 1952, debido a la muerte del propio editor y a la segunda Gran Guerra. Cien placas para otras tantas fábulas elegidas. Dicen que el pintor estuvo viajando por la campiña francesa para ambientarse en el espíritu de las mismas ; sin embargo, de las100 ilustraciones se extraviaron más de la mitad y actualmente se  desconoce su paradero.

La edición de 1952 dió lugar a una tirada de 200 copias, 85 de las cuales fueron coloreadas por el mismo artista.

Traemos aquí una de las ediciones, puede ser la nº 22, totalmente en blanco y negro, es decir sin colorear por Chagall y otra perteneciente al grupo de las 85 coloreadas

Marc Chagall - Paris entre dos orillas

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Marc Chagall - la danza

     

     
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Marc Chagall - el circo azul

  

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Marc Chagall / los tejados rojos

    

        
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Marc Chagall / los amantes en el poste

    

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Marc Chagall - mundo rojo y negro

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los siguientes cinco cuadros que traemos son ya de la segunda parte de la exposición sobe Chagall presentada en la Fundación Cajamadrid de la plaza de San Martín , y se trata de la continuación cronológica de lo visto en el Museo Thyssen. Están los cinco comprendidos entre los años 1950 y 1953, años ya de tranquilidad para el pintor. Entre 1941 y 1948 los Chagall se exilaron en Estados Unidos por el peligro que corrían en la Francia ocupada. Gracias al director del Museo de Arte Moderno de Nueva York y del propio  Solomón Guggenheim, pudieron establecerse en esta ciudad a partir de Junio de dicho 1941. También gracias a Henry Matisse, hijo del amigo de Chagall , Matisse, y poseedor de una galería de arte , tuvo la ocasión de celebrar nada menos que 25 exposiciones de sus obras en el curso de estos 7 años neoyorquinos. Como vemos, las ayudas fueron decisivas en estos años de exilio, tuvo una suerte inmensa, cosa que no pasó con muchísimos compatriotas suyos. Pero hay acontecimientos sin embargo inevitables, que vienen cuando menos se piensan. Allí murió Bella en 1944, víctima de una infección viral al parecer mal cuidada, y Chagall se desmoronó.

Pero volvió a resurgir enseguida e incluso encontró pronto un nuevo amor,  Virginia Haggard, ama de llaves de su hija Ida, de ascendencia británica, 27 años menor que él, casada con un pintor escocés,  que hablaba francés y con la qué, en 1948,  volvió a Europa y  tuvo un nuevo hijo, David. 

En 1949 fué nombrado presidente honorario de la llamada  MRAP, algo así como movimiento contra el Racismo, el antisemitismo y a favor de la Paz. Virginia le dejó en 1952, pero ,una vez más, encontró una nueva compañera en Valentina Brodsky, conocida por Vava, y también ama de llaves , esta vez del propio Chagall, con 25 años menos que el pintor, y con quién ya pasó el resto de su vida.

Y, en este punto estamos con estos nuestros cinco cuadros. El primero,mundo rojo y negro, es de 1951. Los iremos comentando al paso, aunque creo que son todos muy similares. Colores deslumbrantes en fondos negros, grises o azules oscuros. Poco a poco las flores ganan protagonismo, y su mundo simbólico, sus personajes, objetos y animales permanecen. Su optimismo y alegría han vuelto y son cada vez  más ostensibles.

 

Marc Chagall - la caída del ángel

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una obra en la que estuvo trabajando, suponemos que no diariamente,  durante  nada menos que 24 años, desde 1923 hasta el 47, año además de la muerte de Bella, su esposa. Se sabe que el pintor fué añdiendo elementos , aunque la idea del tema , desde su comienzo, creemos que esta clara y a tono con los tiempos que corrían en Europa y el mundo entero. El proceso de elaboración de una obra de arte es muy diferente segun el tipo de la misma ,su intención, el cliente si lo hay, la época, el propio temperamento del autor y muchísimas otras variables, esto está claro, y pienso que casi todos los artistas consideran muchas de sus obras como eternamente inacabadas, o ,dicho de otro modo, consideran cualquier cosa salida de su mano como algo siempre abierto a ser retocado, modificado o incluso replanteado. Especialmente en la pintura al óleo, dada su versatilidad y su posibilidad de cambio, el no dar nunca por acabada una obra supone una enorme ventaja para la misma y permite al artista recrear continuamente lo ya hecho....un color nuevo aquí, una línea allá...esto no esta bién  y necesita mas fuerza......No hay más que contar con un  estudio de tamaño regular que permita tener al alcance de la vista y del pincel el mayor número de obras posible. Yo con frecuencia aprovecho el óleo sobrante en el pincel o la paleta para actuar sobre cuadros acabados y ya secos , tocando aquí y allá,  y puedo asegurar que todos van mejorando con cada toque, descubres muchísimos secretos del color y sobre todo aprendes con tus propios errores. Esto sin embargo ,es imposible hacerlo en la acuarela, mejor dicho, se puede hacer pero ,al revés que en el óleo , solo serviría para lo contrario, estropear cada vez más la pintura.

Perdonar que me extienda así en un tema técnico, pero tenía que decirlo : no existe una obra acabada mas que cuando se la quitan de algún modo de la vista al pintor.

 Aquí Chagall retocó, segun nos cuentan, para añadir figuras y cosas según le dictaba su estado, cambiante con los acontecimientos de su vida. La figura dominante es la el ángel que se precipita sobre la ciudad, seguramente su ciudad natal. De un rojo fuerte y con sus alas descompuestas es la imagen del Satán derribado por Dios que siembra el caos y el infierno en su caída, como la guerra y la persecución de su pueblo; a la izquierda un rabino, con gran expresión de terror, parece proteger la Torá del caos que se avecina. La catástrofe ha derribado en la esquina superior izquierda a uno de sus paisanos y ,en fín , aparecen aquí y allá elementos habituales de sus obras,como la madre y el hijo en la misma piel del ángel prometiendo la futura victoria de la vida sobre el horror y la desolación ,como la cabra , esta vez amarilla , indicando la fuerza del mundo natural, leche, carne, imágenes optimistas de Chagall, el violín , su música folklorica siempre presente, la figura de Jesús en la Cruz, sacrificado como lo estaba siendo su pueblo. Están  pues los tres elemnetos simbólicos de toda su obra : tradición judía, su Rusia querida y el Cristianismo.

Y están la tragedia y la desesperación  que dejan paso a la esperanza y la paz. En la noche negra y letal rasgada por el relámpago rojo del angel, vemos brillar la luna y el cirio iluminados y plenos. Todo un cántico a la esperanza y la fe en la vida y el amor. Quizá se trate del Chagall más auténtico de toda la exposición.

Marc Chagall - sueño de una noche de verano

  

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cuadro del año 1939 , hemos dado un gran salto en el tiempo y estamos al borde de otra guerra, con Chagall en Francia desde el año 1922 bastante temeroso por los acontecimientos que se precipitaban sin remedio. Ya en 1930  habían sido confiscadas 59 de sus obras por los nazis en Munich para ser mostradas como ejemplo de Arte degenerado en la exposición que bajo ese mismo titulo se celebró en dicha ciudad. En todos estos años Chagall se ha asentado como pintor e ilustrador y es un artista tan reconocido como para haber podido celebrar una exposición retrospectiva de su obra en 1924 a sus 37 años y posteriormenete otra exposición en Nueva York el año 1926, año en el que también recibe el encargo de ilustrar las Fábulas de La Fontaine . Que diferente panorama al de su segunda llegada a la capital de Francia con su mujer y su hija, y verse prácticamente en la pobreza al comprobar primeramente que sus obras dejadas en Alemania habían sido malvendidas por efecto de la inflación galopante, y, además, que se habían perdido muchos de los cuadros dejados en su último alojamiento de la Rouche en París. Entre ellos figuraban el cumpleaños y sobrevolando Vitebsk , y al parecer pasó mucho tiempo rehaciendo obras perdidas valiéndose de bocetos y dibujos preparatorios qué, por fortuna, aún conservaba.

La obra que vemos representa un tema conocidísimo y queridísimo por Chagall : se trata de una escena de Sueño de una noche de verano,sobre la conocida  obra del mismo título de W. Shakespeare. El pintor la había leído al parecer bastantes veces. La comenzó en 1930.  Si conoceis la bellísima comedia del dramaturgo inglés, os diré que ha representado a Titania ,la reina de las Hadas del Bosque ,y a Bottom, uno de los artesanos encargados de representar un drama para festejar las bodas del Duque. El argumento es un pelín largo de contar, pero resumiendo sería algo así : Oberón, marido de Titania y Rey de las Hadas decide castigar a ésta por la disputa común de un bello joven, y lo hace encargando la búsqueda de la flor de Occidente color púrpura llamada amor desconsolado que tiene el poder de, exprimida sobre los párpados de cualquier durmiente, hacer que se enamore del primer ser viviente, animal ó persona , que vea justo al despertar. Con ésta artimaña mágica Titania se enamorará ,casi probablemente, de cualquier animal del bosque y olvidará el joven en disputa. En efecto, al despertar Titania, bajo el jugo mágico de la flor,lo primero viviente que vé es precisamente a Bottom que en ese momento lleva una cabeza de asno que le ha puesto Puck, simplemente como una broma acorde con la alegría de los próximos festejos. Titania cae en un profundo amor por Bottom,el hombre asno,  momento que vemos en el cuadro y pide a sus hadas que atiendan a su nuevo amado en lo que pida.

En lo alto vuela Mercurio ó Hermes alado y parece que nos está presentando a los novios, a la pareja de enamorados Titania y Bottom, por lo que puediera representar también a Puck, personaje intrigante , alegre y ejecutor de esta pequeña intriga. Chagall aprovecha el tema para unir lo humano, Titania, con lo natural, Bottom-asno ó Bottom- buey ó Bottom- cabra, como más os guste. Lo hace en muchísimos de sus cuadros y dibujos, siempre elementos y seres naturales se juntan y mezclan con sus queridos seres humanos. Aquí Titania se entrelaza con un ser híbrido, mitad hombre, mitad animal . Todos nacemos en el mundo animal, pero a veces convertimos nuestros impulsos básicos en oro, dice Chagall . Siempre quiere aunar el mundo natural, primigenio y puro con nuestra realidad humana ; volver a ese estado inicial de comunión con la naturaleza.

Marc Chagall - la ventana en la caIle de Bréhat

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un cuadro muy bonito,es cierto, pero nada tiene que ver con todo lo que hemos visto hasta ahora. Parece incluso una acuarela suave y delicada. Podría parecernos una singularidad en su producción, algo que se repite pocas veces, sin embargo en estos años conoce el paisaje francés y lleva a cabo algunos cuadros de este estilo . Quizá en Vitebsk desde el monte Zadunov, de 1917, puede ser uno de ellos. Es ya del año 1924, año en el que Chagall se encontraba de nuevo en Francia tras su inicialmente forzada y luego fructífera estancia en Rusia. En efecto, en 1922 volvió a Francia tras pasar la guerra y los cinco primeros años de la Revolución, la gran promesa del cambio radical que podría cambiar las vidas de tantas y tantas personas hacia un maravilloso estado de bienestar, ó al menos hacia una mayor justicia e igualdad en el reparto de los bienes. La esperanza y entusiasmo en ello de todo un pueblo y del mismo Chagall constituye uno de los momentos más emocionantes de la historia del mundo. El pueblo judío fué de los primeros en mejorar y Chagall fué desde el comienzo reconocido y valorado, aunque no a todos dentro del mundo cultural les fué tan bién. 

Le ofrecen ser comisario para todo el país de Artes visuales pero él se queda con algo menos, aceptando serlo solo para la zona de Vitebsk. Allí crea el colegio de las Artes y se atrae a dos personalidades de la talla de Lissitzky y Malevich, además de contar con su antiguo profesor Yehuda Pen. Las cosas a la larga no van bién por dificultades de entendimiento artístico entre ellos y Chagall acaba marchando a Moscú donde le ofrecen el diseño escénico del próximo gran Teatro de Cámara judío y para éste lleva a cabo unos murales que constituyen un hito en esta género. La posguerra , a pesar de la Revolución, trae el hambre y la necesidad y se traslada con su familia a una localidad próxima a  Moscú más asequible y de vida más barata. Va y viene a la capital , donde da clases de arte en un orfanato, pero finalmente , al no mejorar sus condiciones, decide volver a Francia, país donde si estas mejoraran le podrían permitir desarrollar mejor sus expectativas artísticas. 

Atrás deja pues esta otra etapa de su vida, que, repetimos, fué enormemente productiva  y asentó definitivamente su independencia artística. De esta maravillosa época, la más rica y plena de su vida, y quizás también la más feliz, a pesar de sus dificultades, podemos ver parte de su obra en las siguientes referencias: 1914 a 1922(1) 

y 1914-1922(2)  y también en esta otra : Rusia

Finalmente diremos que la vista que representa el cuadro es en la isla de Bréhat que se encuentra en el canal ,pegada a la costa norte de la Bretaña francesa.
 

Marc Chagall / sobrevolando Vitebsk

tratamos de presentar las obras de ésta exposición en orden cronológico. Esta es de 1914 y es difícil de encontrar en publicaciones e incluso en internet. No sé a que se debe . Sin embargo, parecidísimas a ésta, encontramos al menos tres obras más en varios museos del mundo; veámoslas: la del Museo de Arte de Ontario, Toronto , la perteneciente al MOMA de Nueva York y finalmente la que se encuentra en el Museo de Arte de Philadelphia . Esta está en el Israel Museo de Jerusalen. La principal diferencia entre estas tres y la que nos ocupa es, como rápidamente comprobareis, la pareja abrazada que ha colocado Chagall en la esquina de la calle de ésta última ; lo demás es bastante idéntico si se exceptúa un tono algo más oscuro, más nocturno y esos puntitos blancos de la esquina superior izquierda que pueden ser ¿estrellas en la noche incipiente?. Ese año Chagall ha vuelto a ver a su prometida y posiblemente acordado ya su próxima boda para el siguiente año de 1915. A partir de estos años el pintor introduce con mucha frecuencia en sus obras a la pareja de enamorados, siempre sumergidos en su mundo de ensueño y felicidad y también de irrealidad ,como se manifiesta en su liberación de ataduras físicas, volando ó retorciéndose de manera imposible. Veasé si no su famosa obra, ya de 1924, por encima de la ciudad.  , o bién la conocida como el cumpleaños .La pareja , a pesar de las reticencias iniciales de los padres de Bela y de la época que les estaba tocando vivir, estaba en el séptimo cielo, máxime cuando a los nueve meses nació la pequeña Ida. Bela fué el gran amor de Chagall, cosa que manifiesta muy poéticamente en su Diario en no pocas ocasiones y lo sería hasta la muerte de ésta en 1944. Os mostramos una foto de los dos . Ella no solo fué su musa durante muchos años, sino además su secretaria particular en todo lo relacionado con su arte.
Extraida de la pagina PBS Newshour, transcribo en castellano una cita de la nieta de Chagall ,tambien llamada Bella como su abuela, Bella Meyer, quien en 2003 con motivo de una exposicion sobre Chagall en San Francisco, decia 

"desafortunadamente no conoc'i a mi abuela pues murio joven, pero siempre oia hablar de ella a mi abuelo y la ame a traves de sus palabras. Siempre estaba hablando de ella de la forma mas adorable. Era verdaderamente feliz. Estaba enamorado y ella siempre estaba en su mente. Cuando recientemente yo misma me he enamorado pienso que 'el habr'ia dicho ya sabes lo que es el amor y ahora entenderas mi pintura".

Pero el personaje que más llama la atención del cuadro es ,por supuesto, el más irreal, el que no se cae aunque esté suspendido en el aire .Chagall pinta este personaje volando como si tal cosa, sin ningún prejuicio, algo normal esto de volar por encima de la realidad, y se anticipa muchos años al propio surrealismo. Aquí viene a enturbiar el momento mágico que están viviendo los enamorados, recordando un elemento extraído de la tradición hebrea, como es el judío errante, que cubre con su vuelo la blanca tranquilidad del paisaje, y que nos viene a hablar del contínuo vagar de éste pueblo. Será un personaje muy representado por el pintor.

En 1915 Marc comenzó a ser conocido en el mundillo del arte en Rusia, primero en Moscú ,donde expuso dos veces y luego en San Petersburgo, e incluso comenzó a vender y a recibir algún encargo para ilustrar libros en yiddish.  El hermano de Bela, Jacob, consiguió que Chagall no fuese movilizado , al menos para el frente, y le encontró un destino en el Comite industrial militar en San Petersburgo. Estos años tumultuosos los llena Chagall con representaciones de la vida cotidiana de su ambiente y su ciudad, con alusiones a la guerra y el sufrimiento , que ya hemos visto, y con maravillosos cánticos al amor humano.

Marc Chagall - la casa azul / la casa gris

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 al ver estos dos cuadros, hay algo que nos suena  familiar ,como si estuviésemos hojeando cualquier libro actual con sus imágenes e ilustraciones . No es la primera vez que sucede en éste blog, ni será la última. Nos ha tocado vivir hoy día rodeados de imágenes, y estas en su mayoría se generaron en la primera mitad del siglo pasado. Sea como fuere, el caso es que casi todo el mundo encontraría agradables y emocionantes estas dos obras de Chagall y, también , actuales, tanto que podrían ilustrar cualquier libro de cuentos infantil editado anteayer. Con Chagall estamos mirando los dibujos del presente .Se sabe que el pintor en su adolescencia , allá en Vitebsk, recopiló muchos de los dibujos de una de sus numerosas hermanas pequeñas, Mariaska, para estudiarlos  como posible futura fuente de inspiración . No era el único artista en Rusia que sentía esa fuerza que se aprecia en cualquier dibujo infantil , y muchos se sentían, como Chagall, libres al aplicarlo en la representación de situaciones serias, complejas y maduras.

Además Chagall había sido discípulo de Bakst en Petrogrado,antes de su primera etapa parisina, y, por supuesto, es lo primero que se nota en casi todas sus obras y en estas dos también . Bakst decía que ! la fuente de cualquier composición radica en la relación entre sus colores!. Nada menos. Y proponía observar bién cualquier dibujo infantil y comprobar la generalmente maravillosa relación entre sus colores y la fuerza y brillantez de los mismos

Fijaos en la casa azul (1920) , donde Chagall ha aplicado esto fielmente y de manera magistral : azules frente a amarillos , verdes y ocres rojizos de contrapunto.

¿Con cual de los dos se quedarían si pudieran costearlos?. Los Thyssen , que si pueden hacerlo, se quedaron con la casa gris(1917), y , tras esta exposición, volverá a su sitio alguna planta más arriba del mismo museo. Me imagino que la baronesa hubiera querido tener los dos, y dada su conocida sensibilidad artística ,los hubiera colocado bastante próximos, sino contíguos. Por ahora nos conformaremos con verlos juntos en esta maravillosa muestra, aunque desearíamos quizá algún día poder admirarlos juntos para siempre.............

A estas alturas no podemos dudar del paisaje que representan : efectivamente son cabañas de madera , muy abundantes en el Vitebsk de aquellos años y con la ciudad en el fondo representada por algunos de sus edificios más notables. Pero la casa gris está hecho en plena guerra y es posible que su gris se deba al estado interior de su autor ó a una decisión no totalmente sentida . Me explicaré : Chagall como revelan sus pinturas es ,ante todo, un pintor enormemente positivo y optimista, y muy posiblemente,  en aquel  1917, aún siendo todavia de guerra, hubiera podido enunciar en este mismo cuadro un cántico a la vida lleno de color y vitalidad . No es más que una conjetura sin importancia, el caso es que Chagall nos ha dejado un cuadro expresionista , la casa gris, y otro fauvista, la casa azul . Nunca ví un cielo tan lleno de malos presagios como  el del primero, aunque rompe un poco los nubarrones retorcidos y violentos con un pequeño trocito de azul....... El personaje de la parte inferior izquierda lleva un rótulo que dice chagall y  en la manga de su camisa pone en hebreo idiota, y repite grabada esta palabra, ahora en ruso, en la valla de madera.