Kees Van Dongen - mujer con sombrero negro

   

                 
                     derch(raton)-vent nueva > +

un cuadro que de seguro ha llamado la atención de la mayoría de los visitantes de esta exposición y de los que hayan tenido la oportunidad de verlo en el Hermitage. Es un retrato elegante y vistoso y pertenece a uno de los fauves, una de las fieras, como los tachó por primera vez el periodista parisino Louis Vauxcelles al emplear la frase cage aux fauves, jaula de fieras, apelativo un tanto exagerado, pero que ayuda a entender por donde iban los tiros. En efecto, encontrarse con las obras de aquellos artistas que expusieron en el Salón de Otoño de 1905, así de repente, en aquellos días de principios del S.XX pudo ser razón más que suficiente , sobre todo al ver su intensidad y disposición de colorido y el olvido de cualquier regla académica de las cuales renegaron abiertamente , para calificalos de tíos fieras, y lo de tíos lo añado  yo para españolizar la frase y hacerme entender bién. Estos años de finales y principio siglo (XIX - XX) constituyen en el mundo de la pintura una gran caldero donde se están cociendo al mismo tiempo varios estilos, quizá diferentes pero todos con el signo de la innovación y la premura del cambio. Y los fauves son unos de ellos ; ponerse delante de una de sus obras llenas de espontaneidad y color es siempre un acontecimiento para la vista y para el espíritu y constituye con seguridad un reflejo directo de la propia personalidad del autor ; además se aplican en la simplificación de elementos , la máxima sintetización, y la mayor emotividad a través de la aplicación del color puro , antinatural , lo más irreal posible. ¿os suena esto?. Pertenece a todos los que atravesaban ésta época tan movida de la historia del Arte.

Quizá la invención de la fotografía hizo pensar a los artistas en un arte mucho más objetivo, personal, separado de la realidad ; para la realidad ya teníamos a la fotografía, vamos definitivamente a rebuscar en nuestro interior, no mires hacia fuera sino hacia dentro, pinta ese arbol rosa y azul en lugar de verde y deformalo a tu gusto si así lo estás viendo tú mismo. Los resultados no fueron feos y caóticos sino bellísimos y emocionantes. Y si no, véase una muestra en el siguiente enlace.

Kees van Dongen, holandés de Rotterdam, aterrizó en París como cualquier artista de la época que se preciara de tal, a punto de finalizar el siglo, en 1899,  y en 1905 estaba ya con los fauves entre los que se encontraban Matisse, Vlaminck y Derain . Además, como no, se estableció en Montmartre, y ese mismo año de 1905 se mudó con su mujer Guus y su pequeña hija Dolly al Bateau-Lavoir, una zona en  la parte alta de dicho barrio bastante cutre pero en la que coincidió casi puerta con puerta con Picasso, su amante Fernande Olivier y algunas de las modelos que colaboraban con Picasso cuando se podía. Compartieron modelos , no amante, y llegaron a ser grandes amigos pero siguieron direcciones distintas. El español ya sabemos, van Doegen derivó casi enteramente hacia el retrato y poco a poco hacia el retrato exclusivo de la alta burguesía : de la pobreza a la fama y el bienestar . Casi todos son retratos de mujer en diferentes ambientes, todos selectos , y muchas de ellas con sombrero, sombreros elegantes, maravillosos algunos y totalmente a la moda. He aquí varios cuadros con sombrero , algunos de van Dongen .El sombrero llegó a ser elemento indispensable en el atuendo de cualquier dama parisina y atributo de su acomodada posición, especialmente unos años después, ya en la llamada Belle Epoque.

Kees van Dongen tuvo encargos de este tipo todavía en pleno 1936 después de haber sido introducido en la alta sociedad, aunque algunos no puedan ser considerados plenamente fauvistas. El que nos ocupa, todavía de 1908 si lo es totalmente. Observar los colores rojo y azul escondidos entre las sombras, las zonas amarillentas del rostro en zonas que deberían estar cubiertas de sombras, la maravillosa pincelada esmeralda claro de la barbilla, los tonos negros del vestido y del sombrero ,alto e inacabado y finalmente esos ojos grandes, hermosos y serenos que no miran a ningun lado merced a la indefinición del cristalino al prolongar su negrura hacia la izquierda. No sigo, me estoy extendiendo mucho, pero os dejo un precioso video sobre sus obras bajado de youtube y debido a juancarlos14151, a quién se lo agradecemos; acompañándolo va  la canción de Juan Manuel Serrat aquellas pequeñas cosas .

Pablo Ruiz Picasso - mujer sentada

    

         
                                   derch(raton)-vent nueva > +

entre la bebedora de absenta de este mismo autor y del año 1901 ,también traído del Hermitage para esta exposición ,y el que presentamos, de 1908, hay ,como veis, un abismo. Hemos incluido en nuestra página éste último, porque quizá diga más de la personalidad artística de Picasso, especialmente en cuanto a su asombrosa capacidad de evolución, o mejor de rapidez de experimentación. Todo se le queda enseguida chico, superado, siempre necesita un paso más. Me direis, -bueno, estamos hartos de ver series y series de cuadros y dibujos muy similares unos a otros, ¿es eso evolución ó estancamiento?-. -pues no señor, es evolución basada en esa experimentación que le lleva a hacer esas series interminables pero, y ahí esta el quiz de la cuestión, en poquísimo tiempo y claro, para ello tiene que pintar contínuamente, sin descanso, noche y día-.Sin esta característica destacada , podría haberse quedado, en efecto, estancado , cosa que ocurre con muchísima frecuencia en el mundo del arte en general y de la pintura en particular. Estamos hartos de ver pintores excelentes siempre pintando igual y justificándolo con el famoso : -este es mi estilo-  Como en el cuadro anterior de Gauguin, traemos la misma página pero dedicada a Picasso, en la que podreis ver los rápidos cambios que se producen en cortos espacios de tiempo. 

Aquí nos encontramos con uno de sus cuadros que los estudiosos han encuadrado en el llamado período africano ó período negro. ¿Porqué ese cambio entre los deliciosos cuadros de los períodos azul y rosa anteriores y esto otro en lo que se está metiendo nuestro afanoso pintor malagueño ?. Contemplar en la última referencia del párrafo anterior, Picasso, en el final del período Rosa (rose period), los cuadros que llevó a cabo en 1906 algo similares a los primeros del período africano, pero de pronto en éste aparecen caras nuevas, ojos nuevos; más que caras humanas son máscaras, bastante frías e inanimadas.Agotamiento de una etapa , demasiado tiempo ya intentando el cambio desde el clasicismo, Picasso tiene que romper hacia delante y quizá aprovecha una circunstancia nueva :  la expansión del colonialismo francés en Africa dió lugar a la llegada a la metrópoli de un torrente de utensilios y objetos de arte de ese continente y Picasso tuvo la ocasión de estudiarlos y observar especialmente la gran intensidad emocional que reflejaban las máscaras, el arte de los totems africanos, y ahí sin duda vió por donde seguir.

Del año siguiente 1907 es uno de sus cuadros más famosos y según algunos el primer cuadro cubista, las señoritas de Avignon. Pero antes, en 1906, verlo en la  serie, ha pintado un autorretrato totalmente influenciado por la escultura africana ; poco a poco todo lo que hace refleja con mayor o menor intensidad esta influencia, y puede que donde sea más evidente es en  las señoritas e Avignon donde además simplifica ya descaradamente las líneas de contorno, los volúmenes desaparecen y divide el cuerpo femenino en zonas geométricas simples reflejando solo lo esencial y prescindiendo ya de la perspectiva formal y de las proporciones.

Nuestro cuadro, de 1908, tiene que ser obligadamente lo que veis, sin remisión ; Picasso está metido de lleno en ese tipo de representación , deslumbrado por la fuerza y la belleza que emana de la simplicidad de esas esculturas africanas, y que aplica por ahora tan solo al cuerpo humano y a algunos bodegones. Mujer sentada : máscara dormida en un cuerpo todavía bastante identificable en sus partes, aún están casi en su sitio, pero está a punto ya de descomponerse , de descolocarse totalmente y ofrecer cada una un punto de vista propio; en fín , estamos ya  a las puertas del cubismo.

Ahí va este enlace donde podeis ver la cantidad de figuras de mujer sentadas que realizó Picasso.

Max (Francesc Capdevila) - cartel 33 festival de cine de huesca 2005

Sin comentarios. Lo dice todo . Está por supuesto a la altura de su autor, el formidable Max, Francesc Capdevilla. Barcelonés, colaboró con Nazario y Javier Mariscal en el grupo el Rrollo y más tarde formó parte del grupo creador de la revista el Víbora.

Ha recibido el premio Nacional de Ilustración infantil y juvenil en 1997 y el primer Premio Nacional de Cómic por Bardín, el superrealista.

Paul Gauguin - el mes de María (te avae no Maria)

                                          derch(raton)-vent nueva > +

también lo podemos llamar "mujer tahitiana con ramo de flores". Formó parte del último envío de Gauguin a Vollard, su marchante, en 1903, desde la lejana isla de Hiva Oa en las islas Marquesas, donde vivía desde 1901. -¿me quiere usted decir que Gauguin envió cuadros desde las antípodas a Francia a principios del siglo pasado?-. -naturalmente y no fué la primera vez, ya en su primer regreso a Francia desde la Polinesia en 1893 se trajo consigo 66 obras que expuso con gran exaltación  en París pero con resultados mas bién desastrosos (solo vendió 8 de las 41 presentadas)-.Todas esas obras tan mal recibidas por el público y la crítica y las demás del último envío brillan hoy en los mejores museos y colecciones del mundo como verdaderas joyas del arte y además la mayoría del público actual, el de 2012, se siente embelesado, atraído y lo que es más, plenamente identificado con éste tipo de pintura. ¿porqué?. Bueno, yo no me atrevo a analizarlo así por las buenas, máxime cuando este pintor puede ser de los mas estudiados e investigados por los especialistas, pero si creo que el colorido que Gauguin fué incorporando en sus cuadros desde su llegada a su paraíso de las islas tiene mucho la culpa de ese éxito actual . Este cuadro no es de los más representativos en éste aspecto, pero desde luego sus colores son plenamente modernos y sobre todo su conjunto , su suma , la impresión global del color que entra en nuestro cerebro produce una sensación muy agradable. ¿Lo buscaba así el pintor ?. puede que sí. Es ,para mí, la principal herencia que ha dejado al arte Moderno. Hoy el color juega un papel principalísimo en cada obra de arte cosa que no era esencial ni mucho menos en la mayoría de las obras de hace poco más de un siglo. Perdonarme que insista en esto del color trayendo un enlace donde podeis comprobar la evolución del colorido a lo largo de su obra, ya que estas están ordenadas cronológicamente.

Cuando Gauguin pinta este cuadro, en 1899, la situación en que se encontraba no era nada agradable. Hay que tener en cuenta esto al ponerse delante del cuadro.  Hacía cuatro años que había vuelto a embarcarse en Marsella rumbo a Tahití con su tobillo fracturado y ni mucho menos recuperado y acompañado ya de la la sífilis, contraída en Francia recientemente. Durante este tiempo esas condiciones físicas fueron a peor, la pierna se le llenó de llagas y  tenía mareos frecuentes y fiebre. Para colmo de males  en Marzo de 1897 recibió la noticia de la muerte de su hija Aline de pulmonía. Después enferma de conjuntivitis, y , casi no es de extrañar, a principios de 1898 intenta suicidarse con arsénico. Su nivel económico, como diríamos hoy, es de los más bajos de su isla, si nó el que más, aunque ese año de 1899 le obsequia con algo de trabajo renumerado gracias a algunas colaboraciones en periódicos locales. Pero del otro, del trabajo sin renumerar sí que tiene y mucho. En efecto , este período tan duro en su vida es también de los más productivos artísticamente, no solo en cantidad si no también en calidad. De 1897 es su maravillosa obra maestra ¿de donde venimos? ¿qué somos? ¿a donde vamos?, actualmente en el Museo de Bellas artes de Boston. De Gauguin se puede decir que murió matando, pues hasta el último momento de su ya agotada vida, en 1903, se mantuvo pintando sin desmayo.

Franz von Stuck - El beso de la esfinge

si vais a  la ciudad de Berlín y accidentalmente pasais por la estación de metro de México, tendreis la ocasión de ver una buena copia del cuadro de von Stuck titulado el Pecado, obra que seguramente conocereis. Se trata, como éste del Hermitage , de un cuadro de una concepción e intención muy diferente a los dos últimos de Velázquez y Ribera presentados en éste blog. Estamos ya en 1895 y la juventud artística de Europa se está cansando del realismo, de la representación puramente naturalista , de la vida real y su descripción pictórica un tanto aburrida y monótona, de la fealdad de su propio entorno e incluso del propio impresionismo y comienza a recibir en su espíritu un aire nuevo ,suave y embriagador, que proviene de la literatura y la poesía. Baudelaire, Verlaine, Mallarmé les estan hablando de evocación , de misterio, de indeterminación, de superación de la realidad por algo más que llene el espíritu , les haga soñar y volar con la imaginación.

Este movimiento se llamó Simbolismo y como se ve, es heredero directo del propio romanticismo, aunque provenga de esta reacción contra el realismo del que hemos hablado. Entre otras características acudieron con frecuencia a la mitología y al clasicismo para extraer sus figuras y aprovecharlas como símbolos y elementos evocadores de algo espiritual más allá de su propia identidad o ,incluso de su significado histórico.

Así, el beso de la esfinge nos muestra una escena del poema del autor alemán romántico  Heinrich Heine, la esfinge, donde cuenta como el poeta camina de noche por un bosque, y al salir del mismo se encuentra ante un castillo delante del cual hay una estatua, una esfinge de rostro bellísimo que fascina de tal modo al poeta , que no puede resistirse a besarla apasionadamente. La esfinge cobra vida,  absorbe su aliento y  le clava sus garras en  el cuerpo y lo mata. Pero nuestro pintor simbolista va más allá, el poeta está en una situación total de indefensión, sin voluntad de reacción, plenamente embriagado y al mismo tiempo aterrado por la sorpresa, su entrega es total. La esfinge,rostro y pechos de mujer , cola y  patas de león y alas de pájaro, fué una figura muy empleada como símbolo del poder de la mujer y aquí se toma como elemento destructor, dominador y caótico, pero al mismo tiempo  inocente, sensual  y fascinante. Un simple beso le lleva al poeta a un mundo irreal mucho más bello y lleno de posibilidades para el placer espiritual , aún a costa de la propia destrucción.Es el poder físico representado por el hombre sucumbiendo ante el poder psíquico de la mujer. El tono rojizo encendido de toda la escena todavía aumenta más estas sensaciones. 

Franz von Stuck fué maestro durante unos cuantos años de artistas como Paul Klee, Hans Purrmann, Wassily Kandinsky, and Josef Albers en la ciudad de Munich, donde se asentó como pintor de prestigio e incluso fué elevado a la aristocracia en 1905. Von Stuck fué pintor de seductivas mujeres curvilíneas y diabólicas que evocan el poder de lo oscuro, lo indefinido , la fuerza interior incierta y profunda. Los títulos de algunos de sus cuadros lo dicen todo : sensualidad, inocencia , primavera ,donde se aprecia la belleza del marco , marco diseñado y elaborado por el propio pintor ,quién daba una gran importancia a este elemento decorativo y de soporte , el guardián del paraíso ,el asesino . He aquí otra página con algunas de sus obras mas famosas.

 

José de Ribera - S.Sebastián curado por las santas mujeres

                                 derch(raton)-vent nueva > +

puestos a elegir entre tañedor de laúd de Caravaggio y este cuadro de José de Ribera , hemos preferido traer el de nuestro Españoleto . Pero los dos enriquecen sin lugar a dudas la muestra de obras del Hermitage que estamos visitando. Quizá llama más la atención en la sala el delicado y poético músico representado por Caravaggio, quizá también estamos aquí en España más acostumbrados a la obra de Ribera dada la abundancia de sus obras en el Prado, pero de cualquier forma , la relación entre ambos pintores es total, aún cuando ,casi con seguridad no se conocieron, ya que Caravaggio murió con tan solo 39 años en el año 1610 y en esa fecha Ribera contando19 años, y parece ser que, según algunos de sus biógrafos, debía estar aún en la ciudad de Parma y recién llegado de España, puede que el año anterior. Pero si no le conoció, sí que conoció , tan pronto como se trasladó a Nápoles, sus obras y su escuela. La ciudad del Vesubio , capital del Virreinato español, respiraba Caravaggio por los cuatro costados  y precisamente comienza en estos años la época de mayor producción y desarrollo de la obra del pintor. No es de extrañar su adhesión al claroscuro y a la iluminación típica de la obra de éste maestro. Nápoles fué la ciudad de Ribera y podemos decir que es nuestro, porque nació en Jativa, pintor napolitano.

Esta obra fué realizada hacia el año 1628, después de un período entre 1621 y 1626 del que no se conocen obras suyas. Es a partir de 1626 cuando se encuentran gran cantidad, firmadas y fechadas, casi en su mayor parte obras de carácter religioso, y entre ellas ,como no, martirios de santos cristianos, pero sin la truculencia y el marcado realismo de otras anteriores. En efecto, el pintor poco a poco va dulcificando los contrastes de luz y sombra y va enriqueciendo la gama de colores . Viendo La resurrección de Lázaro todavía de 1616, y que podeis ver en el Prado, se puede comprobar algo esto, y viendo la Trinidad, también en éste Museo,y  ya de 1635-1636 , la confirmación de éste hecho es total. Además Ribera se va deleitando cada vez más en el dibujo en sí, y, por favor, deteneros para ver que es totalmente cierto al contemplar el paño que cubre a Cristo muerto en ésta última obra. Si en el de San Sebastián del cuadro del Hermitage que traemos aparece un paño excelentemente pintado, el que decimos de la Trinidad le supera con creces , no hay ninguno mejor en todo el Museo, y mira que hay cantidad de ellos. Es una obra maestra, como todo el cuadro. No he podido dejar de traerlo aquí, como ya hice, algunas entradas atrás, con el Descendimiento de Van der Weyden.

Volviendo al S. Sebastián diremos que existe una obra muy parecida, casi igual ,en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, que me parece inferior, no es tan madura, sencilla  y delicada como la que estamos comentando. Ver como en ella Ribera se limita a indicarnos la presencia de las bondadosas mujeres por sus manos y sus rostros muy tenuamente iluminados, ya no es el fuerte contraste de obras anteriores, y centra su trabajo en la ejecución de un San Sebastián perfecto en sus detalles anatómicos y en la representación de su postura de hombre sin sentido pero no muerto y colgando aún de una de sus ataduras. Además, por supuesto, como todos los San Sebastianes , se trata de un hombre bello y joven, asaeteado, éste sin embargo muy levemente, yo cuento un solo flechazo, pero limpio de sangre y sufrimiento. Traigo una página The Iconography of Saint Sebastian donde podeis encontrar referencias de muchísimas obras de éste Santo tan popular. Capitán del la guardia Pretoriana durante el mandato de Diocleciano y Maximiano ; cristiano y abogado de cristianos cautivos en secreto, fué condenado , una vez descubierto y negándose a renegar de su fé, a morir asaeteado, pero se le dió por muerto sin estarlo y aquí está siendo curado por unas mujeres que le salvaron la vida aunque la perdió definitivamente poco después martirizado por segunda vez a manos de Roma. Traigo una estupenda relación de obras de Jose de Ribera perteneciente otra vez a la página Foroxerbar, a quién volvemos a dar las gracias por el excelente trabajo de recopilación.

 

 

Diego Velázquez - el almuerzo

        derch(raton)-vent nueva > +

                           

!un Velázquez!. Y de sus primeras obras, posiblemente la primera realizada en Sevilla tras obtener la licencia de pintor otorgada  por el gremio correspondiente. Se le suponía ya suficientemente formado como para ejercer su oficio. Lo primero que piensa uno al ver estos primeros cuadros del genio es en la Sevilla que le vió nacer, pues con seguridad, aparte de su habilidad innata en la técnica pictórica, estos años sevillanos influyeron de forma decisiva en su forma de representar la vida a través de sus cuadros. Sevilla a comienzos del siglo XVII seguía todavía siendo una gran ciudad cosmopolita, la auténtica capital económica y también cultural de una España volcada hacia el Nuevo Mundo desde hacía un siglo, que tenía a esta ciudad como admnistradora de sus riquezas y puerto de entrada de las mismas. Imaginaros sus barrios llenos de vida, donde se mezclaban todo tipo de individuos, desde nobles hasta pobres mendigos, y donde ,por supuesto , abundaban también los artistas. La vida artística y cultural de Sevilla era en esos años brillante, abundaban los talleres y los círculos culturales a manera de tertulias. El joven-niño Velázquez , desde los 11 años aprendiendo en el taller de Francisco Pacheco, su futuro suegro, tendría ocasión de  escuchar relatos, opiniones, disertaciones y también discusiones basadas en las tendencias culturales en boga, todo ello en el propio taller, al ser el mismo Pacheco un entusiasta y asiduo de estas reuniones de contertulios. Imaginamos que casi de inmediato, el maestro quedaría impresionado de la facilidad de Diego con el dibujo y en seguida con la pintura, añorando tal vez ese maravilloso don que él mismo deseaba pero no poseía en tal alto grado. Pacheco era un pintor manierista y anhelaba cierta erudicción al estilo italiano.Incluso es el autor de dos tratados , uno denominado el arte de la pintura, y otro el libro de retratos, encontrado solo incompleto y en manuscrito. Quizá no llegó nunca a conseguir lo que hubiera deseado, pero fué suficiente para él el compartir la genialidad que ya se manifestaba en su yerno y por supuesto el haber sido su maestro unos años, al menos de forma titular. Aunque seguramente no le debieron entusiasmar demasiado algunas de las cosas que hacía : bodegones, que tema más poco escelso, sin ninguna pretensión, y además se decanta por la pintura naturalista y nos pone en sus obras esos tipos tan normales, tan de la calle, tan lejos de los soberbios y bellos personajes que aparecen en los cuadros vistos en Italia y Venecia, y que constituían en parte uno de los ideales de las ideas estéticas de Pacheco.

En efecto, Velázquez desarrolla en estos primeros años un naturalismo pleno y vigoroso apoyado en el uso del claroscuro de Caravaggio y en un virtuosismo en la descripción del detalle de los objetos y también de los personajes. Naturalismo que emplea incluso en cuadros religiosos. Este cuadro que vemos lo pintó cuando posiblemente no tuviera aún los dieciocho años, y , como se ve, es totalmente naturalista, individuos de la calle, el de enmedio incluso algo grosero en su sonrisa , bastante corrientes, todos destacando de la oscuridad del fondo por una luz vívida y lateral, que proyecta sombras dificiles, un excelente problema a resolver con brillantez,  sobre la serie de objetos del bodegón central, todos separados entre sí y magníficamente ejecutados.

Estas características las encontramos en casi todos los cuadros de esta época  y de éste género. Merece la pena ver algunos de ellos y comprobarlo y ,aprovechar para deleitarse con la calidad y belleza de su ejecución en un pintor que no había alcanzado aún los 23 años. Así pues y por orden más o menos cronológico, hemos traído las siguientes obras : de 1618,con 19 años : Jesús en casa de Marta y María , Vieja friendo huevos , dos hombres sentados a la mesa ; de 1619 : adoración de los Reyes Magos ; de 1619-1620 el aguador , y finalmente de 1620-1622 la mulata .

el Greco - San Pedro y San Pablo

                                       derch(raton)-vent nueva > +

el San Pedro y San Pablo del Hermitage. Hay otros dos óleos más pintados por el Greco con el mismo tema, uno actualmente en el Museo Nacional de arte de Cataluña y el otro en el Stockholm Nationalmuseum. 

Con sus diferencias, como veis, los tres son bastante similares y en los tres la dialéctica de las manos derecha de los dos santos es uno de los objetivos principales del pintor, están dialogando, especialmente en el de Cataluña. Para mí , el mejor es el que traemos aquí, en técnica pictórica y expresión de ambos apóstoles.

Fijaos en el diferente carácter de sus rostros : cada uno refleja lo que en realidad debieron ser ambos hombres , mucho más pacífico y amable San Pedro a la izquierda y de mirada firme, inteligente y resuelta San Pablo.Sus abultados mantos ocultan totalmente sus cuerpos y, a excepción de sus rostros y manos, quedan  envueltos por grandes y luminosos pliegues, como si quisiera mostrarnos solo su espíritu. Espíritu por otra parte excepcional en ambos casos : Pedro fué encarcelado en tres ocasiones y Pablo fué apedreado hasta casi la muerte, perseguido en Damasco, otra vez en Jerusalén, Cesárea y Roma, y , finalmente sufrieron los dos martirio, Pedro cucifricado boca abajo el año 64 y Pablo degollado el 67.

A partir de 1580 el Greco pintó con más frecuencia que nunca cuadros religiosos, muchos de ellos representaciones de apóstoles y santos.  Este es ya de 1592 cuando el pintor llevaba bastante tiempo en el esplendor de su carrera artística.

En general creo que el Greco , por la singularidad de su estilo, no ha sido un pintor ampliamente aceptado y seguramente conocereis, ó incluso puede ser vuestro caso, muchas personas a quiénes no les gusta. Desde su muerte en 1614 fué prácticamente considerado como un pintor casi de segunda fila y tuvieron que ser los impresionistas y expresionistas del XIX quienes redescubrieran a este maravilloso y genial pintor. Nacido en  Creta , en esos momentos veneciana, aunque casi a punto de caer de nuevo en manos otomanas, sus excelentes dotes pictóricas fueron modelándose bajo la influencia sucesiva de Bizancio, la luminosidad de Venecia, el manierismo de Roma y Miguel Angel y finalmente la espiritualidad y fervor del Toledo de la Contrareforma , ciudad en la que se asentó durante más tiempo y en la que se sintió más reconocido y ,también , querido. El resultado ya lo veis, en casi todos sus cuadros se aprecian todas estas influencias, en unos más que en otros. Quizá éste del Hermitage sea un poco monótono de color, sobre todo si lo comparamos con sus grandes composiciones que todos conoceis, pero tiene una cualidad que es la norma en todas sus obras religiosas de esta última época de su vida :  la religiosidad y la mística que se desprende de ellas

León Bakst - diseño de vestido para Felicita

tanto los dibujos de diseños de vestidos para los Ballets Rusos, como los propios vestidos, que también se muestran con profusión en ésta magnífica exposición, son un derroche de imaginación, innovación y belleza.

De cualquier forma no son más que el resultado de la colaboración conjunta de todos los elementos integrantes de los Ballets, esto es de la colaboración de coreógrafos, músicos, escenógrafos,libretistas, autores literarios ctr. El resultado son los Ballets Rusos y lo que supusieron de avance y transformación total.

Y el impulsor, por supuesto, fué Diaghilev. Sin su fuerza y empuje no habría sido posible nunca esa excelente conjunción de disciplinas artísticas. Por supuesto , tampoco era él un inculto precisamente, más bién todo lo contrario,cultivaba la literatura, la música, y  la pintura. Homosexual, supo además rodearse de los mejores en casi todo : se admira uno al recorrer la exposición y leer los nombres de los artistas que en distintas épocas colaboraron en la empresa .

Entre ellos ,León Bakst, bielorruso educado en S.Petersburgo que , junto con Serge Diaghilev y Aleksandr Benois fundó el grupo llamado Mundo del Arte (Mir Iskusstva), grupo que renunciaba al academicismo y a la estética imperante y abogaba definitivamente por otra más individualista y a tono con las corrientes art-noveau que se estaban desarrollando en otros lugares de Europa, además de volver la mirada hacia el arte de épocas pasadas y hacia el arte folklorico tradicional . Gran parte de los integrantes de Mir Iskusstva apoyaron con su trabajo los Ballets Rusos de Diaghilev, León Bakst entre ellos, que llegó a ser director artístico de los mismos. Bakst  trabajó como escenógrafo ya antes de conocer a Benois y Diaghilev y una vez incorporado a los Ballets, siguió desarrollando esta labor además de la de diseñador de vestuario. Algunos de sus diseños los podeis encontrar aquí : diseños vestuario. Son tan bellos como el que mostramos, que corresponde al diseñado para la coqueta Felicita del Ballet Les Femmes de Bonne Humeur de Leonide Massine.

Merece la pena echar un vistazo a estas dos páginas de diseños de León Bakst : 

-National Gallery of Australia

-Instituto de Arte de Chicago

Ethelbert White - escena para el ballet "cuentos rusos de Baba Yaga"

                                derch(raton)-vent nueva > +

 el grabado representa una escena para el ballet de Leonide Massine los cuentos rusos de Baba Yaga, basado en un cuento del folklore popular ruso,(*) y que se representó por primera vez por los Ballets Rusos de Diaghilev en el año 1917. Representa a una pequeña niña, la protagonista del cuento, perdida en un bosque y empujada por demonios hacia la bruja Baba Yaga para ser devorada por ésta. Se trata de un grabado coloreado posteriormente a mano con acuarela y gouache y perteneciente a una colección de folletos editados por Cyril W. Beaumont, editor, librero, historiador y crítico inglés, amigo de Diaghilev y muerto en 1976 . Y también entusiasta de los Ballets Rusos y estudioso de todo lo relacionado con ellos y con la danza en general, no en vano es el autor de A bibliography of dancing , compendio ordenado de toda la bibliografía existente sobre la danza en la biblioteca del Museo Británico de Londres en 1929.

Hacia 1920 se produjo un creciente interés en Inglaterra hacia los Ballets Rusos y hacia la danza en general y Beaumont, como vemos, fué su principal difusor. Además de sus obras escritas, decidió llevar a cabo impresiones coloreadas a mano, representando escenas típicas del repertorio de los Ballets de  Diaghilev en las que colaboraron varios artistas, entre ellos White.

Ethelbert White ilustró además algunas obras de Beaumont , entre ellas Impressions of the Russian Ballets. Paisajista, ilustrador, y excelente gravador en madera, realizó también carteles y posters y estudió y recopiló la canción folklórica a lo largo y ancho de su país ; casado a los 19 años , pasó muchos años viajado en caravana con su mujer por Inglaterra ,Francia y España.

la siguiente página nos ofrece algunas obras de E. White como paisajista

(*) : nuestro agradecimiento a Luis López Nieves y su excelente página Ciudadela Seva que nos permite disponer de éste cuento. 

René Daniels - Klein rood landschap

pequeño paisaje rojo, traducido del holandés, es una magnífica obra de René Daniels, pintor del que se ha inagurado una exposición en el Palacio de Velázquez del Retiro de Madrid y que estará hasta el próximo día 26 de Marzo. Me encantan su soltura y su espontaneidad, su color y el trazado de sus curvas que encuentro realmente sugestivas y llenas de expresión. En fín, todas estas palabras sobran, están de más, no dicen nada. Puede que el poeta lo describiera exactamente y , sin mostrásnoslo siquiera, nos hiciera llorar de emoción... puede; incluso seguramente a la mayoría de vosotros no os parecerá siquiera digno de una pequeña atención, pero a mí si , y ...no se porqué, y eso basta. Eso es el arte , o ,al menos, una parte del arte. Nada más verlo, entre  muchísimas otras obras, me atrajo irresistiblemente y me retuvo observando no se qué , pero estaba enganchado a él , podría haber estado allí las horas muertas embelesado. 

Bueno, si os pasa lo mismo, decírmelo por favor.

ver también  la muse vénale

Pablo Veronés - lamentación sobre el cuerpo de Cristo muerto

                                              derch(raton)-vent nueva > +

del Veronés , por ser pintor nacido en la ciudad de Verona, próxima como sabeis a la ciudad de Venecia, poco podemos decir aquí, pues es un pintor por todos conocido y admirado. Venecia en pleno siglo XVI era una ciudad de las más ricas y también de las más grandes de Europa y congregaba a numerosos pintores quienes, continuamente solicitados y muy en contacto unos con otros, innovaron ,aprendieron, se influyeron, progresaron y en definitiva, dieron un enorme empujón especialmente a la pintura. Aunque Ticiano naciera 40 años antes que el Veronés, a la larga sus carreras se fueron solapando, uno casi anciano y el otro joven ,y la influencia del primero sobre nuestro pintor se nota clarísimammente en muchos de sus cuadros. Ticiano, Veronés y el Tintoretto dominan toda la pintura veneciana de éste siglo y Venecia y alrededores  están repletos de sus obras. Entre todas ellas aprovecho éste comentario para recomendaros la visita, para mí obligada para todo el que se acerque a Venecia, de Villa Barbaro , palacio campestre, digamos, construido por  Palladio y decorado en gran parte por el Veronés. Está al noroeste de Venecia, muy cerca ,en Maser, a unos 50 kms, bastante más allá del pueblo ó ciudad de Treviso.  Al mismo tiempo podeis admirar a Palladio en todo su esplendor, y si teneis ganas, volveis por Castelfranco hasta Vicenza para admirar, también de Palladio, su famosa Rotonda, y seguís ,ya de vuelta a Venecia hacia Padua donde.........En Italia cualquier pequeña excursión puede ser inacabable, es sorpresa tras sorpresa y casi siempre de las mejores.Desde este modesto blog nos contentaremos con admirar las pinturas de nuestro artista en Villa Barbaro.

Ah!. no os dejeis por supuesto, ya en Venecia, la iglesia de S.Sebastián y su sacristía, en donde Veronés estuvo pintando desde los ventiseis a los cuarenta y dos años.

Y pasamos a esta Pietá maravillosa. Veronés fué también un pintor religioso hasta la saciedad. Sus grandes representaciones de la vida de Cristo especialmente, están a la altura de sus mejores obras profanas. Traigo aquí de entre todas ellas, Las bodas de Canaá , un cuadro que está en el Louvre y tiene un tamaño !nada menos que de 10 x 6,8 metros !. Este del Hermitage es bastante original con el ángel asistiendo solícitamente a Cristo, ya muerto, como familiarizado con su inmortalidad, y por ello sin asomo de pena ó abatimiento, parece casi que quisiera hablar con El. La Virgen , su madre, pasa a un segundo plano aún cuando le sostiene la cabeza, y el pintor aprovecha magníficamente este trío de santas cabezas para crear una escena especialmente conmovedora. Luego está la luz, el maravillosamente contraste y sobre todo, y esto es denominador común de todas las obras del Veronés, el dibujo. Veronés era un gran dibujante, no en vano pasó mucho tiempo copiando a Durero y otros grandes maestros, ¿se nota, verdad?. Si no, mirad las manos y los pies de Cristo, yo casi me quedaría con los pies, !que delicia de dibujo!.

Por último, me he permitido un pequeño exceso en este comentario : perdonar si me paso con las citas , pero no puedo perder la ocasión para traer aquí  El descendimiento de Rogier van der Weyden, uno de mis favoritos del Prado, casi ya una manía cada vez que voy , pero delante de su relieve y su color me quedo petrificado sin remedio. No tiene nada que ver con el que nos ocupa, exceptuando el tema, pero......

Lorenzo Lotto - descanso en la huída a Egipto

                                derch(raton)-vent nueva > +

Saltamos hacia atrás casi un siglo, nos vamos al XVI, exactamente a 1529 y de Holanda a Italia, otra vez Italia. ¿Se nota en el cuadro? . Lorenzo Lotto nació en Venecia en 1480 y estuvo ocupado pintando por numerosas ciudades italianas toda su vida. Y además es un pintor principalmente de motivos religiosos y ,dentro de estos , de retablos e iglesias. Sigámosle :   Treviso (1503–1506), en il Marche (1506–1508),en Roma (1508–1510), en Bergamo (1513–1525), en Venice (1525–1549), en Ancona (1549) y ,finalmente,en Loreto (1549–1556). Las fechas no son muy fidedignas, incluso hay desplazamientos menores desde cada uno de estos lugares a otros sitios cercanos. Cincuenta y tantos años dando tumbos por media Italia  ál son de los numerosos encargos que iba recibiendo. Merecería la pena hacer un viaje a la actual Italia para seguir su obra por iglesias y conventos. Me direis que habría que hacer muchas veces esto por cada uno de los numerosos pintores inquietos y  prolíficos en frescos religiosos y altares, lo cual es una gran verdad. Lo cierto es que Lotto , persona profundamente religiosa, se quedó, a partir de 1552, en el santuario de Loreto como hermano lego, y todavía decoró la Basílica de Stª María y pintó una Presentación en el templo para el Palacio Apostólico antes de morir en 1556 vestido con el hábito dominico.

Esta representación , una más de las numerosísimas del tema que se han llevado a cabo en todas las épocas, escuelas, estilos y países,es,ciertamente, atractiva al menos por su colorido y disposición. En efecto, el color del cuadro llama poderosamnete la atención y atrae enseguida la mirada. No es un prodigio de técnica pictórica, de ejecución, incluso puede parecer que la composición es excesivamente "apaisada", pero la armonía de azules, rojos y amarillos velados le envuelven en una atmósfera celestial. A ello contribuye también la figura de Santa Justina, exhibiendo la daga clavada de su martirio,profundamente ensimismada en la contemplación del Niño dormido. La profusión de vegetación , maravillosamente dibujada, especialmente los jazmines, aunque por desgracia poco visible por el propio deterioro del cuadro en las bandas de ambos lados, enmarcan la escena de forma admirable.

El pasaje evangélico de La Huída a Egipto se ha representado en pintura y escultura de muchas maneras, a pesar de ser muy breve su descripción evangélica. A ello pueden haber contribuído los Evangelios Apócrifos y las propias leyendas e invenciones que la mente popular iba elaborando, amén de tratarse de un acontecimiento demasiado  importante precisamente en los primeros días de la recién constituida familia de Nazaret . Aprovechando uno de los numerosos  momentos de descanso que sin duda se sucederían a lo largo de ese viaje, no demasiado largo con los medios de hoy día, pero bastante penoso a pié ó en borrico, como imaginó la tradicción, cada pintor se vale de la parada para  añadir algo que interese según la época, la orden religiosa ó la ciudad que encarga el cuadro. Como ejemplo he traído a varios de éstos pintores, y si encontrais buenas resoluciones de otros que creeis merecen la pena ,mandar por favor sus datos en comentarios para irlas incluyendo en esta lista. Gracias

Giotto  Rembrandt   Caravaggio   Valerio Castello   Holman-Hunt   Fra-Angélico   Vittore Carpaccio

Durero   Poussin   el Greco   Lucas Cranach el Viejo   Albrecht Attdorfer   Patinir   Pittoni   Van Orley

Barocci  

y uno actual, Daniel Compan

(El niño Jesús y sus padres como refugiados kurdos, con moto en lugar de borrico)

por último la página Biblical Art nos ofrece en baja resolución una enorme cantidad de obras con el tema

una forma de aumentar al máximo el tamaño de las imágenes es ampliarlas haciendo click sobre ellas pero no con el botón izquierdo del ratón sino con el derecho, y seleccionando abrir enlace en una ventana nueva ; la ampliación obtenida permite una segunda ampliacion al volver a hacer click sobre la misma

para recordarlo, en adelante pondremos una indicacion al pie de cada imagen que se preste a la máxima ampliacion posible con el lado derecho del ratón , por ejemplo :

derch(raton)-vent.nueva > +

Louis le Nain - La visita de la abuela

                                derch(raton)-vent nueva > +

 ¿ Es posible que este cuadro que vemos ahora sí haya sido pintado por Louis le Nain como se nos dice en la etiqueta indicativa de la exposición?. -Oiga, ¿que pregunta es esa?- -Perdone ,pero tiene su sentido- Aunque es un caso algo raro en la historia de la pintura ,pero no el único. Los hermanos le Nain eran tres, los tres pintores, los tres solteros y los tres compartiendo estudio en París y ....atención...!compartiendo firma!. Solo firmaban las obras salidas de su estudio con su apellido, y por lo tanto nunca sabremos con absoluta certeza, salvo casos muy, muy estudiados técnicamente por expertos llenos de paciencia, y puede que de imaginación, de cual de los tres es cada obra. Más aún, uno de ellos, Mathieu, qué sobrevivió a los otros dos, Antoine y Louis, en nada menos que treinta años, debió decidir complicar más la cosa al dejar sin firma alguna todos los cuadros salidos de su estudio, o mejor salidos de su mano, del año 1648 en adelante; ese fué precisamente el año de la muerte de los otros dos hermanos. Además, al parecer la actividad del taller del ya solitario Mathieu deja prácticamente de estar documentada desde ese momento ,con seguridad crucial en su vida. Caso singural, ¿verdad?. pero no el único,y, aunque no es de esta historia ,traigo como referencia por su curiosidad, el caso de los gemelos pintores.( extraído de la magnífica página el dibujante 2.0)

Bién, hoy día muchos estudiosos "tratan" solo con la familia le Nain , ante la dificultad que entraña cualquier estudio seguro sobre la identificación de las obras de marras. Sea como fuere, lo que sí esta bién claro y definido es el carácter y el contenido artístico de los numerosos cuadros salidos de sus manos. Se les ha llamado los pintores de los pobres, adjetivo con el que estaréis plenamente de acuerdo en cuanto veais éste y algunos otros de sus cuadros. Fijaros en sus ropas, no existe ni un adorno, ni el más mínimo brillo que dé algo de calidad al tejido, ni siquiera un pequeño botón de color, es todo austeridad y aspereza .Pero, !que manera de conseguir esa aspereza de las ropas burdas !. Y que me decís del colorido que acompaña a estas escenas, no puede ser más neutro , aunque esa neutralidad le da cierto carácter. Pero observar la expresión de los rostros, son la serenidad personificada y sobre todo están llenos de dignidad, de paz y de entereza, parece que están orgullosos de su pobreza, que su conformidad les ha hecho felices y sobre todo personas humanas. No existe en ninguno de los personajes desvío alguno hacia la picaresca, la insinuación, el vicio o la emoción. Abordar este tema en la Francia de mediados del XVII era algo inaudito, cuando lo que imperaban eran las escenas mitológicas y el servicio del Rey y de la Corte.

otros cuadros de la National Gallery

Anthony Van Dyck - retrato de Sir Henry Danvers

  derch(raton)-vent nueva > +

                                                   

 un retrato que llama poderosamente la atención en cuanto entramos en la sala en la que se encuentra : quizá sea por la mancha de la cara ó quizá por su majestuoso porte. Lo cierto es que su atractivo se debe a la conjunción de un gran pintor de retratos, ya un prodigio a sus quince años,  y de un modelo muy adecuado. Me explicaré : prácticamente cualquier retrato que podamos contemplar pintado por Van Dyck tendrá ,desde luego, y entre muchas otras cosas, un majestuoso porte ; éste es uno más de sus más de quinientos cuadros representando especialmente a la corte de Carlos I de Inglaterra y a la aristocracia de ese país. Van Dyck pasó allí , al servicio del rey, los años que van desde 1632 hasta su muerte en 1641, cuando contaba tan solo 42 años. Anteriormente había estado al servicio de Jaime I, pero lo dejó para marchar a Italia . Justamente entonces está también Velazquez al servicio del Rey de España y en unas condiciones similares, y algo más joven que ellos, Rembrandt va a desarrollar un poco después su trabajo como retratista. Tres retratistas insignes, quizá los mejores que han existido. Van Dyck  pasó esos años encumbrado, rico y famoso, con un precioso estudio al que acudía con frecuencia el mismo Rey a visitarle, quién incluso le reservó en verano algunos salones de una de sus residencias reales, la situada en Eltham Castle, Kent .Su taller estaba perfectamente especializado para poder atender la gran demanda de retratos ; tan grande era ésta que se precisaba pedir hora para ir a posar, y una vez allí el personaje de turno podía ver su lienzo pasar por varias manos distintas en las sucesivas fases de la operación. Por supuesto, el maestro atendía con toda dedicación el trabajo de postura(bocetos previos), rostro, manos y retoques finales. El resultado estaba garantizado : era siempre maravilloso. Podeis ver una serie larguísima de retratos de este pintor ahora en esta referencia y también traigo esta otra estupenda página aunque con textos en inglés.

Quizá las mejores están en esta referencia de la National Gallery.

Pero también deberíamos hablar un poco del modelo, que ,al fín y al cabo, es el que nos ha llamado la atención. En el retrato viste el uniforme de caballero de  la Order de la Jarretera . Las biografías dicen que fué Conde de Danby, miembro del Consejo Privado y guardián del sello real. El último Conde de esta casa, pues fué un soltero empedernido y soldado también empedernido, y acabó siendo inmensamente rico. Gracias a ello pudo acometer en vida una tarea que le ennoblece aún más : Henry Danvers es el fundador de los Jardines Botánicos de Oxford, los más antiguos de toda Inglaterra y casi del mundo, y cuya primera finalidad fué el cultivo y estudio de plantas para uso medicinal . Aportó más de 5000 libras de entonces, unas 745.000 lbs de hoy día, para "glorificacion de las obras de Dios y para la promoción de la cultura". 

Ah !, se me olvidaba ya :  la mancha negra de la cara es un parche para tapar una fea cicatriz que tenía.