salvador dalí - ciclo sistemático de conferencias surrealistas "la langosta" 1935

josep renau berenguer - el comisario,nervio de nuestro ejército popular 1936

controvertido pintor y, sobre todo, cartelista y muralista, nacido en 1907, es un ejemplo, en su vida personal y artística, de autenticidad. Esta virtud normalmente compromete y enfrenta a su poseedor a la primera de cambio y así ocurrió con nuestro artista a lo largo de toda su vida. Comunista hasta la cepa, puso todas sus energías y dotes al servicio de una sociedad más justa, humana y solidaria y esta tensión la mantuvo hasta el final de sus días. Del mismo modo ,nunca cedió ante los imperativos y conveniencias presentes en el mercado artístico del pasado siglo. En suma, un soñador y un valiente.

El año de la fecha de este cartel, 1936, comienzo de la guerra civil española,  Renau ,afiliado al partido comunista español desde 6 años antes, entrega cuerpo y alma al servicio de la causa republicana y de la Nación, no solo como cartelista convincente y enormemente prolífico sino, por supuesto, llevando a cabo labores de responsabilidad y propaganda dentro del propio partido . Incluso editó con sus propios medios una revista, Nueva Cultura , que  se mantuvo entre los años 1935 y 1937 y en la que se apoyaba y fomentaba la unión y el trabajo de escritores y artistas proletarios. Así, entre sus colaboradores aparece gran  parte de la flor y nata de la intelectualidad de aquellos años : Picasso, Max Aub, Bergamín, Cernuda, María Zambrano, Gomez de la Serna, Altolaguirre........ 

Renau , como Director General de Bella Artes hasta 1938, fué el principal  artífice del traslado de la valiosísima colección del Prado hasta Valencia. Como comprendereis, hubo de exilarse con la caída del gobierno en 1939 y sacado casi a la fuerza de un campo de concentración en Francia, lugar de internamiento en el que nunca debería haber estado por su alto cargo en el Gobierno de España, pero que aceptó de buen grado fiel a sus principios solidarios. Vivió en Méjico y en Berlin oriental y, finalmente , en su Valencia natal y siempre fué , a pesar de todo, un incomprendido, tanto por los oponentes como por sus propios camaradas de partido : los inconvenientes de mantenerse contra viento y marea fiel a unos principios.

El cartel, ahora algo trasnochado, haría sin embargo llorar hoy todavía de emoción a aquellos que vivieron los años en que fué llevado a cabo y que comulgaban con las mismas ideas en que está inspirado.
La amenaza que se cernía sobre todo un pueblo en el que se habían despertado unos ideales de igualdad, progreso y solidaridad, hizo vibrar a toda una generación que, desgraciadamente, se vió obligada a tomar un camino ya muy usado e irracional : el de las armas. El cartel, en estas circunstancias, es un prodigio de fuerza, eficacia y significado, aún cuando, con seguridad, no gustaría lo más mínimo a la mayor parte del Ejército soportando a regañadientes la figura política y omnipotente del comisario comunista. Pero, dejemos aparte este detalle un tanto escabroso y, limitémosnos a su valor como objeto artístico : parece como si las bayonetas estuviesen dirigiéndose, vivas y firmes, al encuentro del mal en un ambiente bélico y tenebroso. Renau, que si creería en la figura catalizadora y directora del comisario, le hace formar parte de la fría cabalgata de acero que se alza con fé absoluta en un mundo mejor.

Para completar un poco éste recuerdo de su obra, traemos unos cuantos carteles más y varios de sus grandes murales :el primero, llamado por él Los usos pacíficos de la energía, situado en Halle-Saale, antigua Alemania del Este, al parecer en un edificio que fué sede de un establecimiento gubernamental, y estos otros,  el hombre dominador de las fuerzas naturales y la unidad de la clase obrera y la fundación de la República Democrática Alemana, situados en Halle-Neustadt en un edificio de diez plantas que posiblemente fué una residencia estudiantil.
Finalmente traemos algunos de sus magníficos fotomontajes .

joan miro - dos bañistas 1936

otro gran pintor español, por sus cuadros, por su influencia en el arte del siglo pasado y, también por supuesto, por su fama. Fama que poco a poco fué adquiriendo fuera de nuestras fronteras, tras largos años de pasar inadvertido, en ocasiones pasando verdadera necesidad. El autor de este cuadro es ya un artista plenamente consagrado ,conocido y famoso, con muchas exposiciones detrás. Por contra, a este lado de los Pirineos, en su España natal, no pasaría de ser, dadas sus simpatías marxistas, un pintor silenciado e ignorado por el régimen autocrático establecido tras nuestra última Guerra Civil.

Precisamente este cuadro, pintado con gouache, es del año 1936, año del comienzo de la contienda y Miró ,que se encontraba con su familia en Mont-Roig , pueblo de Tarragona en la que poseía una casa, hubo de volver a París donde permanecería ya hasta 1940, cuando el avance implacable de las tropas alemanas le obligaron de nuevo a cruzar precipitadamente Francia de norte a sur para volver a España. Del cuadro no he podido averiguar si lo pintó antes de volver a París hacia Octubre ó bién estando ya en la capital del Sena. Lo que sí se sabe con certeza es que un total de 27 obras pintadas sobre masonita, una especie de contrachapado, fueron pintadas por Miró en Mont-Roig y Barcelona en 1936, antes de su vuelta a París, y también que los años anteriores en los que la situación política y social de su España querida se deterioraba por momentos fueron para el pintor de gran desasosiego e inquietud ,y éste estado de ánimo se vió enseguida reflejado en su obra, y , si no, comprobarlo en estas obras pertenecientes a las llamadas pinturas salvajes:
Mujer de 1934,    cuerda y personas I de 1935,    Hombre y mujer ante un montón de excrementos del mismo año 1936    y Mujer desnuda subiendo la escalera ,dibujo a lápiz de 1937.

Impresionante fué la Exposición qué, sobre el Arte Español, se celebró ese mismo año en París. Con más de 500 obras de 144 artistas, estuvo representado el panorama artístico de nuestra nación al completo . Incluso se desalojaron la mayoría de las obras de la Jeu de Paume para dar cabida a tan extensa obra. Allí estaban Picasso, Gris, Mir, Rusiñol, Sorolla, G.Solana, Vazquez Diaz......y, por supuesto, Joan Miro que presentó 2 obras: Pintura de 1934 y retrato de la Fornarina. El estado francés compró 12 de las obras de varios autores entre los que no se encontraba ni uno de nuestros genios contemporáneos.

Desde los primeros años de la década de los 20, Miró tomó contacto con pintores surrealistas y también con algunos de los poetas decantados hacia esta tendencia que cobraba un gran desarrollo. Aún cuando no se sintió nunca plenamente comprometido con su ideario,ni participó en sus innumerables polémicas, sí participó en muchas de sus exposiciones y frecuentó sus círculos y ambientes, y desde luego cada vez sus obras fueron más y más surrealistas ó, al menos , transmitían sensaciones oníricas cuando no sometían al espectador a una particular violencia formal y emocional. Y, precisamente, éste cuadro de las Bañistas y muchos de ántes y después, sus salvajes, estan entre ellos. Ver la deformación y la desproporción de las formas,el brutal desencajamiento de los miembros y las cabezas, la manera en que enfatiza los atributos sexuales, y los colores estridentes.


Su relación con la II República Española fué siempre excelente y así unos meses después de su vuelta a Francia, en abril de 1937,comienza un mural, por encargo de su amigo y arquitecto Jose Luis Sert, para el pabellón que había de representar a España en la Exposición de París de ese año. Sert fué, con Luis Lacasa Navarro, uno de los autores del proyecto : el primer pabellón ferial español de estilo totalmente actual y contemporáneo y una de las grandes obras de arte de la arquitectura española del siglo pasado . Hoy por supuesto desaparecido, por tratarse de una obra de carácter efímero, se puede ver una réplica de 1992 en el parque Valle de Hebrón de Barcelona. Albergó muchas obras de arte y entre ellas dos diamantes brillaron con intensidad durante los días de la Exposición : el Guernica de Picasso y Payés catalán en rebeldía de Miró( el segador). El significado de ambas obras monumentales es de sobra conocido  y encarnaba la expresión más sublime de la lucha de un pueblo por su libertad y por su forma de vida. En pocas ocasiones se ha podido expresar tanto amor por la vida con tan poco, y no nos referimos como comprendereis a las dimensiones de las obras, sino a la sencillez y simplificación de elementos y a su maravillosa expresividad.

El Guernica afortunadamente lo podemos ver en el Museo Reina Sofía de Madrid pero el Segador está desaparecida y solamente disponemos de fotos. La llevó a cabo Miró directamente en el mismo pabellón sobre seis paneles de celotex  alcanzando finalmente la obra unas dimensiones de 5,50 x3,65 metros. ¿donde se encuentra actualmente?.

pablo picasso - el rescate 1932

casi era obligado que nos encontrásemos en esta exposición al menos un cuadro de Picasso, ya que es éste un período de su vida extraordinariamente fecundo en el que el artista derrochó una creatividad y energía realmente insuperables. Picasso estaba plenamente inmerso en lo que han dado en llamar su etapa surrealista,aunque esta tendencia aparecerá siempre en muchas de sus obras casi hasta el final de su vida. Es realmente sorpresivo y capaz de volver atrás cuantas veces necesite,sus contínuos hallazgos se van sumando y nunca desaparecen totalmente sino más bién se aglutinan con los siguientes,se perfeccionan y dan lugar a otros nuevos. No vamos a hacer aquí un análisis exhaustivo de su obra, pero si diremos que estas líneas sinuosas que conforman los cuerpos casi étereos y enormemente expresivos que vemos en esta pintura, esos rostros aplanados y redondos, la disposicion totalmente deformada de cada una de las partes del cuerpo, la simplificacion del color, serán características que se repetirán todavía muchísimos años en muchos de sus cuadros.

Como ejemplo, hemos elegido una ó algunas obras de cada año desde 1925 hasta 1949, que,como vereis,estan dentro del estilo y técnica del Rescate.Comprendereis que son solo muestras cogidas en el inmenso caudal de trabajos que este fecundo artista hizo en estos 24 años,pero son indicativas de la continuidad de formas de la que hablamos :                                                      

 El encuentro de Picasso con Marie-Thérèse Walter el 8 de enero de 1927 a la salida de las galerías Lafayette de París es un suceso de su vida muy conocido y que no falta en ninguna de sus biografías. El pintor atravesaba un momento delicado en su relación con la bailarina rusa Olga Khokhlova y posiblemente se sintió conmovido, sinó deslumbrado, por la delicadeza y cándida presencia de aquella muchacha de 17 años, él contaba ya con cuarenta y cinco,y la abordó sin contemplaciones. Tres años después la instaló en un apartamento en París y ya en junio de 1932 ésta su nueva modelo y amante aparece en varios retratos en la exposición que lleva a cabo en la galería Georges Petit. A partir de ahí es pura obsesión. Thérése aparece en multitud de cuadros, dibujos y grabados, sentada , echada , al borde del mar, dentro del mar...y también en algunas de las muchas esculturas de este período. Podemos decir que el cambio de Olga a Marie-Thérèse y su encuentro y posterior colaboración con el grabador Ambroise Vollard dieron lugar, una vez más en su evolución artística, a un nuevo impulso creativo.

La relación se prolongó durante quince años y Picasso, que había comprado el chateau Boisgeloup ,un verdadero palacio a 64 kms. de París, instaló su taller de escultura en una de sus estancias y comenzó también a llevar a cabo grabados de forma incansable con una pequeña impresora que había adquirido en la capital del Sena. Para muchos autores Marie-Thérèse aparece tambien en el Rescate de 1932 que estamos mostrando y en algunos de los grabados del mismo tema que realizó por entonces.Y, por supuesto, es la modelo incuestionable en muchas otras obras de estos años que podeis admirar en esta página de Wikipaintings.

Por último traemos una presentación sobre la pintura de Picasso en estos años debida a Alfredo García del IES de Fuenlabrada y titulada : Pablo Picasso entre el Cubismo, el Clasicismo y el Surrealismo. Gracias Alfredo por permitirnos difundir entre nuestros lectores este magnífico trabajo sobre el genio español.

                       

Pablo Picasso. Entre el Cubismo, el Clasicismo y el Surrealismo. from Alfredo García

alfred courmes - el tacto 1936

Pintor muy longevo, murió en París en 1993 a los noventa y cinco años nada menos . Su obra , muy variada y de estilos cambiantes, dificulta la tarea de incluirlo en alguno de los movimientos artísticos de su época. Lo mejor es que echeis un vistazo a algunos de sus cuadros y os hagais una idea de lo que quiero decir. No deja de sorprender su realismo que muchas veces tiende al surrealismo sin incorporarse plenamente , más bién manteniéndose en un plano satírico o simplemente divertido que no deja de sorprender. Y si no, ver este cuadro representando a S.Sebastián, mártir al que encontramos una y mil veces a lo largo de todas las épocas. Estoy seguro que su intención no fué reirse del santo ni de la religión que profesaba, simplemente está combinando elementos... 
  -oiga, y ¿eso que quiere decir?- 
  La pintura y el arte en general del pasado siglo XX tuvo como característica general de todos los estilos y movimientos la libertad de normas en sus formas y en sus significados ó intenciones, y, entre las infinitas posibilidades que se derivan de ésta manera de expresarse está la combinación de elementos antiguos o clásicos, ó religiosos....ó  como quieran, con otros más actuales extraídos de una forma de ver la realidad mucho más desenfadada. 

  -Perdone pero se trata de un acontecimiento dramático ó al menos todo menos alegre y divertido-. 

  En efecto, el intento, en este caso ,de ejecución de un joven por las buenas, sí lo es, pero el pintor de nuestra época lo acerca y lo envuelve en la mentalidad que impera ahora, dieciocho siglos después. Es más informal, mas relajado, pero es S. Sebastian asaeteado, está rodeado de ciertos símbolos  aplicables a acontecimientos u objetos actuales, pero en nada menosprecia la grandeza de mártir por su fé . Hasta diríamos que la escena esta revestida de encanto y sensibilidad. Sin embargo es lógico que cierta parte del público de su época lo considerara un tanto irreverente y hasta mordaz. Sin embargo , presentado en el Salón de los Independientes de 1935, el éxito de crítica y también de público fué tal que incluso recibió ese año el premio Paul-Guillaume. Dos obras en esta línea son también  Ex voto con Sebastian, y, no os asusteis por el nombre, Salutacion angélica neumática .
De la magnífica página Malesoulmakeup os traigo una excelente relación de San Sebastianes extraídos del mundo de la pintura y de la fotografía, y  qué, por supuesto, no son más que una mínima parte de lo que se ha hecho en todas las épocas. Como vereis, la mayoría son muy similares al de Courmes, esto es , se toma la imagen  ya estereotipada del mártir y se adapta a los tiempos , a los estilos ó a las intenciones; los resultados son de lo más variopinto y a la postre no dejan de evidenciar el enorme atractivo que ésta figura del mártir de bello cuerpo herido mediante un procedimiento prácticamente incruento, produjo en los artistas de todas las épocas y sigue haciéndolo hoy día.
 
El cuadro que podemos ver, le toucher, el tacto, es un estudio previo ,hecho con guache y mina de plomo, para otro de dimensiones mayores , 2x3 metros, pintado al óleo . Es una alegoría como veis del sentido del tacto, mezclando una vez más figuras y elementos que recuerdan la mitología con otros contemporáneos dentro de un ambiente alegre y pastoril. El colorido es bellísimo y anticipa el de la obra definitiva, obra de encargo a raiz de ser premiado por el S.Sebastián, y que debía decorar en forma de mural el pabellón  para la  porcelana de Sevres en la Exposición Universal de París de 1937.

De delirios iconoclastas han sido calificados algunas de las obras de autores muy parecidos a Courmes ; por ejemplo Francis Picabia . Courmes de cualquier forma posee otras caras muy distintas, algunas de ellas mucho más serenas y ortodoxas. Especialmente famoso es su retrato de Peggy Guggenheim del año 1926 y de su hermana de 1921. Incluso tiene paisajes clásicos de gran belleza. El empleo de elementos sacados de la ilustración publicitaria combinándolos ó mejor, asociándolos a la imagineria cristiana y la mitología constituye también uno de sus más originales hallazgos.

Para terminar os doy la referencia de otra entrada de este blog relacionada con San Sebastián , el S. Sebastián curado por las santas mujeres, y en el que podeis encontrar también una extensa relación de obras sobre éste tema, pero ésta vez más ortodoxas.