Kees Van Dongen - mujer con sombrero negro

   

                 
                     derch(raton)-vent nueva > +

un cuadro que de seguro ha llamado la atención de la mayoría de los visitantes de esta exposición y de los que hayan tenido la oportunidad de verlo en el Hermitage. Es un retrato elegante y vistoso y pertenece a uno de los fauves, una de las fieras, como los tachó por primera vez el periodista parisino Louis Vauxcelles al emplear la frase cage aux fauves, jaula de fieras, apelativo un tanto exagerado, pero que ayuda a entender por donde iban los tiros. En efecto, encontrarse con las obras de aquellos artistas que expusieron en el Salón de Otoño de 1905, así de repente, en aquellos días de principios del S.XX pudo ser razón más que suficiente , sobre todo al ver su intensidad y disposición de colorido y el olvido de cualquier regla académica de las cuales renegaron abiertamente , para calificalos de tíos fieras, y lo de tíos lo añado  yo para españolizar la frase y hacerme entender bién. Estos años de finales y principio siglo (XIX - XX) constituyen en el mundo de la pintura una gran caldero donde se están cociendo al mismo tiempo varios estilos, quizá diferentes pero todos con el signo de la innovación y la premura del cambio. Y los fauves son unos de ellos ; ponerse delante de una de sus obras llenas de espontaneidad y color es siempre un acontecimiento para la vista y para el espíritu y constituye con seguridad un reflejo directo de la propia personalidad del autor ; además se aplican en la simplificación de elementos , la máxima sintetización, y la mayor emotividad a través de la aplicación del color puro , antinatural , lo más irreal posible. ¿os suena esto?. Pertenece a todos los que atravesaban ésta época tan movida de la historia del Arte.

Quizá la invención de la fotografía hizo pensar a los artistas en un arte mucho más objetivo, personal, separado de la realidad ; para la realidad ya teníamos a la fotografía, vamos definitivamente a rebuscar en nuestro interior, no mires hacia fuera sino hacia dentro, pinta ese arbol rosa y azul en lugar de verde y deformalo a tu gusto si así lo estás viendo tú mismo. Los resultados no fueron feos y caóticos sino bellísimos y emocionantes. Y si no, véase una muestra en el siguiente enlace.

Kees van Dongen, holandés de Rotterdam, aterrizó en París como cualquier artista de la época que se preciara de tal, a punto de finalizar el siglo, en 1899,  y en 1905 estaba ya con los fauves entre los que se encontraban Matisse, Vlaminck y Derain . Además, como no, se estableció en Montmartre, y ese mismo año de 1905 se mudó con su mujer Guus y su pequeña hija Dolly al Bateau-Lavoir, una zona en  la parte alta de dicho barrio bastante cutre pero en la que coincidió casi puerta con puerta con Picasso, su amante Fernande Olivier y algunas de las modelos que colaboraban con Picasso cuando se podía. Compartieron modelos , no amante, y llegaron a ser grandes amigos pero siguieron direcciones distintas. El español ya sabemos, van Doegen derivó casi enteramente hacia el retrato y poco a poco hacia el retrato exclusivo de la alta burguesía : de la pobreza a la fama y el bienestar . Casi todos son retratos de mujer en diferentes ambientes, todos selectos , y muchas de ellas con sombrero, sombreros elegantes, maravillosos algunos y totalmente a la moda. He aquí varios cuadros con sombrero , algunos de van Dongen .El sombrero llegó a ser elemento indispensable en el atuendo de cualquier dama parisina y atributo de su acomodada posición, especialmente unos años después, ya en la llamada Belle Epoque.

Kees van Dongen tuvo encargos de este tipo todavía en pleno 1936 después de haber sido introducido en la alta sociedad, aunque algunos no puedan ser considerados plenamente fauvistas. El que nos ocupa, todavía de 1908 si lo es totalmente. Observar los colores rojo y azul escondidos entre las sombras, las zonas amarillentas del rostro en zonas que deberían estar cubiertas de sombras, la maravillosa pincelada esmeralda claro de la barbilla, los tonos negros del vestido y del sombrero ,alto e inacabado y finalmente esos ojos grandes, hermosos y serenos que no miran a ningun lado merced a la indefinición del cristalino al prolongar su negrura hacia la izquierda. No sigo, me estoy extendiendo mucho, pero os dejo un precioso video sobre sus obras bajado de youtube y debido a juancarlos14151, a quién se lo agradecemos; acompañándolo va  la canción de Juan Manuel Serrat aquellas pequeñas cosas .

Pablo Ruiz Picasso - mujer sentada

    

         
                                   derch(raton)-vent nueva > +

entre la bebedora de absenta de este mismo autor y del año 1901 ,también traído del Hermitage para esta exposición ,y el que presentamos, de 1908, hay ,como veis, un abismo. Hemos incluido en nuestra página éste último, porque quizá diga más de la personalidad artística de Picasso, especialmente en cuanto a su asombrosa capacidad de evolución, o mejor de rapidez de experimentación. Todo se le queda enseguida chico, superado, siempre necesita un paso más. Me direis, -bueno, estamos hartos de ver series y series de cuadros y dibujos muy similares unos a otros, ¿es eso evolución ó estancamiento?-. -pues no señor, es evolución basada en esa experimentación que le lleva a hacer esas series interminables pero, y ahí esta el quiz de la cuestión, en poquísimo tiempo y claro, para ello tiene que pintar contínuamente, sin descanso, noche y día-.Sin esta característica destacada , podría haberse quedado, en efecto, estancado , cosa que ocurre con muchísima frecuencia en el mundo del arte en general y de la pintura en particular. Estamos hartos de ver pintores excelentes siempre pintando igual y justificándolo con el famoso : -este es mi estilo-  Como en el cuadro anterior de Gauguin, traemos la misma página pero dedicada a Picasso, en la que podreis ver los rápidos cambios que se producen en cortos espacios de tiempo. 

Aquí nos encontramos con uno de sus cuadros que los estudiosos han encuadrado en el llamado período africano ó período negro. ¿Porqué ese cambio entre los deliciosos cuadros de los períodos azul y rosa anteriores y esto otro en lo que se está metiendo nuestro afanoso pintor malagueño ?. Contemplar en la última referencia del párrafo anterior, Picasso, en el final del período Rosa (rose period), los cuadros que llevó a cabo en 1906 algo similares a los primeros del período africano, pero de pronto en éste aparecen caras nuevas, ojos nuevos; más que caras humanas son máscaras, bastante frías e inanimadas.Agotamiento de una etapa , demasiado tiempo ya intentando el cambio desde el clasicismo, Picasso tiene que romper hacia delante y quizá aprovecha una circunstancia nueva :  la expansión del colonialismo francés en Africa dió lugar a la llegada a la metrópoli de un torrente de utensilios y objetos de arte de ese continente y Picasso tuvo la ocasión de estudiarlos y observar especialmente la gran intensidad emocional que reflejaban las máscaras, el arte de los totems africanos, y ahí sin duda vió por donde seguir.

Del año siguiente 1907 es uno de sus cuadros más famosos y según algunos el primer cuadro cubista, las señoritas de Avignon. Pero antes, en 1906, verlo en la  serie, ha pintado un autorretrato totalmente influenciado por la escultura africana ; poco a poco todo lo que hace refleja con mayor o menor intensidad esta influencia, y puede que donde sea más evidente es en  las señoritas e Avignon donde además simplifica ya descaradamente las líneas de contorno, los volúmenes desaparecen y divide el cuerpo femenino en zonas geométricas simples reflejando solo lo esencial y prescindiendo ya de la perspectiva formal y de las proporciones.

Nuestro cuadro, de 1908, tiene que ser obligadamente lo que veis, sin remisión ; Picasso está metido de lleno en ese tipo de representación , deslumbrado por la fuerza y la belleza que emana de la simplicidad de esas esculturas africanas, y que aplica por ahora tan solo al cuerpo humano y a algunos bodegones. Mujer sentada : máscara dormida en un cuerpo todavía bastante identificable en sus partes, aún están casi en su sitio, pero está a punto ya de descomponerse , de descolocarse totalmente y ofrecer cada una un punto de vista propio; en fín , estamos ya  a las puertas del cubismo.

Ahí va este enlace donde podeis ver la cantidad de figuras de mujer sentadas que realizó Picasso.

Max (Francesc Capdevila) - cartel 33 festival de cine de huesca 2005

Sin comentarios. Lo dice todo . Está por supuesto a la altura de su autor, el formidable Max, Francesc Capdevilla. Barcelonés, colaboró con Nazario y Javier Mariscal en el grupo el Rrollo y más tarde formó parte del grupo creador de la revista el Víbora.

Ha recibido el premio Nacional de Ilustración infantil y juvenil en 1997 y el primer Premio Nacional de Cómic por Bardín, el superrealista.

Paul Gauguin - el mes de María (te avae no Maria)

                                          derch(raton)-vent nueva > +

también lo podemos llamar "mujer tahitiana con ramo de flores". Formó parte del último envío de Gauguin a Vollard, su marchante, en 1903, desde la lejana isla de Hiva Oa en las islas Marquesas, donde vivía desde 1901. -¿me quiere usted decir que Gauguin envió cuadros desde las antípodas a Francia a principios del siglo pasado?-. -naturalmente y no fué la primera vez, ya en su primer regreso a Francia desde la Polinesia en 1893 se trajo consigo 66 obras que expuso con gran exaltación  en París pero con resultados mas bién desastrosos (solo vendió 8 de las 41 presentadas)-.Todas esas obras tan mal recibidas por el público y la crítica y las demás del último envío brillan hoy en los mejores museos y colecciones del mundo como verdaderas joyas del arte y además la mayoría del público actual, el de 2012, se siente embelesado, atraído y lo que es más, plenamente identificado con éste tipo de pintura. ¿porqué?. Bueno, yo no me atrevo a analizarlo así por las buenas, máxime cuando este pintor puede ser de los mas estudiados e investigados por los especialistas, pero si creo que el colorido que Gauguin fué incorporando en sus cuadros desde su llegada a su paraíso de las islas tiene mucho la culpa de ese éxito actual . Este cuadro no es de los más representativos en éste aspecto, pero desde luego sus colores son plenamente modernos y sobre todo su conjunto , su suma , la impresión global del color que entra en nuestro cerebro produce una sensación muy agradable. ¿Lo buscaba así el pintor ?. puede que sí. Es ,para mí, la principal herencia que ha dejado al arte Moderno. Hoy el color juega un papel principalísimo en cada obra de arte cosa que no era esencial ni mucho menos en la mayoría de las obras de hace poco más de un siglo. Perdonarme que insista en esto del color trayendo un enlace donde podeis comprobar la evolución del colorido a lo largo de su obra, ya que estas están ordenadas cronológicamente.

Cuando Gauguin pinta este cuadro, en 1899, la situación en que se encontraba no era nada agradable. Hay que tener en cuenta esto al ponerse delante del cuadro.  Hacía cuatro años que había vuelto a embarcarse en Marsella rumbo a Tahití con su tobillo fracturado y ni mucho menos recuperado y acompañado ya de la la sífilis, contraída en Francia recientemente. Durante este tiempo esas condiciones físicas fueron a peor, la pierna se le llenó de llagas y  tenía mareos frecuentes y fiebre. Para colmo de males  en Marzo de 1897 recibió la noticia de la muerte de su hija Aline de pulmonía. Después enferma de conjuntivitis, y , casi no es de extrañar, a principios de 1898 intenta suicidarse con arsénico. Su nivel económico, como diríamos hoy, es de los más bajos de su isla, si nó el que más, aunque ese año de 1899 le obsequia con algo de trabajo renumerado gracias a algunas colaboraciones en periódicos locales. Pero del otro, del trabajo sin renumerar sí que tiene y mucho. En efecto , este período tan duro en su vida es también de los más productivos artísticamente, no solo en cantidad si no también en calidad. De 1897 es su maravillosa obra maestra ¿de donde venimos? ¿qué somos? ¿a donde vamos?, actualmente en el Museo de Bellas artes de Boston. De Gauguin se puede decir que murió matando, pues hasta el último momento de su ya agotada vida, en 1903, se mantuvo pintando sin desmayo.

Franz von Stuck - El beso de la esfinge

si vais a  la ciudad de Berlín y accidentalmente pasais por la estación de metro de México, tendreis la ocasión de ver una buena copia del cuadro de von Stuck titulado el Pecado, obra que seguramente conocereis. Se trata, como éste del Hermitage , de un cuadro de una concepción e intención muy diferente a los dos últimos de Velázquez y Ribera presentados en éste blog. Estamos ya en 1895 y la juventud artística de Europa se está cansando del realismo, de la representación puramente naturalista , de la vida real y su descripción pictórica un tanto aburrida y monótona, de la fealdad de su propio entorno e incluso del propio impresionismo y comienza a recibir en su espíritu un aire nuevo ,suave y embriagador, que proviene de la literatura y la poesía. Baudelaire, Verlaine, Mallarmé les estan hablando de evocación , de misterio, de indeterminación, de superación de la realidad por algo más que llene el espíritu , les haga soñar y volar con la imaginación.

Este movimiento se llamó Simbolismo y como se ve, es heredero directo del propio romanticismo, aunque provenga de esta reacción contra el realismo del que hemos hablado. Entre otras características acudieron con frecuencia a la mitología y al clasicismo para extraer sus figuras y aprovecharlas como símbolos y elementos evocadores de algo espiritual más allá de su propia identidad o ,incluso de su significado histórico.

Así, el beso de la esfinge nos muestra una escena del poema del autor alemán romántico  Heinrich Heine, la esfinge, donde cuenta como el poeta camina de noche por un bosque, y al salir del mismo se encuentra ante un castillo delante del cual hay una estatua, una esfinge de rostro bellísimo que fascina de tal modo al poeta , que no puede resistirse a besarla apasionadamente. La esfinge cobra vida,  absorbe su aliento y  le clava sus garras en  el cuerpo y lo mata. Pero nuestro pintor simbolista va más allá, el poeta está en una situación total de indefensión, sin voluntad de reacción, plenamente embriagado y al mismo tiempo aterrado por la sorpresa, su entrega es total. La esfinge,rostro y pechos de mujer , cola y  patas de león y alas de pájaro, fué una figura muy empleada como símbolo del poder de la mujer y aquí se toma como elemento destructor, dominador y caótico, pero al mismo tiempo  inocente, sensual  y fascinante. Un simple beso le lleva al poeta a un mundo irreal mucho más bello y lleno de posibilidades para el placer espiritual , aún a costa de la propia destrucción.Es el poder físico representado por el hombre sucumbiendo ante el poder psíquico de la mujer. El tono rojizo encendido de toda la escena todavía aumenta más estas sensaciones. 

Franz von Stuck fué maestro durante unos cuantos años de artistas como Paul Klee, Hans Purrmann, Wassily Kandinsky, and Josef Albers en la ciudad de Munich, donde se asentó como pintor de prestigio e incluso fué elevado a la aristocracia en 1905. Von Stuck fué pintor de seductivas mujeres curvilíneas y diabólicas que evocan el poder de lo oscuro, lo indefinido , la fuerza interior incierta y profunda. Los títulos de algunos de sus cuadros lo dicen todo : sensualidad, inocencia , primavera ,donde se aprecia la belleza del marco , marco diseñado y elaborado por el propio pintor ,quién daba una gran importancia a este elemento decorativo y de soporte , el guardián del paraíso ,el asesino . He aquí otra página con algunas de sus obras mas famosas.