john martin - Josué ordenando al sol detenerse sobre Gabaón

la conquista de Canaan por Josué y los israelitas costó 6 años largos .Todos conocemos el famoso pasaje de la Biblia acerca de la demolición de las murallas de Jericó por el fragor de las trompetas de Josué y posiblemente también este otro sobre la defensa de Gideón, ciudad aliada de Israel amenazada por las numerosas fuerzas conjuntas de los reyes de  Jerusalem, Hebron, Jarmuth, Lachish and Eglon . Tras una noche de marcha contínua montaña arriba las tropas israelitas sorprendieron al llegar el día a sus enemigos, dispersándolos y empujándolos hacia el valle de Ajalón , donde Dios envió sobre ellos un granizo destructor. Josué imploró al Altísimo que parase el sol sobre Gideon y la luna sobre Ajalón con el fín de poder prolongar la lucha y completar la derrota de sus enemigos. El cuadro, del año 1848, representa justamente este instante, y Martin aprovecha la escena para emebelesarnos con un luminoso espectáculo atmosférico donde cielo y tierra se conjugan sobre los diminutos e insignificantes guerreros llenos de  humanas pretensiones. El cuadro es todo vapor de agua y luz, a la izquierda la luna se mantiene estática y amarilla sobre el valle de Ajalón envuelto en densos cortinones de granizo, mientras en la parte derecha el sol hace pasar sus rayos inmóviles a través de serenos y brillantes parajes nubosos. Además es de unas dimensiones adecuadas a su espectacularidad, 2.64 x 1.51 metros, lo que la hacen irresistible dentro de la exposición.
El cuadro de William Turner titulado, "tormenta de nieve, Aníbal y su ejército cruzando los Alpes" es de unas dimensiones algo inferiores, pero todavía grande, y, siendo del año 1812, podría haber influído en el de Martin. De cualquier forma , este último es, desde luego, un bellísimo homenaje a Turner en ésta obra y en su conjunto

Sin embargo , aún siendo ésta la mejor de todas, Martin pintó este pasaje de la Biblia en más ocasiones. La primera vez ,ya en 1816, con una obra que lo llevó directamente a la fama, muy parecida a la que traemos pero ,para mi gusto, mucho menos espectacular, cielo y tierra se presentan mas independientes, más reales e inexpresivos. También realizó grabados sobre el tema que podreis encontrar fácilmente en internet. Se puede decir que dejó para el final la mejor de sus versiones,opinión, por supuesto, totalmente personal.

Tras el éxito de la versión de éste cuadro de 1816 de la que acabamos de hablar, Martin llevó a cabo una sucesión de grandes obras parecidas a ella y que están todas a su altura o la superan. Así, os traigo : la caída de Babilonia de 1819 , la fiesta de Baltasar de 1820 ,   la destrucción de Pompeya y Herculano de 1822,    la caída de Nínive de 1827 , y por último, la tarde del Diluvio de 1828. La erupción en abril de 1815 del monte Tambora , en Indonesia, que provocó un triste año sin verano en todo el hemisferio norte, y que  pudo dar lugar a la producción de obras literarias como Frankenstein  de Mary Shelleynd  o el Vampiro de John Polidori, también pudo finalmente desencadenar en nuestro pintor un afán por recrear en sus obras antiguas catástrofes o adornar escenarios históricos con poderosas manifestaciones atmosféricas.

. Obras suyas muy posteriores son tambien :
el Juicio Final  y las llanuras del Cielo, de 1853,  y  el gran día de la ira , de 1851.

Pero John Martin no solo debe ser considerado un pintor a secas. Además de su calidad como pintor romántico, era un ingeniero en potencia, incluso se dice que era esta su verdadera vocación . Es posible que la crisis económica de 1820 impidiera el que muchos de los proyectos, algunos realmente avanzados, para los servicios de Londres, que el joven Martín tenía en mente,  vieran  la luz .Entre ellos, un sistema nuevo de alcantarillado , un plan para mejorar el encauzamiento del Támesis, y hasta un ferrocarril subterráneo. En 1841, Martin, con 52 años se convertía, momentáneamente, en uno de los hombres mas veloces del planeta al desplazarse viajando en una locomotora a lo largo de las nueve millas existentes entre Southall y Slough, Inglaterra, como testigo directo y también conejo de indias de una prueba de velocidad. Alcanzó más de 90 milllas por hora   

john constable - esclusa y molino en Dedham

John Constable nació en el pequeño pueblo de East Bergholt en la costa este de Inglaterra el año 1776 . El cuadro representa los alrededores del molino que su padre, próspero comerciante de harinas, regentaba en una localidad cercana, Dedham. El río es el Stour que corre de Oeste a Este hasta desembocar en el mar del Norte, río, por otro lado, navegable desde comienzos del siglo XVIII . Se sabe que a finales de dicho siglo, Gran Bretaña disponía ya de 2000 millas de rios-canales navegables, unos naturales, aproximadamente un tercio de este número y el resto resultado de obras de ingeniería y construcción de canales ó de acondicionamiento y mejora de cauces. Así, el padre de Constable poseía un pequeño barco ,  The Telegraph, con el que llevaba habitualmente maiz hasta el mismísimo Londres. Hoy día toda la región que rodea Dedham es todavía de una excepcional belleza natural y como tal está protegida. La torre que se aprecia en el fondo del paisaje es la de la iglesia de Dedham. 
Constable pintó esta torre y sus alrededores en multitud de ocasiones .Digamos que se formó como paisajista de una forma autodidacta entre estos lugares. Uno más, destacó rápidamente como excelente dibujante, más no se dedicó plenamente a la pintura hasta los 23 años .Habría seguido el lucrativo negocio de su padre sin duda alguna si no se hubiera interpuesto de forma clara y seductora su pasión por el arte.
Sin embargo, su primer paisaje al aire libre no lo pintó hasta el año 1810, o sea con 34 años . Ocho años antes había ya expuesto en Londres y comenzaba a ser apreciado . En 1821 recibe un premio en el Salón de París por su famoso cuadro el carro de heno, y , a partir de ahí son ya todo aciertos en cada cuadro que realiza y reconocimiento de estos aciertos por parte del público y la crítica, tanto en Francia como en Gran Bretaña . El cuadro que traemos lo pintó el año 1817 ó 1818 y no es el único de este mismo tema. Al menos hay otros dos, parecidísimos, todos pintados entre 1818 y 1820 y un boceto magnífico, de 1816 ; uno de ellos se encuentra en The Currier Gallery of Art, Manchester , y el otro en el museo Victoria y Alberto de Londres .
Constable es considerado el principal pintor del paisaje inglés, muy influenciado en sus comienzos por los pintores paisajistas holandeses del XVII y por su compatriota Gainsborough . Recorrió muchas zonas de las islas siempre acompañado de su paleta y realizando innumerables bocetos y dibujos que después utilizaba para sus obras; incluso, en la mayoría de los casos, los bocetos eran de todo el paisaje que iba a representar , y sobre los mismos aplicaba grandes capas de color ,basándose en el estudio directo de la naturaleza que veía y teniendo muy en cuenta la hora el día y desde luego, como se aprecia en casi toda su obra, el estado atmosférico particular de cada momento. El mismo decía que no había dos días iguales, ni siquiera dos horas, de la misma manera que no había dos hojas iguales entre todos los árboles existentes y por existir. Pero sobre todo, Constable es un pintor moderno que se acerca  ya a lo que harán después los románticos y los impresionistas. Algunos de sus cuadros son , en este sentido, verdaderamente asombrosos por su color y su ejecución. He traído trece , que simplemente los numero; verlos y comprobar lo que os digo :

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john hoppner - Anne Isabelle Milbanke

nacida en 1792, el cuadro es del año 1800, por lo que Anne contaba aquí tan solo con nueve años de edad . Esta niña que veis se va a casar quince años después nada menos que con el poeta y escritor Lord Byron , eso sí, habiéndole rechazado dos veces .Nacida en  Durham, hija única de Sir Ralph Milbanke y sobrina del político y aristócrata , Lord Wentworth, recibió una educación, como correspondía a su clase, exquisita, tanto en materias clásicas como científicas y matemáticas . Educación que nuestra acomodada niña aprovechó con creces desde el primer momento, llegando a destacar como una gran matemática , y transmitiendo esta vocación por las ciencias exactas a su propia hija, la única hija con  Byron,  Ada Lovelace . Y, cosas de la herencia y suponemos que también de la temprana educación,  también a su vez la hija de ésta Lady Anne Blunt destacó , ésta vez no en las matemáticas, al menos que sepamos, sino en su amor por los viajes y los caballos árabes, y también en la música y el dibujo. Tres generaciones de mujeres, madre, hija y nieta en el mismo hilo de  inquietud intelectual y artística, entre 1792 y 1927 : merece la pena detenerse en sus vidas y por ello he señalado bajo sus nombres algunas estupendas referencias. Tenemos que dejarlas, pero el asunto, no me digais que no, es emocionante.
Pero no solo recibió el precioso tesoro de la cultura y la ciencia, sino qué, por eliminación natural de aquellos posibles herederos que la antecedían, disfrutó ,como sucesora y propietaria del título de Baronesa Wentworth, del nada desdeñable patrimonio que conllevaba. Hasta aquí lo bueno, ahora viene lo malo, que siempre se alterna en cualquier vida , cualesquiera sea la posición social del que la vive. Anne, enamorada siempre de su marido, a pesar de reconocer y sufrir sus ostensibles defectos,  no fué feliz con él. Llegó casi a verle como una persona desequilibrada y hasta cierto punto peligrosa para la educación de Ada , y en 1916 ambos, de común acuerdo, se separaron . Byron marchó a Suiza y posteriormente a Grecia, donde, como sabeis, murió a los 36 años de edad .
Si apenas se conocieron en vida, Ada y su padre, Lord Byron, descansan para siempre juntos en la iglesia de  St. Mary Magdalene en Hucknall, Nottingham.

Del autor, John Hoppner, diremos que se trata del máximo rival de Thomas Lawrence, once años más joven, en éste período de la monarquía de Jorge III y posteriormente de la Regencia del Príncipe de Gales . Ambos tuvieron una relación exitosa con la Royal Academy y ambos pintaron una gran cantidad de retratos de personajes y nobles de la época . Hoppner llevó a cabo la publicación en 1903 de una serie de retratos de Damas, a Series of portraits of ladies , grabados por Wilkin, Charles sobre cuadros suyos al óleo. Traemos algunos porque, aquí sí, destacó sobremanera en este tipo de retrato de damas, unas ricamente ataviadas y otras no tanto, quizá como era la moda de la época, muy influenciada por los ecos de la Revolución de la vecina Francia, pero todas con una indudable distinción .En fín, si en algo es superior a Lawrence es en la pintura de damas y niños , como este maravilloso de Anna Isabelle Byron con su blancura inmaculada en un paisaje abierto y borrascoso de la costa inglesa.
Los siguientes pertenecen a :

 lady charlotte duncombe
 vizcondesa de andover
 Condesa de Ashburnham
Lady Charlotte Susan Maria Bury
Charlotte Maria, Condesa de Euston
Henrietta Elizabeth Frederica, Lady Langham
Elizabeth, Duchess of Rutland
Charlotte Walsingham, Lady Fitzgerald
Honorable Lucy Byng
Anne Garbett, Lady Romilly
Lady Redesdale
a ladie
Lady Louisa Manners, Condesa de Dysart
Mary Robinson, Perdita
Mary Boteler de Eastry Ken, detalle
Mary Boteler of Eastry Ken

thomas lawrence - miss martha carr

un cuadro con gancho. Una dama inglesa retratada por Thomas Lawrence en 1789 y que pertenece a nuestro Museo del Prado de Madrid. Además, de éste pintor inglés , posee tres más : el retrato de John Fane, décimo conde de Westmorland,   dama de la familia Storen , y  retrato de David Lyon. Para mí no están a la altura de éste que vemos y mucho menos a la del nivel medio de éste maravilloso Museo , que ,bién es sabido, tiene el listón altísimo.
Lawrence nació en la ciudad inglesa de Bristol, donde su padre mantenía una posada . Directamente fué un niño prodigio sin ayudas ni enseñanzas de ningún tipo, y desde muy temprana edad , sin tener aún los diez años, dibujaba con lápiz a la perfección y recitaba a Milton .Lo siguiente fué un contínuo progreso en el dibujo hasta llegar incluso a mantener a su propia familia con los ingresos que obtenía de retratos a lápiz . Antes de cumplir los veinte años era ya un reputado pintor en toda la zona de Bath y en 1787, a los dieciocho, el mismísimo Sir Joshua Reynolds lo recibió y agasajó en Londres, donde finalmente se asentó, entrando como alumno de la Royal Academy de las Artes. Merece la pena echar un vistazo a la página que, sobre ésta pretigiosísima institución inglesa ,se puede consultar en Wikipedia, y detenerse en la relación de sus principales académicos que en ella se incluye. Este retrato de Martha Carr, o Carry, lo hizo el mismo año que su famosísimo retrato de la actriz Elizabeth Farren , obra que ,presentada en la exposición de la Royal Academy, tuvo un éxito inmediato en los círculos artísticos y sociales del Londres de finales de siglo por sus avances técnicos y su nueva concepción del retrato de sociedad. Hoy está en el Museo Metropolitano de Nueva York. Pués bién, ambos cuadros coetáneos,  si nos fijamos bién ,son parecidísimos en su ejecución y hasta en su presentación formal.
A partir de ahí , y tras la muerte del genial Reynolds , fué el pintor de moda que no rechazó ninguno de los abundantísimos encargos, aún sin ser capaz en algunos momentos de llevarlos a cabo. Además de pasar a ser académico de la Royal Academy de la que más tarde , en 1820, sería su presidente , comenzó a emplear cantidades de dinero cada vez mayores en la compra de pinturas para su colección, de tal modo qué, tras su muerte, ésta fué ofrecida al Rey y posteriormente al Estado, quienes no llegaron a un acuerdo en el precio, por lo que esa extensa colección de obras de arte , principalmente clásicas, acabó dispersándose.
Entre 1818 y 1820 visitó Aquisgrán, Viena y Roma por encargo del Príncipe Regente para llevar a cabo una serie de retratos de los principales artífices de la Paz, la celebrada paz tras la derrota de Napoleón y el comienzo de una nueva época para Europa. Dichos retratos se encuentran en la galería Waterloo del castillo de Windsor, galería que se puede visitar

anthony van dyck - queen henrietta maría

retrato del año 1632 . Ella es la reina consorte de Inglaterra, Irlanda y Escocia tras su matrimonio con Carlos I  y cuenta aquí con 23 años. Esposa tras el intento fallido de unir al monarca con una princesa española, Maria Ana, hija de Felipe III , al no aceptar la Corona inglesa las exigentes condiciones que el monarca español imponía para consentir esta unión. Nacida en el palacio del Louvre de París , hija del rey Enrique IV de Francia y de su segunda esposa, perdió a su padre tan solo seis meses después, al ser asesinado.También sería asesinado su propio esposo, el Rey de Inglaterra, Carlos I. 
 Borbona francesa, católica hasta la médula y fille de France, conoció a su futuro esposo en París cuando éste se dirigía a España a tratar de llevarse a Maria Ana de Austria, pero no sabemos si en aquel encuentro se produjo flechazo ó no. Sea como fuere, lo que no sospechaban es que volverían a encontrarse de nuevo dos años después en 1625 nada menos que  ante el Abad de Canterbury que les iba a casar . Una francesa católica Reina de la Inglaterra anglicana no era una situación como para ser aceptada por gran parte de la corte, la nobleza y la sociedad inglesa de la época, y esto hizo que la mitad de su matrimonio con Carlos fuese una constante sucesión de enfrentamientos, discusiones y desamor. No debió haber flechazo en París, y si lo hubo se desvaneció con rapidez ante el cúmulo de malas influencias sobre el Rey y el catolicismo a capa y espada de la Reina . 

Sin embargo, a partir de la muerte del duque de Buckingham , uno de sus peores detractores,en 1628, todo empezó a cambiar. Dos años después nació su primer hijo, el Príncipe de Gales,  Carlos , acontecimiento que consolidó la mejoría establecida en la relación de la real pareja. En este cuadro, Henrietta acababa de alumbrar a su segundo hijo , Mary ,en 1631 y quizá estuviera ya esperando al tercero,  el futuro Jacobo II , pues hay que decir que fué madre de dos futuros reyes de Inglaterra y abuela de otros tres .Así pues, es muy posible que en este cuadro fuese totalmente feliz y quizá empezase a estar enamorada . Henrietta María fué a partir de este momento una esposa especialmente leal al Rey y durante la guerra civil que sucedió a continuación , no dejó de demostrarlo nunca, recabando fondos, tropas y cuantos medios sirvieran para la causa de su esposo, quién , sin embargo fué ejecutado por alta traición por el bando opuesto. Henrietta se exiló definitivamente en Francia y moriría en París a los 51 años.
Si alguien tenía que hacer un cuadro de la Reina, ese no podía ser otro que Van Dyck, como igual  podríamos decir de Velázquez al hablar de retratos de Felipe IV de España .El primero, como el segundo, pintaron a sus reyes e infantes del derecho y del revés, quizá el español en una situación menos cómoda y relajada, debido a su preocupación por el rango y la categoría , que en el flamenco . Carlos I fué, en efecto, un monarca especialmente preocupado en elevar el nivel de la misma Corona y de la corte por medio del arte, y , así, no escatimó medios  para atraer a las islas a lo mejor del panorama artístico del continente . Entre ellos el principal, Anthony Van Dyck , que además colaboró con el monarca y sus agentes en la obtención de obras de arte para la colección real. Podeis leer algunos comentarios sobre él en una de las entradas de la exposición El Hermitage en el Prado , la correspondiente al cuadro

Anthony Van Dyck - retrato de Sir Henry Danvers

 Más de una veintena de cuadros de Carlos y Henrietta llevó a cabo  Van Dyck, pero pienso que de su taller, léase el comentario que os indico, debieron salir muchos más. En esta exposición han traído el que vemos, quizá uno de los primeros de la francesa, y me parece maravilloso con ese estudio del tejido plateado tan perfecto y al mismo tiempo sencillo, consiguiendo atrapar toda la luz posible en sus pliegues y acompañado por unas sombras cálidas y armoniosas. Además los tonos rosáceos , en especial en las flores de su mano, son de una delicadeza total. Un salto de gigante en la evolución del retrato en Inglaterra al compararlo con el cuadro anterior de Peake el Viejo . He buscado retratos de Henrietta pintados por Van Dyck y traigo algunos de ellos, a los que doy una denominación de ningún modo académica, simplemente con algo que les diferencie :

malahide castle ,  Sir Jeffrey Hudson ,  museo de san diego ,  1635  , museo marítimo Greenwich ,  1638 , henrietta 7  ,
 henrietta 8

 

robert peake el viejo - catherine carey condesa de nottingham

!espectacular, no es así?. No había visto nunca un vestido con tal profusión de adornos, joyas, relieves, filigranas, bordados, miniaturas..........Agrandar todo lo que podais con  derch(raton)-vent nueva > + 
y admirar esta maravilla . 
No en vano el autor de esta obra, Robert Peake el viejo, pasó sus primeros años de aprendizaje con Nicholas Hilliard quién le adiestró en la elaboración de cálidas y elaboradas miniaturas. Nicholas era el principal pintor de miniaturas en la corte de Isabel I y de su sucesor Jacobo I .Sus delicadas y pequeñísimas obras estaban de moda entre la nobleza y constituían un presente siempre apreciadísimo entre ellos.  Aquí Robert Peake no escatima tiempo ni esfuerzo en la exaltación de la riqueza de una de las primeras damas de la corte de Isabel I. En efecto,  Catherine Carey, condesa de Nottingham desde su casamiento con Charles Howard , estadista y almirante inglés, y primo carnal de la reina Isabel, era a su vez hija de Henry Carey , a su vez hijo de María Bolena, hermana de Ana Bolena, madre de la reina. Como veis, estamos hablando de un matrimonio en el seno de  la más alta nobleza de la Inglaterra de finales del siglo XVI . El cuadro es del año 1597 y nuestra querida Cat, como la llamaban, murió solo seis años después, en 1603, precisamente el mismo año que la reina Isabel, a los cincuenta y seis años. Había estado casada con Henry de Nottingham 40 años y dejó a su muerte cinco hijos. Henry volvió a casarse a los siete meses con una bella escocesa de diecisiete años, cincuenta años más joven que él, Elizabeth Stuart ,pariente de María Stuart (Estuardo) y medio prima de Jacobo I .

Se piensa que muchas de estas joyas y ricos aderezos,  e incluso el vestido que luce Cat ,posiblemente se los prestó para la ocasión la mismísima Isabel I , ya que entre ambas existía una gran amistad y compenetración y de seguro Cat tenía acceso al ropero y joyero de la monarca siendo como era  Mistress de las ropas y joyas de la Reina .Basta con decir que incluso, para su retiro , Isabel la otorgó la concesión de su famosa residencia solariega de Chelsea. Durante algún tiempo  se creyó que la dama representada en el cuadro era la misma Reina Isabel, en parte por la riqueza ostentada.  

A Robert Peake se le dice el Viejo para distinguirle de  su hijo William y de su nieto ,también Robert, ambos pintores , grabadores y casi comerciantes. Hacia 1590, el gran retrato de cuerpo entero empezó a estar de moda en Inglaterra y muchos nobles se aplicaron en llenar una buena galería de estos retratos en sus propias mansiones. Robert fué de los afortunados a los qué la nobleza solicitó sus servicios para este fín, y le fué tan bién  que en 1604 fué designado para hacerle un retrato al Príncipe de Gales, el heredero, el famoso y queridísimo príncipe Henry, que no llegó a reinar, pues murió a los dieciocho años de fiebres tifoideas. Dicho retrato tiene fecha de 1605 y lo traemos aquí por lo curioso y diferente que es de todo lo hecho en esa época en Inglaterra. Pero no había acabado su carrera ascendente puesto que tan solo 3 años después , en 1607, fue nombrado, conjuntamente con su amigo  De Crizt, sargento-pintor en la corte de Jacobo I . Peake fué un pintor vinculado , en su obra y en su propia vida, con otros tres pintores , dos de ellos ya mencionados  aquí : De Critz, Marcus Gheeraerts el Joven e  Isaac Oliver . Todos se especializaron en la clase de retratos que ya hemos mencionado y crearon una etapa en la pintura inglesa inolvidable . Admirar estos de Robert Peake extraídos de Wikimedia.

marcus gheeraerts el joven - Anne, lady Pope con sus hijos

empezamos con este cuadro una visión de la exposicion titulada la Isla del Tesoro  ó también Arte Británico de Holbein a Hockney, desde la Fundación Juan March de Madrid, esto es una serie de cuadros de pintores ingleses o afincados en Inglaterra desde mediados del siglo XV hasta ahora ,pués Hockney todavía vive, en realidad es todavía un chaval de unos 75 años.

El clásico retrato de familia noble que posa con sus mejores galas y nos transmite su quietud y mirada atenta mientras lo hace . Son ocho ojos más bién oscuros ,que nos miran directamente, envueltos en sus magníficos vestidos y luciendo adornos y joyas profusamente. Corresponde plenamente a la forma de vestir impuesta en la Inglaterra de los últimos Tudor, de los últimos días del largo reinado de Isabel I . El cuadro fué pintado en el año 1596 y las mujeres lucen anchísimas faldas merced al uso de aros circunferenciales para conseguir ese volumen buscado que vemos en el vestido de Anne, y que le sirve en este caso para disimular su embarazo. Nacida en 1561, tenía pues en esa fecha 35 años, se había casado en segundas nupcias el año anterior con William Pope , primer conde de Downe,  y esta esperando pués al hijo de ambos , de nombre William como su padre ; luce también una espléndida gorguera y, copiando a la mismísima reina, amiga de los colores claros , blancos, beige, negros y plata, lleva el vestido de este último color.  Los niños representados, Henry, James y Thomas son, como supondreis, hijos de su primer matrimonio.

Del pintor, Marcus Gheeraerts , sabemos que es uno de los miembros de una familia de pintores, padre, hijo y nieto. Huyendo del duque de Alba y sus tercios españoles , abandonó con su padre la ciudad de Brujas donde había nacido y se instaló en Inglaterra, donde pasó el resto de su vida muriendo en Londres en 1635. Su carrera fué rápida y eficaz, llegando pronto a formar parte del principal grupo de pintores-retratistas de las islas, con quienes, por otra parte, estaba también emparentado. Por mediación del influyente Sir Henry Lee de Ditchley, Queen's Champion , artífice del gran esplendor caballeresco en la corte de Isabel I y finalmente su protector, tuvo acceso a los círculos cortesanos llegando a conseguir que la mismísima Isabel, la reina, posara en el famoso cuadro Ditchley Portrait de 1592 . Tras la muerte de Isabel, todavía mantuvo su prestigio con Jacobo I y especialmente con Anna de Dinamarca, su mujer, a quién pintó en varias ocasiones. Posiblemente colaborase también con el pintor sargento del Rey Jacobo,  John de Critz , ya que era precisamente su cuñado.

Hacia 1590 Gheeraerts llevó a cabo una verdadera revolución en la pintura del retrato de la Inglaterra de la época, al introducir las tres dimensiones, o mejor, la búsqueda de las tres dimensiones en el cuadro, modificando posturas, sombras, fondos , aperturas de paisajes, y , en fín, todo aquello que contribuía a evitar un aspecto demasiado plano del personaje y del conjunto .  También fué uno de los primeros pintores en utilizar en Inglaterra el lienzo en lugar de la tabla como soporte, permitiendo una mayor dimension de las obras. Por otro lado, es de los primeros en hacer el retrato de cuerpo entero y comienza a estudiar más detenidamente el interior del sujeto, su carácter , a emplear tonos de sombra más coloreados . Para mi gusto uno de sus mejores retratos es el titulado mujer encinta por su delicadeza y buen gusto. Por último traigo una página con muchas de sus mejores obras.

Giovanni-Battista Piranesi -carceri d'invenzioni

extraído de youtube, traigo este vídeo que se pudo ver en la visita a la exposición que, sobre Giovanni- Battista Piranesi, estuvo en Caixaforum de Madrid el pasado verano.

transcribo literalmente el comentario debido a Grégoire Dupond , autor del mismo :

"llevé a cabo éste vídeo animado basado en grabados de las cárceles imaginarias de Piranesi y como un paseo a través de sus asombrosos espacios. Para ello utilicé una cámara de asignación y una de animación con Maxon's Cinema4D, construyendo 6 diferentes escenas que fueron montadas juntas  en una  única película contínua. Fué realizado por mí para Factum Arte (Madrid) quien lo financió enteramente y por la fundación Giorgio Cini (Venezia) qué aportó grabados de Piranesi escaneados de su propia colección."

En efecto, el video que presentamos se basa en los famosos grabados al aguafuerte titulados por su autor Invenciones de caprichos de cárceles, y publicadas en Roma en 1745. No podía ser más que un artista veneciano quién recurriese al tema de las cárceles, al ser en ésta época dicha ciudad la sede de una de las más oscuras, siniestras y temidas, las famosas Piombi.
  Sobre Piranesi ya trajimos otra entrada en la serie de la exposición   Arquitecturas Pintadas,y ahora dejo ésta otra referencia extraída de la  página Taringa!, donde se presentan algunos de sus bellísimos y  elaborados grabados:       conocías a piranesi ?  

ernst ludwig kirchner - paisajes desde Davos

21 años pasó Kirchner en Davos, desde 1917 hasta su muerte en 1938. No volvió a ser nunca el de las noches agitadas de Berlín ni el de las playas naturales de sus veraneos en Fehrman . Realmente nunca recuperó totalmente el equilibrio interior ni la salud física , y la llegada al poder del nazismo y el consiguiente apartamiento del mundo artístico alemán, con su obra denigrada y condenada, desencadenó una reacción irreversible en su espíritu que lo llevó al suicidio a los 58 años. Con todo, Davos y sus magníficas montañas poco a poco fueron tranquilizando su mente y su espíritu reflejándose de inmediato en sus obras. El paisaje alpino con sus contrastes , su luz, sus dimensiones colosales, sus colores  , sus cambios estacionales, sus abismos , sus noches estrelladas, su nieve invernal, sus gentes sencillas, sus cabañas, sus olores, en fín, su mundo natural, fueron cambiando día a día las fuentes de las que Kirchner se alimentaba para llenar todas sus obras, y , de la modernidad de sus influencias pasadas pasó a vibrar con algo que estaba al alcance de su mano : la simple naturaleza que le aportaba paz y serenidad. El abrir su ventana cada mañana y sentirse arrebatado por un mundo  puro y natural lleno de luz y magia solo podía ser beneficioso para el pintor que casi desde el principio comenzó a representarlo obsesivamente.
He traído unos cuantos cuadros de diferentes años de Davos, y, como veis, Kirchner no abandona nunca sus constantes expresionistas, pero las suaviza mucho, en unos más que en otros, llegando en algunos a parecer un pintor naif. En fín, juzgar vosotros, pero yo creo que coexisten en toda esta época cuadros de gran fuerza, espontaneidad y expresividad con otros mucho más apacibles e ingenuos.

De sus cuadros abstractos , he preferido no poner ninguno, pues creo que solo servirían, es solo mi opinión, para enturbiar la impresionante obra anterior. Para mí, esos cuadros semiabstractos, ornamentales, están, excepto alguna excepción, fuera de fecha y no son precisamente lo mejor de Kirchner. 

ernst ludwig kirchner - bosque de montaña

ernst ludwig kirchner - abetos a la intemperie

ernst ludwig kirchner - noche de invierno con luna

ernst ludwig kirchner - cocina alpina

en febrero de 1917 fué golpeado por un coche en Berlín y se le desencadenó una parálisis. Su salud , a pesar de tomar una gran cantidad de analgésicos , no mejoraba, y en verano se trasladó a Davos en el sur de Suiza, localidad cercana a Liechtenstein, donde se instaló en un albergue-pension  en plena montaña alpina al cuidado de una enfermera . Sin embargo , al comenzar el verano alquiló una cabaña  en Staffelap, Davos, y se instaló así más cómodamente en su propia casa .Su rendimiento artístico no fué ni mucho menos todo lo bajo que cabría en su estado físico y psíquico, llevando a cabo especialmente un buén número de xilografías  . Hay que decir que el motivo principal de este traslado parece ser fué su intención de evadirse del control que los médicos trataban de establecer sobre su enfermedad, control que necesariamente pasaba por una reducción del alcohol, y otros tipos de adicciones más dañinas, amén de una mejor alimentación que Kirchner rehuía constantemente, ya que en esta época la comida no ejercía ninguna atracción sobre él. Podeis ver el lugar, aunque no la cabaña , entrando en Google maps con :  Staffelalp, Davos, Suiza . Si hoy el lugar es todavía así de natural , podeis imaginar como sería en 1917 . Ahí teneis estos tres cuadros de las montañas de Staffelap : Staffelap  en otoño , Staffelap a la luz de la luna , nieve en el Staffelap

Del año 1918 es este cuadro que representa precisamente el interior de esta cabaña, cuadro que pertenece a la colección del Museo Thyssen de Madrid. Sobre el mismo se ha escrito bastante y merecidamente. Es una obra que evidentemente llama la atención, 120 x 120 cms, un cuadrado perfecto, lleno de una mezcla de colores estridentes, inarmónicos e irreales. Todos envueltos en ese amarillo sucio que los unifica. ¿Expresa el estado de deterioro por el que pasaba el artista en esos años?. Es fácil decir que efectivamente es su fiel reflejo y establecer una relación directa entre el interior de Kirchner y lo que se ve en el cuadro, pero........no sería más que una conjetura indemostrable. Nos limitaremos a decir : -puede ser-.Sin embargo, estoy casi seguro que habría hecho el mismo cuadro también  encontrandose en perfectas condiciones .Si no, veáse su obra anterior y sus trabajos inmediatamente anteriores a los de esos duros años. Para mí, Kirchner sigue siendo el mismo en este cuadro que el de sus series berlinesas y de multitud de dibujos y grabados anteriores. Quizá el origen de todo puede estar en Berlín y las transformaciones sufridas en esa capital , quizá la vida militar y el miedo al frente....pero aquí volvemos a encontrar la misma pincelada espontánea, descuidada y plana ; los mismos objetos desencajados y abocetados ; la perspectiva irreal y retorcida, aunque aquí ésta si existe, aún cuando la línea de horizonte es muy alta. Con todo, el interior que representa, con su apertura al exterior justo en el punto de fuga, es de una belleza, espontaneidad y expresividad maravillosos. No hay sombras en todo el cuadro excepto en el punto más necesario para lograr conformar la profundidad y la luz del espacio : la sombra de la contraventana ó contrapuerta ,como querais, del fondo.

La figura sentada puede ser él mismo o no. Los estudiosos están divididos entre el pintor y su mujer Erna. Quién sea está embebida totalmente en la atmósfera del cuadro y en el trabajo de esos años que , repetimos, no debió ser ni mucho menos escaso. 

ernst ludwig kirchner - estación de Koenigstein

se trata de un cuadro llevado a cabo en el año 1916, es decir cuando ya hacía dos años que la guerra se extendía por Europa. Al comenzar ésta, Kirchner fué destinado a un regimiento de artillería como conductor. De esta etapa dice él : "la vida militar no era para mí. A decir verdad,  aprendí a montar y cuidar de los caballos , pero los cañones no me interesaron en absoluto". La  disciplina y el propio ambiente militar  eran incompatibles con su  ser y poco a poco fue desmejorando.
En Octubre de 1915 sufrió un colapso físico y al parecer también mental y, finalmente,fué declarado inútil para el servicio. De la guerra sigue diciendo : " siempre tengo la impresión de que se trata de un sangriento carnaval". Fué hospitalizado varias veces. Gracias a la influencia de su compañero en Die Brücke, Hans Fehr , comandante y  también amigo de Nolde, pudo entrar como sanitario en el hospital de Koenigstein en Taunus, localidad cercana a Frankfurt, donde se recuperó casi totalmente , e incluso comenzó a pintar frescos para las escaleras y hall del hospital.
Aquí vemos la estación de tren de esta localidad bajo la nieve .Estamos ya metidos de lleno en el expresionismo y este es un bellísimo ejemplo del uso  que hace el pintor del color : cada vez mas fuerte, aplicándolo en largas y espontáneas pinceladas que cubren una gran superficie. Fijaos en su facilidad para representar la nieve, blancos sucios en brochazos grandes y apelmazados, sin ningún interés estético o descriptivo. Pero el ambiente frío de ese día gris ,con el tren embebido en el gélido paisaje, aún soltando su enorme penacho de humo negro, no se puede representar mejor. ¿Y los árboles ? ¿Se pueden pintar mejor unos árboles de invierno y con mayor soltura y simplicidad ? !Da frío ponerse delante del cuadro!. El tema del ferrocarril fué muy repetido por Kirchner en cuadros al óleo, acuarelas y grabados. Merece la pena ver algunos de ésta misma localidad y también de Dresde :

1 , 2 , 3 , 4 , 5

ernst ludwig kirchner - dos mujeres con aguamanil (las hermanas)

Efectivamente, las dos hermanas, Erna con vestido verde a la derecha y Gerda, o sea Margarita, la mayor , que moriría en una clínica psiquiátrica en 1920 .Ambas eran bailarinas en un club nocturno de Berlín y la primera de ellas sería la compañera inseparable del pintor hasta el final de sus días y ,posiblemente las dos, modelos en algunos de los cuadros que componen su famosa serie Strassenbilder. Incluso en algún momento describe sus figuras como : "de cuerpos hermosos, arquitectónicamente estructurados , formados con todo rigor". Quizá se antoje un tanto exagerada esta descripción, la cual no podemos corraborar de ningún modo en este tipo de cuadros, solo un estilo suficientemente realista lo permitiría, pero la elegancia, clase y cierto estilo moderno en sus atuendos si la apoyan perfectamente. El cuadro se pintó en 1913. En Julio del siguiente año empezó la primera Guerra Mundial y el pintor y su amante , Erna, hubieron de abandonar a toda prisa la isla de Fehmarn, donde pasaban sus vacaciones estivales. Este fué arrestado momentáneamente varias veces al ser tomado por ruso; además llevaba una rodilla herida.
Traemos una fotografía de la pareja tomada en Berlín en 1912, en su nueva casa  . Ella sí tiene un cierto parecido con su retrato del cuadro que nos ocupa. En esta fotografía , se puede apreciar el ambiente exótico y moderno buscado en toda la decoración, con sombrillas japonesas sobre sus cabezas, y una escultura africana representando a la diosa de la fertilidad. Asimismo, el mantel y el paño del diván fueron bordados por la misma Erna .

la serie de once pinturas sobre las calles de Berlín conocidas como Strassenbilder , está considerada como una de las más importantes obras de arte del pasado siglo. Son la culminación del Expresionismo y herederas de escenas parecidas llevadas a cabo por el pintor noruego Edward Munch .Algunas de ellas las presentamos a continuación, aunque no estén todas en esta exposición, por ser imprescindibles en la obra de Kirchner 

                                          

 todas ellas se pueden ampliar, por favor hacerlo como ya sabeis :botón der >ventana nueva > + Merece la pena ver todos sus detalles.  





En las ocho presentadas el tema es el mismo : coccotes, o sea prostitutas, rodeadas de hombres de la ciudad. Todos elegantemente vestidos, hombres y mujeres, quizá las segundas algo más exóticas, como correspondería. Pero Kirchner no las representa en ningún caso con ese deje de ordinariez ó vulgaridad con el que suelen aparecer en general, sino como señoras bién vestidas y, hasta cierto punto dignas e incluso inalcanzables ó al menos nada fáciles de conseguir. Algunas presentan un talante altivo y hierático. Pero otras, sin embargo ,parecen sonreir o atender a algo, quizá a las señas de los caballeros que siempre las rodean. Én este punto puede haber mil conjeturas . He podido leer opiniones muy diferentes, pero una sobre todo me parece curiosa y quizá cierta : al parecer en estos años existía en Berlín y otras ciudades alemanas una suerte de policía de la moralidad, la  Sittenpolizei , que con seguridad dificultaría la contratación descubierta y libre entre cliente-trabajadora, así en plena calle, por lo que se recurriría a un sutil juego de miradas, sonrisas , signos, señas y gestos entre ambos. En efecto, parece que los varones siempre están mirando hacia otro lado, disimulando su intención , mientras que ellas en muchos casos ofrecen una actitud más intencionada. 

ernst ludwig kirchner - mujeres en Potsdamer Plazt

como se ve se trata de un grabado con prensa de madera , xilografía, técnica de la que ya hablamos, que Kirchner llevó a cabo para ilustrar por su cara posterior el índice de la Crónica del Puente, trabajo no publicado nunca y que motivó la ruptura definitiva del grupo en 1913. Grabados de este estilo y tema muy parecido hizo Kirchner una gran cantidad durante su estancia en Berlín. A partir de la ruptura, el pintor fué tomando una identidad propia y llevó a cabo su primera exposición en solitario en el Museo Folkwang de la ciudad de Essen, museo que hoy desgraciadamente no podemos conocer tal y como era antes de ser destruido por los bombardeos de la segunda Gran Guerra ; según dicen estaba considerado como el museo más bello del mundo. Hoy el edificio es nuevo, inagurado el pasado 2010 y también de gran mérito arquitectónico.
Durante los dos siguientes años, llevó a cabo multitud de obras en todas las técnicas, representando las calles y el ambiente del Berlín de esos años tormentosos en Europa. Poco a poco va alargando las figuras y deformando fachadas y edificios ,dramatizando el ambiente mediante el uso casi exclusivo de la tinta negra, marcando con fuerza el perfil, rayando con profusión la madera de la plancha, suponemos con un ahínco y una dedicación necesarios para poder alumbrar una obra tan extensa y tan significativa en esos pocos años de Berlín . Tanto él como sus compañeros de grupo se sienten impresionados por el bullicio y la intensa vida de una ciudad como  la capital alemana de estos primeros años del siglo XX.
Tras la derrota de Nàpoleón III en la guerra franco-prusiana y la posterior legalización de la expansión del reino de Prusia, nace la Alemania moderna. Son los años de la llamada Belle Epoque y de la supremacía de Berlín , Londres y Viena , todas bajo la influencia de la gran ciudad de París. Así, en la capital alemana en 1902 se ha abierto la primera línea de metro  y , poco después, en 1905, los caballos de los transportes públicos son sustituidos por vehículos de motor. Su población pasa de los dos millones de habitantes , pero crecerá mucho más  rápidamente hasta alcanzar los 4 millones en 1925.El ambiente de la ciudad es frenético en estos años anteriores a la primera guerra mundial. 

Kirchner se siente atraído por esta nueva dimensión, mucho más sofisticada e impersonal que la que encontraba en Dresde, y su intensa obra de esos años se reparte entre la ciudad con sus gentes y el verano y la vida natural. Del primero de los temas, Berlín y su vida , traemos aquí uno de los grabados más dramáticos y característicos del expresionismo alemán , donde dos coccotes presiden todo el escenario en primer plano desde su isleta mientras otros individuos , desde luego urbanos por su indumentaria y actitud se dirigen anónimamente a sus quehaceres ; el ambiente es frío y pesimista, y la manera en que están dibujados todos los elementos, formas planas y sin ninguna atadura a la perspectiva y el rigor geométrico, contribuyen a ello , así como por supuesto el blanco y negro de  la propia xilografía. Y esto es aplicable a personas , edificios y todo el mobiliario urbano. Quizá quiere expresar el sentimiento del propio ser humano en una ciudad grande y moderna, con sus luces, su vida nocturna ,sus atractivos sexuales, sus vehículos, sus edificios, su facilidad para el anonimato, y ,en fín, su nueva forma de vivir. Para ello es preciso emplear una nueva forma de pintar, de ver el alma de la vida. !Adelante, jóvenes pintores, hacia un nuevo arte, hacia una nueva sociedad !.

Por otro lado este grabado es casi idéntico a uno de sus más repesentativos cuadros al óleo expresionistas de la serie Strassenbilder , el que lleva el título  Potsdamer Plazt y que podeis ver un poco más arriba ,en la siguiente entrada . En ambos podemos ver la estación de ferrocarril, Potsdamer Bahnhof , el edificio con gran escalera de entrada ,tres arcadas y reloj en su parte superior, a la derecha ,izquierda en el óleo, el café Piccadilly , abierto en 1913 y rebautizado con el nombre de Haus Vaterland ,  durante el período de entreguerras .

 
 

Ernst Ludwig Kirchner - duna en Fehrman con bañistas bajo sombrillas japonesas-1913

cuadro del mismo año que el anterior, este quizá describe y da un poco más de importancia al paisaje , ó , al menos a las dunas que lo conforman, que, como vemos , aparecen muy deformadas y enfatizadas  . De nuevo los trazos de color oscuro aplicados con febril espontaneidad y brusquedad y las figuras envueltas en el color de las dunas parecen salidas de la misma arena de la que están formadas estas. Solo las sombrillas multicolores añaden una recuerdo de la civilización, lo demás es todo natural y salvaje . Este contraste, recalca aún más esa unión anhelada por el pintor entre el hombre y el mundo natural, la vuelta a la arcadia , a la felicidad soñada fuera de la opresión de lo establecido dentro de una sociedad que se les antojaba agobiante y obsoleta.
Inicialmente, los cuadros pintados en la isla de Fehmarn, fueron paisajes en su mayor parte, solo algo después pasaron a incluir figuras de mujeres y hombres, desnudos siempre, en los mismos. Incluso en muchos de estos últimos , el paisaje casi es el protagonista, quizá como forma de simbolizar esa unión idílica a la que antes nos hemos referido. Ya hemos dicho que , al menos Kirchner, era un enamorado del paisaje de esta isla del Báltico.
Acontinuación traemos unos cuantos paisajes , algunos sin figuras, pintados por Kirchner durante estos años : 1   2   3   4   5   6    8   9   10   11  12   13 

ernst ludwig kirchner - bañistas en la playa de Fehmarn -1913

de la isla de Fehmarn ya hemos hablado en entradas anteriores , ver Emmy Frisch en la mecedora, pero volvemos a presentar algunos de los cuadros relativos a aquellos idílicos veranos pasados allí. Kirchner lo consideraba como un Paraíso Terrenal , y desde su traslado a Berlín en 1911,  Fehmarn fué uno de los polos de atracción del pintor y uno de los principales motivos de su obra : nada menos que 150 pinturas , solo contando óleos, presentan como tema la famosa isla. Allí pasó los veranos de  1912, 1913 y 1914 , amén del primero de ellos, el de 1908, ya mencionado. Vivió en la casa del farero del lugar,  Ernst Friedrich Lüthmann, y de sus ocho hijos . Especialmente le impresionaron la vegetación y el ambiente un tanto salvaje de sus playas y  paisajes,  llegando a compararles con los de las islas de los mares del sur.  Representó el verano con colores brillantes, en un ambiente paradisíaco en el que hombres y mujeres se muestran desnudos siempre, inmersos en una naturaleza pura y sin ataduras. Uno de los componentes de Die Brücke ,Max Pechstein,  dice : "desde muy temprano por la mañana , cargados con nuestros bártulos de pintar , seguíamos a nuestras modelos que , a su vez iban cargadas con la comida , hasta lugares idílicos donde en perfecta armonía, hacíamos nuestro trabajo y nos bañábamos; en ocasiones , alguno de nosotros , para completar el cuadro con el contrapunto masculino, acompañaba desnudo a las modelos ".

Esta ha sido una de las obras de la exposición que más me ha gustado, especialmente por ser de las primeras que aparecen ya con todas las características del expresionismo alemán de estos años. Aconsejo que la amplieis al máximo, bueno, como todos los cuadros que ponemos en este blog, ya sabeis :
 botón derch. del ratón > seleccionais: abrir enlace en una ventana nueva >una vez en la nueva ventana presionais botón izq. cuando aparece el circulo con el signo + y se amplia mucho más la foto.    

Merece la pena ver la hechura de las pinceladas y su espontaneidad y economía .

 -Oiga, y ¿porqué es tan expresionista como dice?-.

 Veamos, 1). las imágenes son creadas, no copiadas, pertenecen al  mundo interior, subjetivo, del pintor. 2). formas más bién planas, sin volumen .3). olvido premeditado de la perspectiva del paisaje y de los objetos. 4). abuso de escorzos imposibles y distorsiones. 5). reducción de las formas a lo esencial, de forma que todos los detalles objetivos de las mismas desaparezcan todo lo posible. 6). utilización del color y del trazo para subrayar y enfatizar estados de ánimo, emociones..7). empleo de trazos violentos, en cierto modo hasta agresivos.8). colores intensos y en general bastante contrastados, sin importar demasiado la armonía o belleza del conjunto total.

Kirchner utiliza mucho el pincel como si fuera una cuchilla o herramienta de grabar en la madera, los rayados contínuos y en zig-zag, los rellenos a base de pinceladas bruscas y descolocadas. Fijaos en las olas, que economía de pinceladas en la espuma , como se deja las líneas trazadas en arco (marrones) que usó para marcar la dirección curva de las crestas, qué movimiento, obstaculizado por el agua, tienen las chicas con sus brazos extendidos y en posición equilibrante, que simplificación absoluta de las rocas, que inclinación imposible de los barcos en el horizonte.....en fín, todo un tratado de como reflejar un momento idílico vivido sin recurrir a la copia, a los academicismos , a la buena técnica ó al modo antiguo.

Ernst Ludwig Kirchner - bañistas lanzandose cañas -1910

grabado realizado por estampación en madera, xilografía, siguiendo la antigua y fecunda tradicción alemana en la que Durero, pintor venerado por los expresionistas, figura como uno de sus más importantes cultivadores. El procedimiento es muy similar a la litografía, pero en lugar de piedra de estampar, se utiliza una madera de estampar.  Kirchner fué de los más prolíficos en esta técnica, realizando durante su vida más de 2000 grabados de este tipo. Casi podemos decir que fué su principal medio de expresión, si no fuera porque tiene también gran cantidad de obras en otras técnicas. Era todo un polifacético que empleaba cualquier técnica y con éxito. Pero los demás componentes del grupo también lo eran y una prueba de ello es que en la exposición llevada a cabo en Septiembre de 1906 en Dresde no se presentaron cuadros sino xilografías de los mismos que hacían , no el autor del cuadro, sino otro artista diferente del grupo, colaborando de este modo unos con otros , lo cual da una idea del elevado espíritu de unión que existía entre ellos. Fueron años, pues, de gran confraternización y experimentación, y gracias a eso, dieron pasos de gigante en la evolución plástica de todo el movimiento expresionista alemán. Hay autores que señalan a Nolde como el pintor que, nada más incorporarse al grupo, les enseñó la técnica del aguafuerte, que dominaba a la perfección, y de ahí pasaron todos a la estampación en madera.   
Por otro lado , la xilografía constituyó en gran manera su fuente de ingresos durante bastante tiempo. En efecto, mediante esta técnica hicieron un almanaque anual de grabados, durante los años que van de 1906 a 1912, con la particularidad de que cada año le correspodía su ejecución a un solo artista. Estos, podríamos considerarlos como catálogos, se enviaban a socios , llamados miembros pasivos que, mediante una cuota anual, recibían copias y al mismo tiempo promocionaban y hacían valer su influencia en beneficio de nuestros artistas. Se utilizaba esta técnica además para hacer carnets, carteles de exposiciones, cada vez por otro lado más frecuentes, y otros medios de propaganda. La obra de Kirchner ocupó el quinto portafolio y contenía 2 xilografías y una punta seca además de la portada. Una de ellas es ésta que presentamos de los lagos de Moritzburg  hecho en 1910 a partir de un pastel realizado el año anterior. 

Ernst Ludwig Kirchner - tres bañistas entre las piedras -1913

en Noviembre de 1905 el grupo Die Brücke llevó a cabo su primera exposición de acuarelas, dibujos y grabados en una galería de Leipzig . Temporalmente se unió al grupo Emil Nolde , así como Cuno Amiet, Axel Gallen-Kallela, Otto Mueller, y Max Pechstein. Es increible la cantidad de grabados y dibujos que hicieron durante estos años . En busca de una cada vez mayor simplificación de formas, fueron influenciados claramente por el arte de los pueblos primitivos africanos y australes. La aplicación a la talla de madera de éste tipo de figuras se dejó notar poco a poco en el dibujo y el grabado . Además, se conocen poquísimos estudios previos , principalmente de Kirchner, que derivaran en obras posteriores. Se podría decir que dibujaba directamente desde su mano o desde su mente, y la costumbre de anotar con el dibujo todo lo que veía le dió una facilidad de línea y una disposición para crear nuevos formas, cada vez más expresivas y potentes. Además comenzaron a utilizar los propios tonos de color para su uso como sombras y luces sin recurrir al oscurecimiento o iluminación de los propios colores según reciban o dejen de recibir luz. En esta litografía serían los colores blanco y rosa los que harían el papel de luz-sombra. !qué pensaría el gran David ó Ingres si hubiesen visto estas simplificaciones , ó , mejor, eliminaciones de tanto trabajo y observación. Pero, ¿le falta algo a la cabeza de cualquiera de las bañistas representadas ?. ¿no es más que suficiente la pintura empleada en contornos y rellenos para mostrar plenamente el frescor juvenil de unas muchachas desnudas al borde de un bellísmo lago azul ?. ¿llenaría más nuestro espíritu y sentiríamos más el suave soplo de esa orilla veraniega con  un gran cuadro hiperrealista del mismo tema?.
En Septiembre del año siguiente, 1906, volvieron a exponer esta vez en Dresde centrando su muestra principalmente en el tema del desnudo femenino. Todavía no habían llegado los productivos veranos de Moritzburg, pero ya tenían suficientes ejemplos en este tema para exponer.
Esta litografía en color sobre cartón fue realizada por Kirchner precisamente el mismo año en que se disolvió el grupo, ya en Berlín desde 1911, por ciertas controversias surgidas a raíz de la publicación de la Crónica de Die Brücke por parte de Kirchner.

Ernst Ludwig Kirchner - dos mujeres bañandose en Moritzburg

de nuevo un grabado ,  de gran belleza en el color y parco de detalles, líneas de contorno rápidas, quebradas y esquemáticas pero de enorme significado y definición. Los tonos empleados son cada vez más armoniosos, independientes del objeto y protagonistas en el cuadro.  Nuestros amigos de Die Brücke trasladaron a la naturaleza abierta el estudio de la ciudad y se aplicaron principalmete en el desnudo femenino desenfadado , natural y espontáneo. Fué la etapa de los veranos en los lagos de Moritzburg , cercanos a Dresde y fácilmente accesibles por tren, comenzando ya por el del año 1906 y posteriormente, seguidos, los de 1909 a 1911. Acompañados de sus novias y sus modelos pasaban los días en plena naturaleza , bañándose, tomando el sol y dibujando desnudos .En realidad, siguiendo la pauta extendida por toda Alemania de la vuelta  a la naturaleza como principio elemental, huyendo del clima enrarecido de las academias y la pintura rancia , los expresionistas alemanes , tan pronto como volvía el buen tiempo estival, eligieron lugares naturales apartados de las ciudades para pintar , buscando un estado de armonía y libertad vital para el desarrollo de su pintura, basada más en el goze sentido en ese ambiente , en la propia expresión  del pintor que en la representación de ese mundo natural. El propio Pechstein, uno de los componentes del grupo , dice en sus Recuerdos :
 "para estudiar al aire libre el desnudo. Decidí con Heckel y Kirchner que iríamos los tres a trabajar juntos a los lagos de Moritzburg, cerca de Dresde. Ya conocíamos la región y sabíamos que tendríamos la ocasión de pintar desnudos al aire libre sin que nadie nos molestara... Vivíamos en completa armonía, trabajábamos y nos bañábamos... Cada uno de nosotros hacía muchos dibujos y pinturas..."
Kirchner , ya lo dijimos en entradas anteriores, desarrolló todas las técnicas pictóricas, y en especial el grabado y la xilografía, grabado con plancha de madera . Muchos de sus grabados de bañistas y desnudos pueden constituir un ejemplo de rapidez y expresividad conseguida con gran economía de trazos, como se dice, con tan solo "cuatro líneas". Como ejemplo traemos estos cuatro  extraídos de Artnet.com : desnudos (1, 2 ,3 ,4)