José de Ribera - S.Sebastián curado por las santas mujeres

                                 derch(raton)-vent nueva > +

puestos a elegir entre tañedor de laúd de Caravaggio y este cuadro de José de Ribera , hemos preferido traer el de nuestro Españoleto . Pero los dos enriquecen sin lugar a dudas la muestra de obras del Hermitage que estamos visitando. Quizá llama más la atención en la sala el delicado y poético músico representado por Caravaggio, quizá también estamos aquí en España más acostumbrados a la obra de Ribera dada la abundancia de sus obras en el Prado, pero de cualquier forma , la relación entre ambos pintores es total, aún cuando ,casi con seguridad no se conocieron, ya que Caravaggio murió con tan solo 39 años en el año 1610 y en esa fecha Ribera contando19 años, y parece ser que, según algunos de sus biógrafos, debía estar aún en la ciudad de Parma y recién llegado de España, puede que el año anterior. Pero si no le conoció, sí que conoció , tan pronto como se trasladó a Nápoles, sus obras y su escuela. La ciudad del Vesubio , capital del Virreinato español, respiraba Caravaggio por los cuatro costados  y precisamente comienza en estos años la época de mayor producción y desarrollo de la obra del pintor. No es de extrañar su adhesión al claroscuro y a la iluminación típica de la obra de éste maestro. Nápoles fué la ciudad de Ribera y podemos decir que es nuestro, porque nació en Jativa, pintor napolitano.

Esta obra fué realizada hacia el año 1628, después de un período entre 1621 y 1626 del que no se conocen obras suyas. Es a partir de 1626 cuando se encuentran gran cantidad, firmadas y fechadas, casi en su mayor parte obras de carácter religioso, y entre ellas ,como no, martirios de santos cristianos, pero sin la truculencia y el marcado realismo de otras anteriores. En efecto, el pintor poco a poco va dulcificando los contrastes de luz y sombra y va enriqueciendo la gama de colores . Viendo La resurrección de Lázaro todavía de 1616, y que podeis ver en el Prado, se puede comprobar algo esto, y viendo la Trinidad, también en éste Museo,y  ya de 1635-1636 , la confirmación de éste hecho es total. Además Ribera se va deleitando cada vez más en el dibujo en sí, y, por favor, deteneros para ver que es totalmente cierto al contemplar el paño que cubre a Cristo muerto en ésta última obra. Si en el de San Sebastián del cuadro del Hermitage que traemos aparece un paño excelentemente pintado, el que decimos de la Trinidad le supera con creces , no hay ninguno mejor en todo el Museo, y mira que hay cantidad de ellos. Es una obra maestra, como todo el cuadro. No he podido dejar de traerlo aquí, como ya hice, algunas entradas atrás, con el Descendimiento de Van der Weyden.

Volviendo al S. Sebastián diremos que existe una obra muy parecida, casi igual ,en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, que me parece inferior, no es tan madura, sencilla  y delicada como la que estamos comentando. Ver como en ella Ribera se limita a indicarnos la presencia de las bondadosas mujeres por sus manos y sus rostros muy tenuamente iluminados, ya no es el fuerte contraste de obras anteriores, y centra su trabajo en la ejecución de un San Sebastián perfecto en sus detalles anatómicos y en la representación de su postura de hombre sin sentido pero no muerto y colgando aún de una de sus ataduras. Además, por supuesto, como todos los San Sebastianes , se trata de un hombre bello y joven, asaeteado, éste sin embargo muy levemente, yo cuento un solo flechazo, pero limpio de sangre y sufrimiento. Traigo una página The Iconography of Saint Sebastian donde podeis encontrar referencias de muchísimas obras de éste Santo tan popular. Capitán del la guardia Pretoriana durante el mandato de Diocleciano y Maximiano ; cristiano y abogado de cristianos cautivos en secreto, fué condenado , una vez descubierto y negándose a renegar de su fé, a morir asaeteado, pero se le dió por muerto sin estarlo y aquí está siendo curado por unas mujeres que le salvaron la vida aunque la perdió definitivamente poco después martirizado por segunda vez a manos de Roma. Traigo una estupenda relación de obras de Jose de Ribera perteneciente otra vez a la página Foroxerbar, a quién volvemos a dar las gracias por el excelente trabajo de recopilación.

 

 

Diego Velázquez - el almuerzo

        derch(raton)-vent nueva > +

                           

!un Velázquez!. Y de sus primeras obras, posiblemente la primera realizada en Sevilla tras obtener la licencia de pintor otorgada  por el gremio correspondiente. Se le suponía ya suficientemente formado como para ejercer su oficio. Lo primero que piensa uno al ver estos primeros cuadros del genio es en la Sevilla que le vió nacer, pues con seguridad, aparte de su habilidad innata en la técnica pictórica, estos años sevillanos influyeron de forma decisiva en su forma de representar la vida a través de sus cuadros. Sevilla a comienzos del siglo XVII seguía todavía siendo una gran ciudad cosmopolita, la auténtica capital económica y también cultural de una España volcada hacia el Nuevo Mundo desde hacía un siglo, que tenía a esta ciudad como admnistradora de sus riquezas y puerto de entrada de las mismas. Imaginaros sus barrios llenos de vida, donde se mezclaban todo tipo de individuos, desde nobles hasta pobres mendigos, y donde ,por supuesto , abundaban también los artistas. La vida artística y cultural de Sevilla era en esos años brillante, abundaban los talleres y los círculos culturales a manera de tertulias. El joven-niño Velázquez , desde los 11 años aprendiendo en el taller de Francisco Pacheco, su futuro suegro, tendría ocasión de  escuchar relatos, opiniones, disertaciones y también discusiones basadas en las tendencias culturales en boga, todo ello en el propio taller, al ser el mismo Pacheco un entusiasta y asiduo de estas reuniones de contertulios. Imaginamos que casi de inmediato, el maestro quedaría impresionado de la facilidad de Diego con el dibujo y en seguida con la pintura, añorando tal vez ese maravilloso don que él mismo deseaba pero no poseía en tal alto grado. Pacheco era un pintor manierista y anhelaba cierta erudicción al estilo italiano.Incluso es el autor de dos tratados , uno denominado el arte de la pintura, y otro el libro de retratos, encontrado solo incompleto y en manuscrito. Quizá no llegó nunca a conseguir lo que hubiera deseado, pero fué suficiente para él el compartir la genialidad que ya se manifestaba en su yerno y por supuesto el haber sido su maestro unos años, al menos de forma titular. Aunque seguramente no le debieron entusiasmar demasiado algunas de las cosas que hacía : bodegones, que tema más poco escelso, sin ninguna pretensión, y además se decanta por la pintura naturalista y nos pone en sus obras esos tipos tan normales, tan de la calle, tan lejos de los soberbios y bellos personajes que aparecen en los cuadros vistos en Italia y Venecia, y que constituían en parte uno de los ideales de las ideas estéticas de Pacheco.

En efecto, Velázquez desarrolla en estos primeros años un naturalismo pleno y vigoroso apoyado en el uso del claroscuro de Caravaggio y en un virtuosismo en la descripción del detalle de los objetos y también de los personajes. Naturalismo que emplea incluso en cuadros religiosos. Este cuadro que vemos lo pintó cuando posiblemente no tuviera aún los dieciocho años, y , como se ve, es totalmente naturalista, individuos de la calle, el de enmedio incluso algo grosero en su sonrisa , bastante corrientes, todos destacando de la oscuridad del fondo por una luz vívida y lateral, que proyecta sombras dificiles, un excelente problema a resolver con brillantez,  sobre la serie de objetos del bodegón central, todos separados entre sí y magníficamente ejecutados.

Estas características las encontramos en casi todos los cuadros de esta época  y de éste género. Merece la pena ver algunos de ellos y comprobarlo y ,aprovechar para deleitarse con la calidad y belleza de su ejecución en un pintor que no había alcanzado aún los 23 años. Así pues y por orden más o menos cronológico, hemos traído las siguientes obras : de 1618,con 19 años : Jesús en casa de Marta y María , Vieja friendo huevos , dos hombres sentados a la mesa ; de 1619 : adoración de los Reyes Magos ; de 1619-1620 el aguador , y finalmente de 1620-1622 la mulata .

el Greco - San Pedro y San Pablo

                                       derch(raton)-vent nueva > +

el San Pedro y San Pablo del Hermitage. Hay otros dos óleos más pintados por el Greco con el mismo tema, uno actualmente en el Museo Nacional de arte de Cataluña y el otro en el Stockholm Nationalmuseum. 

Con sus diferencias, como veis, los tres son bastante similares y en los tres la dialéctica de las manos derecha de los dos santos es uno de los objetivos principales del pintor, están dialogando, especialmente en el de Cataluña. Para mí , el mejor es el que traemos aquí, en técnica pictórica y expresión de ambos apóstoles.

Fijaos en el diferente carácter de sus rostros : cada uno refleja lo que en realidad debieron ser ambos hombres , mucho más pacífico y amable San Pedro a la izquierda y de mirada firme, inteligente y resuelta San Pablo.Sus abultados mantos ocultan totalmente sus cuerpos y, a excepción de sus rostros y manos, quedan  envueltos por grandes y luminosos pliegues, como si quisiera mostrarnos solo su espíritu. Espíritu por otra parte excepcional en ambos casos : Pedro fué encarcelado en tres ocasiones y Pablo fué apedreado hasta casi la muerte, perseguido en Damasco, otra vez en Jerusalén, Cesárea y Roma, y , finalmente sufrieron los dos martirio, Pedro cucifricado boca abajo el año 64 y Pablo degollado el 67.

A partir de 1580 el Greco pintó con más frecuencia que nunca cuadros religiosos, muchos de ellos representaciones de apóstoles y santos.  Este es ya de 1592 cuando el pintor llevaba bastante tiempo en el esplendor de su carrera artística.

En general creo que el Greco , por la singularidad de su estilo, no ha sido un pintor ampliamente aceptado y seguramente conocereis, ó incluso puede ser vuestro caso, muchas personas a quiénes no les gusta. Desde su muerte en 1614 fué prácticamente considerado como un pintor casi de segunda fila y tuvieron que ser los impresionistas y expresionistas del XIX quienes redescubrieran a este maravilloso y genial pintor. Nacido en  Creta , en esos momentos veneciana, aunque casi a punto de caer de nuevo en manos otomanas, sus excelentes dotes pictóricas fueron modelándose bajo la influencia sucesiva de Bizancio, la luminosidad de Venecia, el manierismo de Roma y Miguel Angel y finalmente la espiritualidad y fervor del Toledo de la Contrareforma , ciudad en la que se asentó durante más tiempo y en la que se sintió más reconocido y ,también , querido. El resultado ya lo veis, en casi todos sus cuadros se aprecian todas estas influencias, en unos más que en otros. Quizá éste del Hermitage sea un poco monótono de color, sobre todo si lo comparamos con sus grandes composiciones que todos conoceis, pero tiene una cualidad que es la norma en todas sus obras religiosas de esta última época de su vida :  la religiosidad y la mística que se desprende de ellas

León Bakst - diseño de vestido para Felicita

tanto los dibujos de diseños de vestidos para los Ballets Rusos, como los propios vestidos, que también se muestran con profusión en ésta magnífica exposición, son un derroche de imaginación, innovación y belleza.

De cualquier forma no son más que el resultado de la colaboración conjunta de todos los elementos integrantes de los Ballets, esto es de la colaboración de coreógrafos, músicos, escenógrafos,libretistas, autores literarios ctr. El resultado son los Ballets Rusos y lo que supusieron de avance y transformación total.

Y el impulsor, por supuesto, fué Diaghilev. Sin su fuerza y empuje no habría sido posible nunca esa excelente conjunción de disciplinas artísticas. Por supuesto , tampoco era él un inculto precisamente, más bién todo lo contrario,cultivaba la literatura, la música, y  la pintura. Homosexual, supo además rodearse de los mejores en casi todo : se admira uno al recorrer la exposición y leer los nombres de los artistas que en distintas épocas colaboraron en la empresa .

Entre ellos ,León Bakst, bielorruso educado en S.Petersburgo que , junto con Serge Diaghilev y Aleksandr Benois fundó el grupo llamado Mundo del Arte (Mir Iskusstva), grupo que renunciaba al academicismo y a la estética imperante y abogaba definitivamente por otra más individualista y a tono con las corrientes art-noveau que se estaban desarrollando en otros lugares de Europa, además de volver la mirada hacia el arte de épocas pasadas y hacia el arte folklorico tradicional . Gran parte de los integrantes de Mir Iskusstva apoyaron con su trabajo los Ballets Rusos de Diaghilev, León Bakst entre ellos, que llegó a ser director artístico de los mismos. Bakst  trabajó como escenógrafo ya antes de conocer a Benois y Diaghilev y una vez incorporado a los Ballets, siguió desarrollando esta labor además de la de diseñador de vestuario. Algunos de sus diseños los podeis encontrar aquí : diseños vestuario. Son tan bellos como el que mostramos, que corresponde al diseñado para la coqueta Felicita del Ballet Les Femmes de Bonne Humeur de Leonide Massine.

Merece la pena echar un vistazo a estas dos páginas de diseños de León Bakst : 

-National Gallery of Australia

-Instituto de Arte de Chicago

Ethelbert White - escena para el ballet "cuentos rusos de Baba Yaga"

                                derch(raton)-vent nueva > +

 el grabado representa una escena para el ballet de Leonide Massine los cuentos rusos de Baba Yaga, basado en un cuento del folklore popular ruso,(*) y que se representó por primera vez por los Ballets Rusos de Diaghilev en el año 1917. Representa a una pequeña niña, la protagonista del cuento, perdida en un bosque y empujada por demonios hacia la bruja Baba Yaga para ser devorada por ésta. Se trata de un grabado coloreado posteriormente a mano con acuarela y gouache y perteneciente a una colección de folletos editados por Cyril W. Beaumont, editor, librero, historiador y crítico inglés, amigo de Diaghilev y muerto en 1976 . Y también entusiasta de los Ballets Rusos y estudioso de todo lo relacionado con ellos y con la danza en general, no en vano es el autor de A bibliography of dancing , compendio ordenado de toda la bibliografía existente sobre la danza en la biblioteca del Museo Británico de Londres en 1929.

Hacia 1920 se produjo un creciente interés en Inglaterra hacia los Ballets Rusos y hacia la danza en general y Beaumont, como vemos, fué su principal difusor. Además de sus obras escritas, decidió llevar a cabo impresiones coloreadas a mano, representando escenas típicas del repertorio de los Ballets de  Diaghilev en las que colaboraron varios artistas, entre ellos White.

Ethelbert White ilustró además algunas obras de Beaumont , entre ellas Impressions of the Russian Ballets. Paisajista, ilustrador, y excelente gravador en madera, realizó también carteles y posters y estudió y recopiló la canción folklórica a lo largo y ancho de su país ; casado a los 19 años , pasó muchos años viajado en caravana con su mujer por Inglaterra ,Francia y España.

la siguiente página nos ofrece algunas obras de E. White como paisajista

(*) : nuestro agradecimiento a Luis López Nieves y su excelente página Ciudadela Seva que nos permite disponer de éste cuento. 

René Daniels - Klein rood landschap

pequeño paisaje rojo, traducido del holandés, es una magnífica obra de René Daniels, pintor del que se ha inagurado una exposición en el Palacio de Velázquez del Retiro de Madrid y que estará hasta el próximo día 26 de Marzo. Me encantan su soltura y su espontaneidad, su color y el trazado de sus curvas que encuentro realmente sugestivas y llenas de expresión. En fín, todas estas palabras sobran, están de más, no dicen nada. Puede que el poeta lo describiera exactamente y , sin mostrásnoslo siquiera, nos hiciera llorar de emoción... puede; incluso seguramente a la mayoría de vosotros no os parecerá siquiera digno de una pequeña atención, pero a mí si , y ...no se porqué, y eso basta. Eso es el arte , o ,al menos, una parte del arte. Nada más verlo, entre  muchísimas otras obras, me atrajo irresistiblemente y me retuvo observando no se qué , pero estaba enganchado a él , podría haber estado allí las horas muertas embelesado. 

Bueno, si os pasa lo mismo, decírmelo por favor.

ver también  la muse vénale

Pablo Veronés - lamentación sobre el cuerpo de Cristo muerto

                                              derch(raton)-vent nueva > +

del Veronés , por ser pintor nacido en la ciudad de Verona, próxima como sabeis a la ciudad de Venecia, poco podemos decir aquí, pues es un pintor por todos conocido y admirado. Venecia en pleno siglo XVI era una ciudad de las más ricas y también de las más grandes de Europa y congregaba a numerosos pintores quienes, continuamente solicitados y muy en contacto unos con otros, innovaron ,aprendieron, se influyeron, progresaron y en definitiva, dieron un enorme empujón especialmente a la pintura. Aunque Ticiano naciera 40 años antes que el Veronés, a la larga sus carreras se fueron solapando, uno casi anciano y el otro joven ,y la influencia del primero sobre nuestro pintor se nota clarísimammente en muchos de sus cuadros. Ticiano, Veronés y el Tintoretto dominan toda la pintura veneciana de éste siglo y Venecia y alrededores  están repletos de sus obras. Entre todas ellas aprovecho éste comentario para recomendaros la visita, para mí obligada para todo el que se acerque a Venecia, de Villa Barbaro , palacio campestre, digamos, construido por  Palladio y decorado en gran parte por el Veronés. Está al noroeste de Venecia, muy cerca ,en Maser, a unos 50 kms, bastante más allá del pueblo ó ciudad de Treviso.  Al mismo tiempo podeis admirar a Palladio en todo su esplendor, y si teneis ganas, volveis por Castelfranco hasta Vicenza para admirar, también de Palladio, su famosa Rotonda, y seguís ,ya de vuelta a Venecia hacia Padua donde.........En Italia cualquier pequeña excursión puede ser inacabable, es sorpresa tras sorpresa y casi siempre de las mejores.Desde este modesto blog nos contentaremos con admirar las pinturas de nuestro artista en Villa Barbaro.

Ah!. no os dejeis por supuesto, ya en Venecia, la iglesia de S.Sebastián y su sacristía, en donde Veronés estuvo pintando desde los ventiseis a los cuarenta y dos años.

Y pasamos a esta Pietá maravillosa. Veronés fué también un pintor religioso hasta la saciedad. Sus grandes representaciones de la vida de Cristo especialmente, están a la altura de sus mejores obras profanas. Traigo aquí de entre todas ellas, Las bodas de Canaá , un cuadro que está en el Louvre y tiene un tamaño !nada menos que de 10 x 6,8 metros !. Este del Hermitage es bastante original con el ángel asistiendo solícitamente a Cristo, ya muerto, como familiarizado con su inmortalidad, y por ello sin asomo de pena ó abatimiento, parece casi que quisiera hablar con El. La Virgen , su madre, pasa a un segundo plano aún cuando le sostiene la cabeza, y el pintor aprovecha magníficamente este trío de santas cabezas para crear una escena especialmente conmovedora. Luego está la luz, el maravillosamente contraste y sobre todo, y esto es denominador común de todas las obras del Veronés, el dibujo. Veronés era un gran dibujante, no en vano pasó mucho tiempo copiando a Durero y otros grandes maestros, ¿se nota, verdad?. Si no, mirad las manos y los pies de Cristo, yo casi me quedaría con los pies, !que delicia de dibujo!.

Por último, me he permitido un pequeño exceso en este comentario : perdonar si me paso con las citas , pero no puedo perder la ocasión para traer aquí  El descendimiento de Rogier van der Weyden, uno de mis favoritos del Prado, casi ya una manía cada vez que voy , pero delante de su relieve y su color me quedo petrificado sin remedio. No tiene nada que ver con el que nos ocupa, exceptuando el tema, pero......

Lorenzo Lotto - descanso en la huída a Egipto

                                derch(raton)-vent nueva > +

Saltamos hacia atrás casi un siglo, nos vamos al XVI, exactamente a 1529 y de Holanda a Italia, otra vez Italia. ¿Se nota en el cuadro? . Lorenzo Lotto nació en Venecia en 1480 y estuvo ocupado pintando por numerosas ciudades italianas toda su vida. Y además es un pintor principalmente de motivos religiosos y ,dentro de estos , de retablos e iglesias. Sigámosle :   Treviso (1503–1506), en il Marche (1506–1508),en Roma (1508–1510), en Bergamo (1513–1525), en Venice (1525–1549), en Ancona (1549) y ,finalmente,en Loreto (1549–1556). Las fechas no son muy fidedignas, incluso hay desplazamientos menores desde cada uno de estos lugares a otros sitios cercanos. Cincuenta y tantos años dando tumbos por media Italia  ál son de los numerosos encargos que iba recibiendo. Merecería la pena hacer un viaje a la actual Italia para seguir su obra por iglesias y conventos. Me direis que habría que hacer muchas veces esto por cada uno de los numerosos pintores inquietos y  prolíficos en frescos religiosos y altares, lo cual es una gran verdad. Lo cierto es que Lotto , persona profundamente religiosa, se quedó, a partir de 1552, en el santuario de Loreto como hermano lego, y todavía decoró la Basílica de Stª María y pintó una Presentación en el templo para el Palacio Apostólico antes de morir en 1556 vestido con el hábito dominico.

Esta representación , una más de las numerosísimas del tema que se han llevado a cabo en todas las épocas, escuelas, estilos y países,es,ciertamente, atractiva al menos por su colorido y disposición. En efecto, el color del cuadro llama poderosamnete la atención y atrae enseguida la mirada. No es un prodigio de técnica pictórica, de ejecución, incluso puede parecer que la composición es excesivamente "apaisada", pero la armonía de azules, rojos y amarillos velados le envuelven en una atmósfera celestial. A ello contribuye también la figura de Santa Justina, exhibiendo la daga clavada de su martirio,profundamente ensimismada en la contemplación del Niño dormido. La profusión de vegetación , maravillosamente dibujada, especialmente los jazmines, aunque por desgracia poco visible por el propio deterioro del cuadro en las bandas de ambos lados, enmarcan la escena de forma admirable.

El pasaje evangélico de La Huída a Egipto se ha representado en pintura y escultura de muchas maneras, a pesar de ser muy breve su descripción evangélica. A ello pueden haber contribuído los Evangelios Apócrifos y las propias leyendas e invenciones que la mente popular iba elaborando, amén de tratarse de un acontecimiento demasiado  importante precisamente en los primeros días de la recién constituida familia de Nazaret . Aprovechando uno de los numerosos  momentos de descanso que sin duda se sucederían a lo largo de ese viaje, no demasiado largo con los medios de hoy día, pero bastante penoso a pié ó en borrico, como imaginó la tradicción, cada pintor se vale de la parada para  añadir algo que interese según la época, la orden religiosa ó la ciudad que encarga el cuadro. Como ejemplo he traído a varios de éstos pintores, y si encontrais buenas resoluciones de otros que creeis merecen la pena ,mandar por favor sus datos en comentarios para irlas incluyendo en esta lista. Gracias

Giotto  Rembrandt   Caravaggio   Valerio Castello   Holman-Hunt   Fra-Angélico   Vittore Carpaccio

Durero   Poussin   el Greco   Lucas Cranach el Viejo   Albrecht Attdorfer   Patinir   Pittoni   Van Orley

Barocci  

y uno actual, Daniel Compan

(El niño Jesús y sus padres como refugiados kurdos, con moto en lugar de borrico)

por último la página Biblical Art nos ofrece en baja resolución una enorme cantidad de obras con el tema

una forma de aumentar al máximo el tamaño de las imágenes es ampliarlas haciendo click sobre ellas pero no con el botón izquierdo del ratón sino con el derecho, y seleccionando abrir enlace en una ventana nueva ; la ampliación obtenida permite una segunda ampliacion al volver a hacer click sobre la misma

para recordarlo, en adelante pondremos una indicacion al pie de cada imagen que se preste a la máxima ampliacion posible con el lado derecho del ratón , por ejemplo :

derch(raton)-vent.nueva > +

Louis le Nain - La visita de la abuela

                                derch(raton)-vent nueva > +

 ¿ Es posible que este cuadro que vemos ahora sí haya sido pintado por Louis le Nain como se nos dice en la etiqueta indicativa de la exposición?. -Oiga, ¿que pregunta es esa?- -Perdone ,pero tiene su sentido- Aunque es un caso algo raro en la historia de la pintura ,pero no el único. Los hermanos le Nain eran tres, los tres pintores, los tres solteros y los tres compartiendo estudio en París y ....atención...!compartiendo firma!. Solo firmaban las obras salidas de su estudio con su apellido, y por lo tanto nunca sabremos con absoluta certeza, salvo casos muy, muy estudiados técnicamente por expertos llenos de paciencia, y puede que de imaginación, de cual de los tres es cada obra. Más aún, uno de ellos, Mathieu, qué sobrevivió a los otros dos, Antoine y Louis, en nada menos que treinta años, debió decidir complicar más la cosa al dejar sin firma alguna todos los cuadros salidos de su estudio, o mejor salidos de su mano, del año 1648 en adelante; ese fué precisamente el año de la muerte de los otros dos hermanos. Además, al parecer la actividad del taller del ya solitario Mathieu deja prácticamente de estar documentada desde ese momento ,con seguridad crucial en su vida. Caso singural, ¿verdad?. pero no el único,y, aunque no es de esta historia ,traigo como referencia por su curiosidad, el caso de los gemelos pintores.( extraído de la magnífica página el dibujante 2.0)

Bién, hoy día muchos estudiosos "tratan" solo con la familia le Nain , ante la dificultad que entraña cualquier estudio seguro sobre la identificación de las obras de marras. Sea como fuere, lo que sí esta bién claro y definido es el carácter y el contenido artístico de los numerosos cuadros salidos de sus manos. Se les ha llamado los pintores de los pobres, adjetivo con el que estaréis plenamente de acuerdo en cuanto veais éste y algunos otros de sus cuadros. Fijaros en sus ropas, no existe ni un adorno, ni el más mínimo brillo que dé algo de calidad al tejido, ni siquiera un pequeño botón de color, es todo austeridad y aspereza .Pero, !que manera de conseguir esa aspereza de las ropas burdas !. Y que me decís del colorido que acompaña a estas escenas, no puede ser más neutro , aunque esa neutralidad le da cierto carácter. Pero observar la expresión de los rostros, son la serenidad personificada y sobre todo están llenos de dignidad, de paz y de entereza, parece que están orgullosos de su pobreza, que su conformidad les ha hecho felices y sobre todo personas humanas. No existe en ninguno de los personajes desvío alguno hacia la picaresca, la insinuación, el vicio o la emoción. Abordar este tema en la Francia de mediados del XVII era algo inaudito, cuando lo que imperaban eran las escenas mitológicas y el servicio del Rey y de la Corte.

otros cuadros de la National Gallery

Anthony Van Dyck - retrato de Sir Henry Danvers

  derch(raton)-vent nueva > +

                                                   

 un retrato que llama poderosamente la atención en cuanto entramos en la sala en la que se encuentra : quizá sea por la mancha de la cara ó quizá por su majestuoso porte. Lo cierto es que su atractivo se debe a la conjunción de un gran pintor de retratos, ya un prodigio a sus quince años,  y de un modelo muy adecuado. Me explicaré : prácticamente cualquier retrato que podamos contemplar pintado por Van Dyck tendrá ,desde luego, y entre muchas otras cosas, un majestuoso porte ; éste es uno más de sus más de quinientos cuadros representando especialmente a la corte de Carlos I de Inglaterra y a la aristocracia de ese país. Van Dyck pasó allí , al servicio del rey, los años que van desde 1632 hasta su muerte en 1641, cuando contaba tan solo 42 años. Anteriormente había estado al servicio de Jaime I, pero lo dejó para marchar a Italia . Justamente entonces está también Velazquez al servicio del Rey de España y en unas condiciones similares, y algo más joven que ellos, Rembrandt va a desarrollar un poco después su trabajo como retratista. Tres retratistas insignes, quizá los mejores que han existido. Van Dyck  pasó esos años encumbrado, rico y famoso, con un precioso estudio al que acudía con frecuencia el mismo Rey a visitarle, quién incluso le reservó en verano algunos salones de una de sus residencias reales, la situada en Eltham Castle, Kent .Su taller estaba perfectamente especializado para poder atender la gran demanda de retratos ; tan grande era ésta que se precisaba pedir hora para ir a posar, y una vez allí el personaje de turno podía ver su lienzo pasar por varias manos distintas en las sucesivas fases de la operación. Por supuesto, el maestro atendía con toda dedicación el trabajo de postura(bocetos previos), rostro, manos y retoques finales. El resultado estaba garantizado : era siempre maravilloso. Podeis ver una serie larguísima de retratos de este pintor ahora en esta referencia y también traigo esta otra estupenda página aunque con textos en inglés.

Quizá las mejores están en esta referencia de la National Gallery.

Pero también deberíamos hablar un poco del modelo, que ,al fín y al cabo, es el que nos ha llamado la atención. En el retrato viste el uniforme de caballero de  la Order de la Jarretera . Las biografías dicen que fué Conde de Danby, miembro del Consejo Privado y guardián del sello real. El último Conde de esta casa, pues fué un soltero empedernido y soldado también empedernido, y acabó siendo inmensamente rico. Gracias a ello pudo acometer en vida una tarea que le ennoblece aún más : Henry Danvers es el fundador de los Jardines Botánicos de Oxford, los más antiguos de toda Inglaterra y casi del mundo, y cuya primera finalidad fué el cultivo y estudio de plantas para uso medicinal . Aportó más de 5000 libras de entonces, unas 745.000 lbs de hoy día, para "glorificacion de las obras de Dios y para la promoción de la cultura". 

Ah !, se me olvidaba ya :  la mancha negra de la cara es un parche para tapar una fea cicatriz que tenía.

Gabriel Metsu - la visita del médico

                                            derch(raton)-vent nueva > + 

La visita del médico , ó quizá se la hubiera podido llamar "el mal de amor", que posiblemente es lo que Metsu nos quiere mostrar:  una dama de la clase media-alta, desde luego acomodada, que languidece por algún tipo de carencia amorosa que le provoca melancolía, falta de apetito ó cambios bruscos de humor. No, no nos estamos aventurando demasiado en nuestras conjeturas sobre las intenciones del pintor, ya que este tema estuvo de moda precisamente durante gran parte del siglo XVII en Holanda, y no solo Metsu, sino también Samuel van Hoogstraten, Jan Steen y muchos otros pintaron mujeres, casi siempre adolescentes y jóvenes, aquejadas de esta romántica dolencia. Incluso se sabe que durante la segunda mitad del siglo se dieron en las Universidades de Leiden y Utrecht hasta diecisiete disertaciones sobre el tema. Fijaros en el doctor y sobre todo en la dama de compañía de la derecha, observar que su gesto no es en ningún modo de tristeza ó abatimiento sino más bién se nos antoja un tanto suspicaz. De los pintores mencionados, Jan Steen se lleva la palma con casi cincuenta visitas de Doctor, y dos de ellas las traemos aquí : Jan Steen (1), Jan Steen (2).

Pero hablemos de Gabriel Metsu . Hace poco más de un año, quizá dos, tuvimos en Madrid la suerte de ver una exposición, creo que también en el Prado sobre el gran pintor del Siglo de Oro holandés Vermeer, y creo que a las numerosísimas personas que tuvieron el gusto de verla, entre las cuales tuve la suerte de encontrarme, nos dejaron sus obras realmente maravillados. Pués bién, hace un siglo y pico , hacia finales del siglo XIX,  nos hubieran traído no a Johannes Vermeer sino a Gabriel Metsu, como la figura indiscutible de la pintura de género holandesa en su mayor época de esplendor. En efecto, durante todos los siglos XVIII y XIX , Metsu era el más considerado y mientras sus obras eran febrilmente admiradas y adquiridas para las colecciones de los nobles de toda Europa, Vermeer era casi desconocido. Ha sido durante el siglo XX cuando la figura de este último ha sido redescubierta , estudiada y, meritoriamente, admirada.

Del porqué de los valores de nuestro artista y  su obra no hace falta desarrollar ninguna tesis, basta con ver este cuadro que hemos traído. No puede ser más hermoso ni estar mejor construído e iluminado, la blancura central rodeada de rojos y granates y rematada por una falda de una calidad, color y textura asombrosas, solo quizá superadas por las franjas de armiño blanco que enmarcan la chaqueta. Fué un gran pintor de escenas de la vida corriente de los holandeses el Siglo XVII, al principio escenas más rurales y posteriormente de la clase media y la nobleza. Traemos uno de sus autorretratos, que se autotituló Autorretrato de un cazador bañándose, !un autorretrato bañándose!, no es nada corriente en la historia del Arte, pero no direis que no nos permite conocer a Gabriel Metsu algo mejor que con un simple retrato de cara .Metsu se autorretrató también como personaje de alguna de sus obras.

Otras  obras suyas y algunas damas más con mal de amor

Willen Kalf - bodegón con copas y frutas

  

                                       derch(raton)-vent nueva > +

Bellísimo,¿no es así?. Una delicia a saborear, un encuentro amable en el recorrido de los cuadros de esta exposición. Autor poco conocido entre el público en general, y muy conocido enseguida para los que empiecen a profundizar en la pintura holandesa del XVII. En efecto, se trata quiza del pintor de bodegones más exquisito y delicado de la historia el arte y ésta está llena de magníficos pintores del género en cuestión.A mi, sinceramente me impresionó el otro día este cuadro. Su color es maravilloso, sí, por supuesto resaltado y magnificado por el claroscuro del lienzo, pero esto lo hacían todos en cuanto podían en este género y en todos los géneros´sin ningún escrúpulo, aunque a algunos el truco no les saliera tan bién. Kalf  borda este efecto con una sutileza sin igual.

Willen Kalf fué uno de los grandes maestros holandeses en el tipo de bodegón llamado pronkstilleven, término que viene a ser algo como bodegón ostentoso, pues como veis todos los objetos representados, excluyendo lo que sería la comida, son objetos caros, de valor al menos aparente, lujosos, no los tendría problablemente cualquiera. Quizá Kalf no optó deliberadamente en un momento de su carrera por la representación de estos lujos, sino simplemente, como ocurre en tantas ocasiones en la vida, le llevaron a ello las propias circunstancias de su devenir. En efecto, en 1653 Kalf estuvo viviendo en casa de Johan le Thor, un conocido comerciante de Amsterdam y a la vez uno de los directores de la Compañia de las Indias Occidentales, que con seguridad facilitó al pintor todos esos objetos importados principalmente de China para que los incluyera en sus obras. De hecho el primer bodegón considerado pronkstilleven esta fechado, que casualidad, en el año 1653. Sea como fuere, a ese primero siguieron muchos otros y el público empezó a cogerles el gusto y a reclamarlos, y el pintor , sin perder por supuesto un ápice de belleza y calidad, hubo de recurrir un poco , me cuesta decirlo, a la repetición, aunque sin llegar a la receta. Repeticiones han hecho todos los pintores , malos ,buenos y excelentes, muchos experimentando, otros con fines exclusivamente comerciales, quizá como Kalf. Ejemplo de repetición es éste mismo cuadro repetido en el Rijksmuseum, como podeis observar.

Aprovecho este comentario para hacer un homenaje a la pintura de bodegón holandesa del Barroco, que por supuesto engloba a Kalf, pero que cuenta con otros magníficos pintores del género; de entre éstos traemos solo a tres para no aburrir , pero creo que os gustarán : Abraham van Beyeren , Willem Heda y Pieter Claesz .

Pero no nos vamos todavía, traemos también tres regalos para la vista. Veamos, el primero es una página con unos cuantos  pronkstilleven del propio Kalf . El segundo presente consta de tres cuadros que tiene el Museo Thyssen de Madrid de éste mismo autor. Y, por último, acabamos con otro bodegón suyo fotografiado con una magnífica resolución que permite saborear uno de estos delicatessen. ( Apurar la ampliación permitida con el signo + que se encuentra en la esquina superior izquierda)

P.P.Rubens - paisaje con carro de piedras

                                derch(raton)-vent nueva > + 

paisaje de alrededor del año 1620 . Contaba Rubens con unos 43 años y se trata de uno de sus primeros paisajes, aunque ,por supuesto , hubiera utilizado ya el tema de la naturaleza indirectamente como fondo de multitud de cuadros religiosos y mitológicos. Pero aquí ya lo trata como tal, aunque introduce un tema digamos central : la carreta, que además está cargada de piedras, se encuentra en un camino evidentemente tortuoso y difícil  y coloca a los que la llevan en una situación comprometida, esforzada y violenta. No discurre el carromato plácidamente por un paisaje idílico sino por un pasaje crítico para el cargamento que transporta. Bueno, digamos que es el Rubens de siempre, de muchos de sus cuadros. Si no , fijaros en la clase y variedad de árboles que nos trae a escena, es toda una selección de árboles que parece han tenido un crecimiento dificultoso y terrible que les ha llevado a formas adultas un tanto inverosímiles, ¿no es así?. Luego el paisaje se apacigua a ambos lados y sorprendentemente parece que quiere representar en cada uno una hora distinta del día, la noche en la izquierda y todavía el día en la derecha; o quizá no sea así, es solo una casualidad, al fin y al cabo , la salida de una brillante luna suele darse en tardes aún iluminadas por el último sol, pero lo que sí está claro es que el pintor se recrea en los efectos lumínicos de la naturaleza con esa hermosa luna y su reflejo en el agua. Encontramos un paisaje de este estilo, y también de estos años en paisaje con Filemón y Baucis, aunque aquí casi podemos decir que el protagonista es el mismo paisaje ya, esto es el río y el cielo ; el primero hasta atrapa un cordero en sus aguas y compite con los propiós árboles en lo que a retorcimientos y fuerza se refiere.

Seis años después muere su primera mujer y solo tarda tres años en volver a casarse, esta vez con una jovencita, de,al parecer, diecisite años. Rubens contaba ya con 53. La nueva mujer, Helene Fourment, que así se llamaba, transforma al pintor, ó es ya su edad avanzada, lo cierto es que compra !el castillo de Het Steen, en las cercanías de Amberes ! (podía hacerlo pues estaba en la cumbre de su carrera donde llevaba ya muchos años instalado). Lo cierto es que prácticamente se retira allí con su nueva esposa y sus hijos y delega cada vez más la dirección de su taller a otros de sus discípulos aventajados. Allí , según el mismo dice encontraría la paz de espíritu, libre de preocupaciones, muchas veces asuntos de estado, en las que se encontró a menudo comprometido , libre también de engorrosos y monumentales encargos, que también abundaron en su carrera, y dedicado exclusivamente a su principal pasión : la pintura. Es entonces, en esos diez últimos años de su vida, cuando más desarrolla el paisaje, pero ahora se trata de un paisaje tranquilo , amable, donde se recrea aún más en los efectos atmosféricos y lumínicos. Quizá fué la época de su vida en la que el pintor verdaderamente disfrutó de su habilidad con los pinceles, haciendo lo que quería y como quería. De esta dulce etapa y de la inmediatamente anterior traemos algunos de sus paisajes, de los que, os aconsejo, apureis al máximo su resolución.

el oro de los griegos

peine con escena de batalla - siglos IV - V a.C.

  derch(raton)-vent nueva > +

                                                    

broche de cinturón - siglos IV - III a.C.

No había visto nunca el oro brillar de esta manera. En las fotos no se aprecia bién porque les falta algo de nitidez, pero en el Prado éstas y muchas otras joyas han sido colocadas en las mejores condiciones para mostrar todo su esplendor. No os las perdais si vivís en Madrid o alrededores. Forman parte éstas de la colección siberiana, perteneciente al zar Pedro I llamado el Grande, por su gran estatura pero sobre todo por lo que engrandeció a su país, Rusia, mientras fué Zar. La primera es la mitad de un broche de un cinturón. La colección cuenta al parecer con 14 pares diferentes de esta clase, todos ellos representando animales en acción, tema muy común en este tipo de objetos de las culturas nómadas de Eurasia. En 1715 el Zar recibió, como presente por el nacimiento de su primer hijo, una gran cantidad de objetos artísticos y joyas, muchas de ellas provenientes de sepulcros siberianos. La belleza de su ejecución cautivó al Zar y a partir de ahí se aplicó a la protección de ese patrimonio que hasta entonces estaba siendo diezmado por los saqueos. La mayoría de los frutos de estos saqueos acababan siendo fundidos y por ello se ordenó la entrega a la Corona de cualquier nuevo hallazgo.Naturalmente el tesoro creció enormemente y hoy se encuentra en el Hermitage de San Petersburgo a disposición de todo el que lo visite, solo para verlo ,claro.

El Hermitage en el Prado - 8nov2011  al   8abr2012

Philips Koninck - Bert van der Leck

Philips Koninck - vista panorámica con ciudad al fondo

Bart van der Leck - estudio para composición nº 7 y 8

lo mismo podemos decir de la siguiente pareja de cuadros realizados también en las mismas condiciones y en la misma época ,aunque por otros artistas de estos mismos grupos. Aquí ya voy a transcribir directamente algunos comentarios contenidos en el pequeño catálogo de esta mini-exposición que Paloma Alarcó nos ofrece relativos a estas obras : Al contemplar la vista panorámica con ciudad al fondo, una efectista pintura de horizontes lejanos y elevados, comprobamos que el pintor se vale de una especial perspectiva creada a base de sucesivos estratos de tierras, agua y árboles que se prestan al análisis formal riguroso. A través del punto de vista elevado, Koninck se aleja de la perspectiva albertiana y el tratamiento radical de la topografía y de la luz le distancia del paisaje real.............las dos nos ofrecen un mapa-paisaje a la inversa: al apartarse de la visión en profundidad, convierten el paisaje en un mapa. En efecto, Koninck , al igual que le ocurría a Vrel en la pareja anterior, no pretende centrar en algun acontecimiento concreto del paisaje nuestra atención, se limita a presentar una sucesión indefinida de elementos paisajísticos definidos y monótonos: líneas de árboles,prado,pequeña alameda, otro prado algo mayor, pequeño lago, árboles otra vez...bueno, tal vez como sería el paisaje, pero en Italia nos hubiesen puesto un árbol en primer plano, una hermosa torre o ciudad con un cortejo aproximándosele....algo de emoción ó ,al menos, de acción. La traducción a De Stijl del cuadro es exactamente lo que vemos en el de van der Leck : una línea naranja horizontal, pequeña línea azul vertical..aquí se compone un cuadrado ...luego este otro muy similar algo más amarillo..línea naranja algo ocre..y  sucesivamente repetición de lo mismo. La misma compartimentación del plano. Termina Paloma Alarcó el programa con esta, creo yo, acertadísima frase :                                                                                                                                                         

Como grandes maestros de la cartografía pictórica ¿no intentaron todos ellos definir a través de sus 

metáforas el orden que se oculta tras la apariencia de la realidad ? .                                                      

 No queremos dejar a Piet Mondrian de lado en ésta pequeña presentación de De Stijl, por lo que hemos traído algunas de sus obras en el siguiente enlace : Piet Mondrian