martes, 27 de diciembre de 2011

E.Delacroix - Cristo en la cruz - Cristo atado a la columna


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47-51 años
el Crucificado es un esbozo pero hoy día sería una pintura seria y acabada. Ampliarla al máximo con el botón izquierdo del ratón ,abriendo ventana nueva : merece la pena ver la factura de las enormes pinceladas, casi brochazos, definiendo los contornos por superposición de sucesivas delimitaciones, vamos, como se hace un boceto ó un apunte deprisa. No digamos los cielos ó las figuras de fondo. El Cristo en la columna es más tranquilo, más preciso. Pero ambos reflejan toda la soledad del sufrimiento humano. Es Cristo hombre en los dos casos, no cabe duda alguna, sin perder en ningún caso la dignidad, pero está abatido, en cierto modo se podía decir, "se acabó todo". El tono de color empleado ayuda a ésta sensación de desolación. Dos obras magníficas. Parece que no corresponden a un artista tenido por ateo o al menos areligioso. Sin embargo el tema religioso ocupa un lugar no precisamente escaso en su obra, se cuentan en más de  220 sus estudios y en más de 150 sus obras con ésta clase de contenido, algunas llenas de emotividad  y dolor.  ¿Puede ser obra de un agnóstico?. Más bién se vislumbra cierta inquietud espiritual, ó al menos un alma con cierta inquietud metafísica, precisamente en una época no demasiado volcada hacia la representación constante de temas religiosos como ocurría en otras. Nos hubiera gustado traer algunas obras más de esta clase, que por cierto abundan en la exposición, pero nos conformaremos con estos dos ejemplos ,creemos que bastante representativos. 
No obstante, hemos incluido la siguiente página web sobre el tema de la Cricifixión en el arte :





lunes, 19 de diciembre de 2011

¿ qué es el arte ?

....¿Cuando pasa a ser arte?.Cuando tiene tres características:  que sea como un sueño, que sea compartido y en estado de vigilia. Que sea como un sueño significa que tiene que tener la capacidad de salir de la casuística de la vida. La vida tiene unos imperativos y usamos el arte para poder regenerarnos: ahí puedes matar; siendo mujer puedes hacer de hombre, siendo hombre puedes hacer de mujer; puedes vivir el miedo, la muerte ,la belleza; puedes ser una persona hermosa cuando eres feo, estás en otro mundo. ................
La segunda característica es que debe ser compartido: no hay arte si no hay un espectador que lo vea. Si hago una danza de muchísima calidad pero no se ve, hay un señor raro que hace cosas, no existe el arte. El arte existe solo cuando se comparte y compartir significa que puede transmitirse. Este es un misterio muy bello, porque esto es la cultura. Permite que universos separados, planetas separados compartan el sistema. Si no se comparten no es cultura, no es arte ,no ocurre esta magia. No hago danza para mí. Lo hago porque me estoy preparando para alguien. Nadie es un artista si lo hace para él.
Respecto al estado de vigilia, el arte no puede servir para dormir, para atontar. Si uno va a ver una película que le gusta, no sale del cine amuermado.Le despierta, pasa algo, esa es la función esencial del arte: es una droga colectiva que permite de forma sana y natural crear las endorfinas, las adrenalinas,lo que haga falta para drogarnos y poder soñarse y rehacerse..................................
El espíritu es lo importante. me gustaría que el arte fuera más espiritual. Hoy el arte se está convitiendo en una comodidad, en un bién. La gente se pregunta. ¿hoy qué me apetece? ¿tomar una copa con los amigos ó ver una película? ¿me ha dado placer ó no?. Me parece una degeneración brutal. Cuando de joven iba a ver  Bach, pensaba que me hacía mejor persona. Al principio tal vez no lo entendía demasiado pero me esforzaba.............................
Para mí el arte no puede ser una comodidad , tiene que estar en estado de vigilia. Tiene que ser enriquecedor. Es una cultura, es una forma de ser un poco mejor pero con humildad. No quiere decir ser intelectual, sino que te levantas por la mañana y eres capaz de desarrollar buenas mentes. Puedo ser mejor padre, mejor trabajador, gracias a que ayer por la noche fuí a ver una función. Este es el auténtico valor del arte.

(extraído del artículo de Cesc Gelabert, bailarín y coreógrafo,  titulado: el auténtico valor del arte,  publicado en el nº729 de la revista El Ciervo)

sábado, 17 de diciembre de 2011

E. Delacroix - el naufragio de don Juan

                                          derch(raton)-vent nueva > +
42 años
Desde las verdosas,casi siniestras aguas, pasando por el cielo amenazante hasta la barca rebosante de hombres desesperados enfrentados a una situación ciertamente crítica que les lleva a una casi segura perdición, todo es , una vez más, la representación de una  situación totalmente dentro del ideal romántico y ejecutada con un estilo en forma y composición totalmente opuesto al academicismo imperante.Para ello, Delacroix toma como argumento  una escena descrita en el Canto II del famoso poema de Lord Byron sobre don Juan, poema larguísimo,de más de 16000 versos  y en el que estuvo ocupado toda su vida, y en el que los naufragos ,entre los que estàn don Juan y su tutor Pedrillo, están echando a suertes con quién comenzar a practicar el canibalismo forzoso que evite su muerte por inanición. Según el poema, la desgracia recayó precisamente en Pedrillo, quién no sabemos cual es entre todos los personajes representados; los que comen a Pedrillo no obstante se vuelven medio locos y mueren y ,finalmente solo queda vivo don Juan que consigue arribar a las islas Cíclades, en el Egeo, donde encuentra y se enamora de Haideé. Y hasta aquí contamos. Se comprende así el estado en que se ven cada uno de los personajes que llenan la barca, ninguno está en una actitud, digamos ,cómoda ó relajada,ni en postura, todas retorcidas,ni en indumentaria; desde luego la situación está perfectamente representada por el pintor y la factura de la picelada , de los contornos y del color acompañan perfectamente la tragedia y la desesperación. No es un ejemplo de composición, parece que nos meten la barca un poco a la fuerza en el primer plano para que seamos bién testigos de la desgracia sin perder detalle, compárese con el naufragio del Medusa de Gericault,perfecto en su disposición y equilibrio, y por supuesto también un cuadro romántico como el que más. Observar también la luz que entra por la derecha que resulta indefinida, ¿es de día ó de noche? ,y, por lo tanto dramática .He encontrado algunos cuadros representando otros tantos naufragios , entre ellos el de Gericault ,que creo encontrareis interesantes :

E. Delacroix - Medea furiosa

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40 años
Otro cuadro espectacular. Grande y luminoso. Pero el contenido de la obra a nosotros, en general, nos deja fríos, los medios audiovisuales, en especial el cine, nos están ofreciendo continuamente imágenes muchísimo más fuertes y terribles. Si se conoce la historia sacada de la obra de Eurípides , Medea, en la que la protagonista está a punto de asesinar a sus propios hijos en venganza por el abandono y la traición de Jason (la historia no es tan simple),ya entonces puede llamarnos algo más la atención, y si además estamos en el año 1838, sin imágenes contínuas , y tenemos reciente un hecho algo similar que había acontecido en el París de 1827, el caso Cornier (Henriette Cornier), (el asesinato a sangre fría de una pequeña de dieciocho meses por una sirvienta madre de dos niños, a los que había abandonado; asesinato totalmente deliberado como ella misma confesó; se ofreció a los padres, amigos suyos y tenderos del barrio para dar un paseo a la niña, la llevo a su casa, la puso en la cama y la cortó el cuello con un cuchillo de carnicero) , entonces, y perdonar por la dureza del relato, pero creo que es necesaria para entender un poco la relación de ésta obra con el público que la vió en el Salón,  la obra nos causaría sensación como causó por supuesto en dicho Salón de 1838. Era la primera obra de gran escala representando un asunto de la mitología griega que hacía Delacroix. Medea parece que se esconde temerosa para llevar a cabo su infanticidio. Los tres están soberbios, pero los niños en esas posturas de total impotencia e ignorancia de su destino,  no pueden estar mejor ;fijaos en la mirada ladeada del rubio y en la cara de Medea semioculta por la sombra, detalle que hace más trágica y criminal su próxima acción. El cuadro fué inmediatamente comprado por el estado en 4000 francos y llevado, en contra de la voluntad de Delacroix que habría preferido el Luxemburgo, al museo de Bellas Artes de Lille donde todavía se encuentra. Hay otras versiones posteriores y bocetos magníficos de Delacroix, a quién éste tema parece que le conmovió.

martes, 13 de diciembre de 2011

E. Delacroix - retrato de Léon Riesener



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37 años
diez años menor que Delacroix, ambos compartían una abuela, ésto es, dicha abuela se casó dos veces, del primer marido nació la madre de Delacroix, y del segundo marido el padre de Léon; es decir ,eran digamos, primastros. Y además tuvieron muchos puntos en común. En efecto, ambos eran pintores, Léon a su vez hijo de un gran pintor, Henri-Francoise Riesener, que destacó especialmente en la corte del Zar Alejandro, el cual a su vez era hijo de un gran ebanista al servicio de Luis XVI. Pués bién, Delacroix estuvo muy unido a la mujer de Henri-Francoise, su tía, ambos muy amantes de la literatura de la época y que , a la limón llevaron a cabo una traducción de una obra de Lord Byron.!Vaya lío, no!.Por otro lado la familia Riesener tuvo siempre una gran amistad con la familia Morisot, uno de cuyos miembros, Berthe, está considerada la primera mujer adherida al movimiento impresionista, y además estaba casada con un hermano del pintor Manet, Eugéne.Por cierto, en estos días se esta presentando una exposición suya en el museo Thyssen de Madrid.  Pués bién , Berthe y Léon Riesener también estuvieron muy unidos culturalmente, la primera oyendo sus consejos y leyendo y copiando sus escritos. De Manet se conservan varios retratos de Berthe, pues fué su modelo. Uno de ellos lo hemos traído y lo podeis ver al pulsar su nombre dos líneas más arriba. Pero nos vamos de nuestro cuadro. No lo he traído para presentaros  a todas estas ilustres  familias, sino para que admireis el bello rostro masculino que plasmó Delacroix en este retrato, esa mirada serena y firme,cargada de sinceridad y también , de bondad. La mayoría de los retratos de los grandes pintores, fijaos, presentan rostros en los que hay una ligera diferencia en el tamaño e incluso en la  forma de los ojos, nunca son perfectamente iguales; en la realidad suele ser también así. Eso le da un mayor carácter a la mirada y a toda la persona representada, pués parece que cada ojo aporta una faceta diferente del propio semblante , de la propia personalidad, y luego ambas se compensan al juntarse en el rostro, como lo hacen los miembros de un matrimonio bién compensado con sus diferentes e incluso opuestos caracteres. En éste caso, la diferencia entre ambos ojos es ciertamente apreciable, fijaos sobre todo en los párpados, y el resultado es una fuerza y un misterio en la mirada asombrosos. Un gran retrato.
Finalmente, para rematar éste párrafo tan lleno de relaciones, traemos un enlace de una página de internet donde podreis ver el daguerrotipo de Delacroix, creemos que bastante conocido,  llevado a cabo a su vez por Léon Riesener.

E. Delacroix - boda judía en Marruecos

39 años
Al parecer en febrero de 1932 Delacroix asistió a una boda judía, gracias a su amistad con la familia de un tal Abraham-ben-Chimol. En su propio diario menciona el hecho de éste modo :
“Moros y judíos a la entrada de la casa- va anotando -. Los dos músicos. El violín y el dedo pulgar del violinista destacándose en la luz, mientras que el dorso de la otra mano quedaba muy en la sombra. Claridad detras de la figura; transparencia en distintos sitios: las mangas blancas, y sombra en el fondo. El violinista sentado sobre sus talones, oscuridad en la parte baja. La funda de la guitarra sobre las rodillas del tocador, muy oscuro hasta la cintura del guitarrista, luego se destacaba su chaleco rojo con adornos marrones, azul el fondo, detrás del cuello. Una sombra causada por el brazo izquierdo sobre la rodilla. Las mangas de las camisas arremangadas de manera que dejan ver los biceps. Una verruga en el cuello, la nariz corta”.
Bueno, como veis es bastante detallista, llega a anotar hasta  una verruga en el cuello...... A pesar de todo el cuadro lo pintó en 1837, o sea casi 5 años después de llevar a cabo estas anotaciones, y lo presentó a otro Salón, éste el de 1841. También lo adquirió Luis Felipe y también lo donó al Luxemburgo. Es, como veis, una escena también orientalista, y vuelve a jugar con el rojo y el verde, éste último un poco obligado por ser un color muy frecuente en la arquitectura y decoración marroquíes ;no tiene, ni mucho menos la finura y sutileza de mujeres de Argel, incluso su pincelada es algo más borrosa y opaca, algo sucia, pero tiene una sola cosa que salva toda la escena con sus numerosos y variados personajes, y es la maravillosa luz cenital que transforma el patio en un lugar agradabilísimo lleno de alegría y de fiesta, y eso sin que haya ningún personaje central , ni siquiera los novios, o quizá si esté la novia a a la izquierda sentada, es igual, la luz cayendo a raudales al centro del patio comienza a dar vida a cada postura, cada escorzo, cada mirada, cada acción, y establece un juego de sombras para cada contorno, cada rincón, cada figura.....

lunes, 12 de diciembre de 2011

algo extraido del Diario de E.Delacroix

Esa lucha personal – escaramuzas victoriosas, escaramauzas vencidas – aparece numerosas veces en su “Diarioal que me he referido en varias ocasiones en Mi Siglo. “Todas las veces que puedas - se dice a sí mismo el 13 de septiembre de 1852 – disminuye tu aburrimiento o tu sufrimiento mediante la acción. Esta resolución aplicada a las vulgaridades de la existencia, como a las cosas mportantes, daría al alma un resorte y un equilibrio que son el estado más apropiado para evitar el aburrimiento. Sentir que se hace lo que se debería hacer, le eleva a uno ante sus propios ojos. Se disfruta después, a falta de otra cosa, del primero de esos placeres: estar contento de sí mismo. La satisfacción del hombre que ha trabajado y que ha empleado convenientemente su jornada es inmensa. Cuando estoy en ese estado, gozo después de un momento delicioso el reposo. Puedo inclusive, sin el menor pesar, encontrarme entre gentes aburridas. El recuerdo de la tarea que he realizado vuelve y me preserva del aburrimiento y de la tristeza”.
( copiado de la excelente página de José Julio Perlado titulada MI SIGLO , cuya dirección os paso :
  http://misiglo.wordpress.com )

E.Delacroix - mujeres de Argel en su apartamento

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36 años
durante el año de 1832 Delacroix va a realizar un intenso viaje de cuatro meses a Marruecos acompañando al conde de Moray en misión diplomática en dicho país. Se lleva siete cuadernos y los llena de notas, apuntes y bocetos ,hasta 100 apuntes al óleo y acuarela, tal era su entusiasmoy fascinación por este paraíso nuevo que ya había vislumbrado años antes pero nunca había visitado. Ahora lo está viendo con sus ojos y llega a hablar de un lugar protegido, puro, sin adulterar todavía, un Mediterráneo antiguo, un equivalente en pleno siglo XIX , de los tiempos de Homero. Sus dibujos le servirán para muchas de sus obras posteriores, y varios de ellos tomados en un harén ,que tiene la suerte de visitar ya al final de su viaje, le sirven para éste que vemos, una de sus obras más conocidas, y que lleva a cabo para presentarlo en el famoso Salón del año 1934. A mí me parece un cuadro más contenido que los dos últimos, odalisca y el combate de Giaur y Hassán, es más clásico en composición , técnica y contorno.Aquí le interesa más a Delacroix reflejar la impresión que le causa el ambiente reservado,protegido, como fuera del tiempo y del espacio y el semblante triste de esas mujeres vestidas de lujo y enclaustradas; sin embargo no están formalmente sentadas, como las  hubiera colocado o Ingres, sino que se las ve en posiciones de total relajamiento, un poco animal. Y, por último, el color : fijaos en los tonos rojizos que llenan delicadamente todo el cuadro; del tocado de la sirvienta negra nos vamos a su finísimo collar algo más intenso, luego el cinto,la falda, las babuchas, después saltamos al chaleco casi rosáceo de la primera mujer, a su rosa en la cabeza, las pequeñas florecillas del estampado de su camisa ....en fín podeis encontrar tonos rojizos por toda la habitación, son el elemento armónico de todo el color, que además se opone a su complementario, el verde, también bellamente distribuido. La obra causó sensación en el Salón, no solo por mostrar objetos relacionados con el opio, sino por la representación de mujeres musulmanas sin cubrir de pies a cabeza . De cualquier forma el propio Luis Felipe compró el cuadro para el Museo de Luxemburgo, y ,a la muerte del pintor, se trasladó definitivamente al Louvre donde se  le puede hoy ver junto a las grandes obras maestras del Romanticismo francés. Pero si queréis verlo aquí mismo en Madrid, tenéis ahora una ocasión única.No os le perdais.

E.Delacroix - odalisca en un diván

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29 años
entre 1825 y 1832 Delacroix llevó a cabo varios cuadros de desnudos femeninos, casi todos ellos muy luminosos y sensuales como el representado aquí. Acude a un tema oriental, esto es, relacionado con los países orientales para los europeos, norte de Africa, paises árabes de Oriente medio y lejano, y  plenamente de moda en esa época. Se trata de una odalisca, es decir una asistenta ó aprendiz de concubina en los harenes Imperiales turcos; para llegar a serlo plenamente las aspirantes debían destacar en cierto modo por sus habilidades en el canto, la danza...ó ,como no, la belleza. Así pues ,no es de extrañar verlas representadas en cuadros siempre en actitud un tanto provocativa ó de exhibición. A pesar de todo aquí la vemos pudorosamente cubierta y en una postura casi de escorzo, otra vez la pincelada suelta y los contornos poco definidos, fijaos en su mano.... La he traído porque merece la pena ver precisamente esa indefinición, que por otro lado no necesita para representar lo que quiere, y para mostrar un cuerpo femenino desnudo en total laxitud, cada centímetro de su cuerpo apoyado en esas sábanas hechas a base de arrugas, todavía más indefinidas e imprecisas, pero suficientes para expresar la riqueza y calidad del tejido.
Me he permitido traer otras odaliscas pintadas para que las compareis con ésta; es una página de poesía :


E. Delacroix - combate de Glaur y Hassan

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28 años
estamos seguros que Delacroix disfrutaría bastante con éste cuadro al tener la oportunidad de pintar caballos, ya que al parecer era un animal que le atraía especialmente, posiblemente por la variedad y hermosura de sus movimientos, y por la gran cantidad de posibilidades que, en lo que a variedad de posturas posibles se refiere, le puede ofrecer éste animal a un pintor observador, detallista y sobre todo de espíritu romántico. En efecto, aquí dispone dos caballos en posiciones inversas, cabezas y cuellos girados, patas ,crines y cola al aire.... y dos caballeros en lucha y asimismo metidos en el mismo torbellino, brazos, cabezas, ropas en movimiento. armas a punto de golpear...acción total. Y con la pincelada acompaña ésta acción, dejándola suelta, rápida, sin precisar, acompañando a cada movimiento; y si esto es así con las figuras principales, en el "relleno" del cuadro, fondos , suelo, cielos, Delacroix cubre el lienzo con pinceladas largas y aparentemente descuidadas empleando, eso sí, el color y el contraste más adecuado para ese escenario de aurora dorada y negra. Fijaos en las figuras abocetadas del fondo derecha, ¿que son? . ¿no recuerda a Goya en algunos de sus cuadros esta aparente dejadez en el remate de los objetos y de los paisajes ?. Creo que el pintor está dando un paso adelante en la forma de representación....está muriendo el academicismo, la fiel representación de la realidad, el pincel fino, el gusto por la perfeccion del detalle. Más adelante veremos ejemplos más claros de ésto.  Hablando de caballos, he encontrado una página con algunos apuntes de caballos de Delacroix que os puede gustar ver :

viernes, 2 de diciembre de 2011

E. Delacroix - litografía de la serie para ilustrar el Fausto de Goethe

                                                   derch(raton)-vent nueva > +
28-30 años
Entre estas edades Delacroix, tras ver en Londres una adaptación dramática del Fausto de Goethe, llevó a cabo una serie de 18 litografías para ilustrar la traducción francesa de ésta obra. En 1825, con el dinero que le ha reportado la matanza de Chios, Delacroix viaja a Inglaterra , donde , entre otras cosas, frecuenta las representaciones teatrales de Shakespeare, se llena de la obra de Byron y Scott, y queda impresionado con el Fausto. Vestidos a la usanza de 3 siglos antes, nos presenta unos personajes algo demoníacos, grotescos en algunos casos, sacados al parecer de grabados nórdicos del S.XVI, pero en otros casos imaginados tras la lectura entusiasta de la obra. No hay nada más que decir, lo mejor es verlos, solo que a mí me llamaron muchísimo la atención por su rareza, el "afilamiento" de las caras y las figuras,  y su algo de tosquedad en el dibujo. El mismo Goethe dijo que le había superado a él mismo en la visión de la obra. Como anteriormente con Sardanápalo, Delacroix recibió por ésta obra un aluvión de insultos e incluso se llegó a decir que pertenecía a la "escuela de la fealdad". Aquí traemos Fausto en la prision de Margarita , pero podeis ver las 18 estampas en el siguiente enlace :

E.Delacroix - esbozo para La muerte de Sardanápalo


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28-29 años
Otro trabajo preliminar , ésta vez al óleo, posiblemente hecho por adicción de muchas figuras y objetos de las que se conocen a su vez esbozos previos, y en la exposición se pueden ver varios de ellos. Lástima no poder ver también  la obra definitiva. Para mí es una de las mejores de Delacroix y por ello la he traído también. Aquí el esbozo es ya casi el cuadro final. De ésta obra se han vertido toneladas de tinta y se  siguen vertiendo pues es una reacción brutal contra el academicismo y el orden hasta entonces imperante.Parece el caos, aunque, como vemos por sus esbozos, Delacroix emplea mucha atención y tiempo en disponerlo. Comparémoslo con las grandes representaciones ceremoniales de David, por ejemplo. Aquí nuestro pintor establece un gran remolino de objetos y personas que se salen de la escena por un lado y se meten por otro.El cuadro está lleno de brillos, rojos fuertes ,oros, y  pieles humanas en muchos tonos y su tema puede muy bién ser solo una excusa para romper los moldes y dar rienda suelta a algo que se estaba fraguando en todo el mundo cultural del momento. Delacroix vuelve apensar en Lord Byron y toma el nombre y el tema de una de sus obras : los últimos momentos del último monarca asirio, derrotado, que se va a inmolar ,junto con todo lo que posee, cosas ,animales y personas. Excelente historia para presentarla en el Salón de 1827, para decir lo que pensaba que debía ser la pintura. No gustó ,sin embargo, ese extraño gusto por las escenas crueles y violentas,  aunque suponemos que también dejaría a muchísimos embelesados con el mundo mágico que había ido metiendo en el lienzo. De hecho la obra tardó muchísimo en volver a exhibirse de nuevo al público y sin embargo inspiró una cantata a Héctor Berlioz y una ópera inacabada a Liszt.

E. Delacroix - Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi

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28 años.
Encuadrada sin ninguna duda dentro del movimiento Romántico que está viviendo el mundo cultural e ideológico. Casi toda la obra de éste pintor lo está. La he traído aquí principalmente por su belleza; destaca la claridad de Grecia en forma de mujer ,ataviada con vestimenta del país, resplandeciente, blanca, casi en éxtasis, denunciando su sacrificio heróico, su inmolación ante el turco, éste sumido en el oscuridad del fondo del cuadro, bién armado y victorioso.La idea no puede ser más romántica : lucha por la libertad de un pueblo que, a pesar de su gran pasado glorioso, está luchando por su independencia, por volver a ser una nación libre, en pleno siglo XIX. No es de extrañar que otro romántico ,Lord Byron ,emplee tiempo y fortuna en la causa griega, e incluso muera allí, aunque no luchando en las barricadas, que habría sido más romántico todavía, sino de malaria, y que Delacroix, extraordinariamente atraído por su obra y con seguridad también por su forma de vida romántica ,vierta toda su alma en la ejecución de éste cuadro y del anterior presentado, La masacre de Chios. En Missolonghi ,además, murió el propio Byron, y fué una de las ciudades griegas que más se distinguieron en la lucha , estando dos veces sitiada, y finalmente tomada. Si algo llama la atención de la obra , aparte del maravilloso casi-claroscuro, son las dos manos de la mujer qué, en su actitud algo implorante, llenan toda la composición y añaden a ésta un poco más de emoción y fuerza; probar a quitarlas tapándolas visualmente con los dedos, la obra pierde toda su fuerza.

jueves, 1 de diciembre de 2011

E.Delacroix - estudio para La masacre de Chios

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25 años
 - Huérfano a los 16 años, entra a los 17 en el Taller de Guérin, neoclásico, discípulo del gran David, donde conoce y es enseñado,nada menos que por Theodore Géricault, nueve años mayor que él y ya un pintor romántico y  para quién posará durante la ejecución de la balsa de la Medusa ; además visita con frecuencia el Louvre copiando a los maestros. Pero no es suficiente : además posee ya una inmensa pasión por la pintura sostenida por una enorme voluntad y además ha recibido una exquisita educación y posee una amplia cultura : se van sumando demasiadas cosas ,¿no?.Bueno.,ocurre con casi todos los que llamamos "grandes".Estará en el taller hasta los 20 años, o sea que hemos dado ya un pequeño salto de 5 años desde que comienza su actividad autónoma. Presentamos un estudio a la acuarela para una de sus obras más conocidas que llevará a cabo al año siguiente. Esta técnica va  a ser muy utilizada por Delacroix para apuntes ,bocetos ,estudios previos, y no es por mera casualidad; en efecto el pintor aprendió del acuarelista Raymond Soulier quién a su vez la había aprendido de Copley Fielding y precisamente a sus 23 años se trasladó al estudio del hermano de Copley, Thales Fielding . Del primero me he permitido traer una acuarela muy suelta y bellísima :
y otra del segundo :

 Presento el boceto previo a la acuarela y también el cuadro definitivo al óleo, aunque éste último no está en ésta exposición; lo traigo solo para poder ver algo la relación entre ambos, aunque de los primeros pasos a lo definitivo puede mediar un abismo, no tanto en este caso donde las figuras principales le sirven más o menos y la composición general también. Un pequeño boceto, como es éste, se va a convertir en un cuadro de 4,17  x 3,54 mts , es de los grandes del Louvre, y con un resultado asombroso : una obra con gran colorido y plena de contrastes, donde las zonas oscuras enfatizan magistralmente las figuras iluminadas y además Delacroix abre mucho más el paisaje de fondo , lo llena de vida y acción y le pone un cielo proporcionalmente más grande y luminoso.Las figuras,  moribundos  de Quíos y opresores , adoptan  posturas y son en su expresión verdaderamente románticas, sin un ápice de concesión a la serenidad y aplomo del clasicismo. Y ésto se puede apreciar ya plenamente en el boceto, después el pintor resolverá , pero la expresividad del acontecimiento ya está latente en el mismo.

Eugéne Delacroix - CaixaForum -Madrid -19oct -15enr2012

Eugéne Delacroix - cama deshecha

vamos a procurar ir presentando algunas obras de ésta exposición que más nos han llamado la atención en orden cronológico. Puede ser que haya errores, pero más o menos queremos seguir ésta línea ya que Delacroix tiene ,como muchos otros pintores ,una línea evolutiva bastante marcada en su pintura. Pero no pondremos el año ,sino la edad del pintor cuando hizo cada obra. Esta bellísima acuarela la realizó cuando apenas tenía 20 años, ó, digamos mejor,cuando ya tenía veinte años, porque a esa edad Eugéne había dibujado y pintado ya muchísimo; si no, no podría haber dejado una acuarela como la que vemos, quizá un óleo sí, pero esa limpieza y complicación de dibujo, empleando el agua ,es bastante difícil sin un entrenamiento previo.En la siguiente obra hablaremos de ese entrenamiento. Sea como fuere, la obra ,bastante pequeña de tamaño, dejando a un lado la técnica ,es,como veis, una gozada para los sentidos y merece la pena verla allí, porque al natural es bastante mejor que todas las fotos que he encontrado.
Hablando de camas traigo una página bastante bonita sobre obras conocidas que tienen cama :





martes, 22 de noviembre de 2011

Vídeo de WINSLOW HOMER

Precioso video copiado del blog de Noemí, PINTARACUARELA ,que teneis en al lista de blogs recomendados. Acudir a su blog, que es excelente,  ó entrar directamente en ésta referencia:

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=KnwC8vTJiVY
se trata de un gran acuarelista norteamericano,y además va acompañado de música de Beethoven que os encantará.

viernes, 18 de noviembre de 2011

jueves, 17 de noviembre de 2011

una forma de aumentar al máximo el tamaño de las imágenes es ampliarlas haciendo click sobre ellas pero no con el botón izquierdo del ratón sino con el derecho, y seleccionando abrir enlace en una ventana nueva ; la ampliación obtenida permite una segunda ampliacion al volver a hacer click sobre la misma

miércoles, 16 de noviembre de 2011

Atención :

éste blog tiene como dirección :
www-pepe-pinturamadrid-pepe.blogspot.com/
si entraseis en el antiguo y ya obsoleto de nombre  pinturamadrid también , pero de direccion :
www.pepe-pinturamadrid.blogspot.com/ , por favor redirigiros a éste nuevo y guardarlo en marcadores

Canaletto - il Bucintoro

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Canaletto - il Bucintoro

Como remate de oro a nuestra visita a ésta exposición, traigo un bellísimo cuadro, como no, de Canaletto  cuyo tema ha sido representado en muchas ocasiones. Se trata de una festividad anual celebrada en Venecia el día de la fiesta de la Ascensión, en Mayo, para conmemorar dos importantes victorias venecianas, una en el año 1000 nada menos y precisamente el día de la Ascensión , en italiano  Sensa , y la otra otra en 1177,  ésta más diplomática que militar , como fué el tratado de paz entre  el Papa , Federico Barbarroja y Venecia, y que dió a esta última la primacía en el mar. El Dux se embarcaba en un barco magníficamente decorado, y se dirigía a la isla de Sta. Elena que está en el extremo sureste de lo que es la isla de Venecia acompañado de góndolas y todo tipo de embarcaciones; allí el Obispo le bendecía y tenía lugar la renovación de las bodas de la Serenísima con el mar, que el Duque refrendaba  arrojando un anillo de oro al Adriático.El nombre del cuadro se refiere al barco, Bucintoro , al que vemos atracado frente al Palacio Ducal y del que al parecer se construyeron hasta cuatro , en 1311, 1526, 1606 y el último en 1727 que es el que aparece en el cuadro y que no existe ya pues fué destruido por Napoleón cuando sus tropas entraron en Venecia en 1797; el barco ardió durante tres días y los soldados de Napoleón tuvieron que emplear 400 mulas para llevarse el oro que contenía; una pena porque era un barco o barcaza soberbio en su decoración interior y sobre todo en sus tallas de madera recubiertas de finas láminas de éste metal. Actualmente se está construyendo, quizá ya se haya acabado, un nuevo Bucintoro que con seguridad figurará en la fiesta que todavía hoy se celebra , cambiando al Dux por el alcalde y demás autoridades y a la que sigue una regata.

lunes, 14 de noviembre de 2011

Antonio Joli - calle Alcala

Antonio Joli - calle de Alcalá -Madrid   

Pintor natural de Módena que viene a Madrid ya a sus cincuenta años llamado por el gran castrato Farinelli para que llevara a cabo tramoyas en las representaciones teatrales muy frecuentes en los coliseos teatrales de Aranjuez  y del Buén Retiro de Madrid. Joli permaneció hasta 1754 en España, pero incluso tras la vuelta a su país continuó trabajando para la corona española : sus dos cuadros, bastante conocidos, representando la salida de Carlos III de Nápoles en 1759 así lo demuestran. Ojo que éste pintor estuvo al servicio nada menos que del Duque de Módena, Carlos III de España, el rey de Nápoles, sir Willian Hamilton,  el Duque de Richmond y Lord Spencer. Algunas de sus obras las podeis ver en el siguiente enlace :

En este cuadro, propiedad de la casa de Alba,  y muy similar (casi idéntico) a otro existente, se puede ver lo que era la calle de Alcalá de Madrid vista aproximadamente desde la bifurcación de la Gran Vía actual ó quiza algo más arriba...en fín, mirar a la izquierda el edificio existente actualmente más claramente identificable, la Iglesia de S.José, antigua iglesia de S. Hermenegildo, y ya estais situados. A la derecha , casi enfrente, el convento ,hoy desparecido, de las Baronesas. Al fondo otra desaparecida Puerta de Alcalá, sustituida por la actual para la llegada a Madrid desde Nápoles de Carlos III. Y a su izquierda la plaza de toros de la que se conserva tan solo una pequeña placa conmemorativa en uno de los edificios actuales que  se construyeron en su solar.

sábado, 12 de noviembre de 2011

Thomas Jones - cartuja de S.Marino


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Thomas  Jones - cartuja de san Martino con el castillo de Elmo, Nápoles

Pintor bien conocido gracias a un libro de memorias, una autobiografía que nos ha dejado titulada  Memoirs of Thomas Jones of Penkerrig pero desconocida hasta 1951 y que es además una excelente descripción del mundo artístico del siglo XVIII . Por otro lado ,también ha sido ya en el siglo XX cuando sus mejores obras, obras menos oficiales, más personales, menos destinadas al encargo público, han salido a la luz ,y su reputación como pintor ,especialmente paisajista, ha crecido enormemente.  Pasó  siete años entre Roma y Nápoles, pero fué ésta última la que le subyugó finalmente y de la cual conocemos una magnífica serie de vistas pintadas entre 1782 y 1783. Esta que vemos está perfectamente descrita en su autobiografía, e incluso nos describe los detalles de la casa que tomó por sus buenas vistas, la ventana ó ventanas que le permitían ésta ó aquella panorámica ctr. Se trata de algo nuevo en la ejecución y disposicion de los elementos representados  e incluso en el color, es más moderno , más parecido al arte de años posteriores, recuerda un poco a Camille Corot ¿no?.
Os dejo dos referencias
http://www.llgc.org.uk/pencerrig/index_s.htm    7 acuarelas delicadísimas del paisaje galés
http://www.spamula.net/blog/2003/07/thomas_jones.html  vistas del Nápoles del XVIII . ¿no es algo nuevo en el paisaje urbano?.   

jueves, 10 de noviembre de 2011

G.B.Piranesi -Antichita Romane

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Giovanni Battista Piranesi  -  Antichita Romane-Frontispiece II

Seguramente lo habreis visto alguna vez. Es un grabado a dos páginas contenido en el volumen II de su magnífica obra Antichita Romane y representa una visión de la Vía Apia romana cargada de "grandezas", alegorías, arquitecturas.......todo para poner en el lugar que le correspondía al arte y la cultura de la Roma antigua frente a los que la consideraban solo como una mera imitación de la sabia y excelsa Grecia antigua. No perdais detalle;  la técnica de grabado de Piranesi era novedosa y permitía una gran fidelidad de dibujo y una maravillosa representación de luces y sombras. Después de más de 200 años, Antichita Romane sigue siendo el mas vasto compendio de edificios y obras de la antigua Roma : murallas,defensas, acueductos,monumentos funerarios, termas ...........la mayoría de ellos medidos in situ, estudiados, excavados ...admirados; más de ocho años de dedicación. Me alegré muchísimo cuando lo encontré  en esta exposición, es un homenaje merecidísimo a Piranesi, que ,por supuesto, no es ni ha sido nunca ningún olvidado. Hay centenares de libros  y estudios sobre su obra, y seguirán publicandose siempre. A propósito, hoy he visto en el VIPS de Serrano uno que ha sacado Taschen ( sigue superándose ésta editorial) sobre Piranesi; le vereis enseguida porque es muy gordo, aunque desgraciadamente también muy caro, esperemos que baje de precio.


podéis encontrar muchos d elos grabados incluidos en ésta obra.

William Marlow - Catedral S.Pablo y Gran Canal

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William  Marlow  -  Capricho- Catedral de S. Pablo y Gran Canal de Venecia

Otro capricho, éste de los más atrevidos, no? . Es curioso a lo que se llegaba. Se trata de un pintor inglés, que al parecer se especializó tambien en marinas y batallas navales. Tiene una vista del Vesubio en erupción que es algo conocida y os dejo aquí :http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2f/Vesuvius_erupting_at_Night_by_William_Marlow.jpg
También era un excelenta acuarelista y se retiró prácticamente de la pintura a los cuarenta años, pero dejó muchísimos grabados que se pueden ver en la Tate Gallery de Londres. Este cuadro que presentamos viene también de allí y ,para mi gusto, es único, de los mejores representantes de estas arquitecturas "mezcladas".

Hubert Robert - capricho arquitectónico

Hubert  Robert - capricho arquitectónico con puente y arco triunfal

Presentamos alguno de los muchos caprichos que aparecen en ésta exposición ; caprichos arquitectónicos, esto es combinación de elementos arquitectónicos obteniendo una escena, desde luego irreal, pero fascinante y romántica; ó bien edificios existentes en diferentes lugares unidos en un escenario irreal, ó bién escenarios reales modificados sustancialmente por la introducción ó eliminación de parte de los mismos....en fín un juego con la representacíon de la arquitectura que se pone de moda en el s. XVIII y principios del XIX y que poco a poco va a desembocar en el romanticismo. Los museos están llenos de estos caprichos porque se extendieron enormemente, en especial a través del grabado. Se podrían construir ó en muchos casos sería imposible pero eso evidentemente no preocupa. Se busca preferentemente la grandiosidad y sobre todo la nostalgia de unas formas pasadas y también lo pintoresco.Hubert Robert ,francés, es con Giovanni Paolo Panini de los más prolíficos y verdaderos impulsores de este estilo. Robert pasó 11 años en la academia Francesa de Roma y de la mano de Piranessi, cuyo taller estaba al lado, comenzó a hacer bocetos y dibujos de ruinas, edificios y todo lo que insistentemente le pedían de Francia. Llenó variós cuadernos con cientos de dibujos que posteriormente emplearía para sus obras mayores.Tras librarse por los pelos de la guillotina durante la revolución francesa, llegaría a ser uno de los primeros cinco mantenedores del nuevo Museo del Louvre.  Esta es una de sus más bellas obras, pero tiene multitud de ellas de éste mismo nivel.
El arco tengo la impresión de que le subyuga, pues aparece en casi todas , pero no es el único ni muchísimo menos, lo mismo le pasaba a Piranesi, a Panini al propio Canaletto.....Algo de sugestivo debe tener.

martes, 8 de noviembre de 2011

Luca Carlevarijs -Molo y palacio Ducal

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Luca Carlevarijs - el muelle con el Palacio Ducal

Se trata de uno de los pintores italianos considerados como los precursores ó iniciadores de la pintura veneciana del siglo XVIII . En efecto, éste pintor nace 30 años antes que Canaletto y más de 50 años antes que Bellotto, y realmente es uno de los inspiradores del género vedute, de todas las pinturas de vistas que en adelante van a llevarse a cabo, sobre todo desde Venecia. Cuando Canaletto tenía tan solo 6 años, ya Luca publicó : Le fabriche e vedute di Venezia disegnate poste in prospettiva et intagliate  que no era más que una soberbia colección de 104 grabados de Venecia, de la que se nutrieron después muchos de los grandes pintores de todo este siglo para llevar a cabo sus vistas.Muchos de estos grabados estan en el Museo Británico y se encuentran rápidamente entrando en cualquier motor de Internet con:
la fabriche from luca  carlevaris > encontrareis enseguida las pag. dedicadas a estos grabados del Británico.
Pero éste no es un grabado, como veis, sino un magnífico cuadro, uno de los muchos pintados por Luca desde esta misma posición y variando algo los barcos y la gente. La belleza del cuadro quizá reside en su hermoso color suave-anaranjado que le aporta una luminosidad única; pero Luca introduce otro color ,el verdoso del mar que se acopla perfectamente con el primero, y ,además, remata ésta grandiosa perspectiva cerrando el escenario por la parte superior gracias a la columna de primer plano que termina justamente en el borde superior; en otras versiones todavía ha enfatizado más este efecto poniendo nubes oscuras justo en la parte superior para enmarcar la vista por arriba.

consejo importante : aprovecho ésta entrada para daros a conocer algo que seguramente ya sabiais pero que yo acabo de descubrir : pulsando show original en la esquina inferior izquierda de las figuras de éste blog, una vez ampliadas, se amplían (en la mayoría de los casos) todavía más.

lunes, 7 de noviembre de 2011

Canaletto - Piazza S.Marco

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Canaletto - Piazza di San Marco, Venecia

¿es el mejor?. Puede que sea el cuadro mas llamativo y también impresionante de la exposición. Es bastante grande, 240 x 141 cms, y pertenece al museo Thyssen de Madrid. Hay muchas versiones de esta misma vedute, pero parece que en esta Canaletto ha escogido el mejor punto de vista que en este caso creo que es el aire, pues todavía le quedaría espacio de plaza por detrás; el caso es que el espectador se puede imaginar flotando en medio de la plaza a buena altura por encima de las obras de pavimentación de la misma. Merece la pena observar los grupos de gente, el pequeño mercadillo de la esquina izquierda de la plaza...pero a mí me ha llamado la atención la sombra proyectada del edificio de la derecha sobre la torre del campanille, precisamente la sombra no lineal del borde de la cornisa superior : la sombra de la pequeña terraza con estatuas de su extremo; la sombra que resulta es una sombra rota y descompuesta,como tiene que ser ,por supuesto, pero le habría sido facilísimo al pintor haberla hecho recta, sin complicaciones, y nadie habría notado el error geométrico del dibujo. Observar el vuelo de gaviotas o quizá avefrías cruzando por delante de la torre, que al cruzar pasan a ser completamente blancas, por el contraste, claro, que aplica el pintor para destacarlas y que aplicaríamos todos para sacarle partido al efecto. ! Pero aquí es un efecto bellísimo,Canaletto  lo ha hecho magistralmente, a la perfección!, es una lástima que casi no se aprecie en la definición de este blog, pero si teneis ocasión verlo en el cuadro original. Otras versiones que he podido ver ,también de Canaletto,no tiene estas aves.

viernes, 4 de noviembre de 2011

B.Bellotto - porto vía di Rippetta

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Casi todo lo que veremos van a ser vedutas. Esta es bellísima y representa un pequeño puerto que había en el Tíber para carga y descarga de mercancías provenientes de la Sabina y la Umbría.Si quereis ver la disposición que tenía el puertecillo y los edificios que el artista representa, acudid a

incluso hay una foto de su estado actual . Belloto era sobrino del conocido Canaletto, y adquirió su mismo apodo con el tiempo. Para mi gusto es de los mejores digamos "vedutisti " del XVIII italiano porque sus obras tienen un gran contraste luz-sombra, sus cielos y su iluminación son magníficos y sobre todo por la fidelidad a la arquitectura que representa , tanto en sus detalles como el la propia representación geométrica de la misma; tanto es así que sus vedutas de las ciudades de Dresde y Varsovia fueron utilizadas para su reconstruccion tras la segunda Gran Guerra. Belloto vivió a lo largo de su vida en 
Firenze, Lucca, Roma, Milano, Torino, Verona, Dresde, Vienna, Monaco y ,finalmente, Varsovia ,donde fue nombrado pintor de la corte de Estanislao II Poniatowski. Esta obra , que he tardado bastante en encontrarla en internet en una definición aceptable, quería ponerla en el blog de todas maneras por una sola cosa ,que, al menos cuando ves la obra al natural impresiona : la pequeña vela rectangular blanquísima de la derecha; creo que en ésta reproducción no se aprecia bién por lo que tendreis que ir a la exposición, o a Düsseldorf. Otra cosa, fijaros en el edificio que delimita la perspectiva ,dispuesto al fondo de frente al espectador ; está perfectamente colocado para cerrar el espacio representado, aunque de ésto no tiene la culpa el artista, digamos que se da cuenta y lo aprovecha colocándolo en el mejor lugar de su lienzo.

De la siguiente obra de éste mismo autor no voy a hacer ningún comentario, es sólo para disfrutar de ella, aunque no la he encontrado con una mejor definición. Es la mejor de la exposición, es una maravilla de contraste, de representación ,de luz......en fín ,deleitaros, es arquitectura con mayúsculas.

Bernardo Bellotto - Piazza del Campidoglio y Santa María in Aracoeli




jueves, 3 de noviembre de 2011

G.van Bittel - Piazza S.Pedro

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Estamos ante uno de los muchos artistas que desarrollaron en Italia algo novedoso pero que en realidad no es más que uno de los resultados de la tendencia general de todo el arte de esa época hacia propuestas menos retóricas ,más serenas y amables, menos barrocas,menos comprometidas religiosa o ideológicamente. El cada vez más desarrollado interés entre las clases más pudientes del continente hacia todo lo clásico, lo antiguo, y, en consecuencia la moda de los viajes a determinadas ciudades clave, dió lugar a la difusión de "recuerdos" o de vistas anticipadas de los lugares a visitar.Se les llamó veduta , o sea vista , y en esta exposición vamos a ver muchísimas de ellas. Se llegaron a definir estos viajes como Grand Tour, y muchas veces eran el viaje "fin de carrera" de jóvenes pudientes para ver directamente mucho de lo que habían estudiado y estaba de moda; obligadas eran ciudades como París, Venecia y Florencia, pero sobre todas ellas, Roma se llevaba la palma. Algunos se hacían acompañar ya por guías ,e incluso por verdaderos artistas. La Piazza de S.Pedro que vemos sería una postal a lo grande y su autor trata de ser un fotógrafo y en efecto, hasta se dice que llegó a utilizar una especie de cámara oscura con espejos y lentes para ayudarse en los dibujos de sus vedutas.

F.Guardi - Puente de Rialto

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Francesco Guardi - Venecia, vista del puente de Rialto,mirando hacia el norte, desde los Fondamenta del carbón
Aquí nos encontramos con una muy diferente técnica pictórica aunque prevalece la luz y la atmósfera dorada del cuadro anterior. Como en el cuadro de Marieschi , Guardi, por cierto cuñado de Tiépolo, incorpora al paisaje  a la gente que lo usa a diario y estos pasan a ser protagonistas aunque anónimos. Pero ,en efecto, su trazado no es tan consistente, parece difuminado, roto, sus colores son más suaves , todo está más abocetado, parece que está menos trabajado que el de Marieschi.Quizá por emplear ese estilo, fué criticado en su tiempo, pero le salvó el tratarse todavía de un tipo de pintura considerado inferior, comparado por ejemplo con el excelso bodegón, es decir se le permitieron estas "licencias" por tratarse de una "vedute",de las que luego hablaremos. Se le llega a tachar de "incorrecto aunque con muchísimo encanto". Bueno , pues esta obra ,digamos algo desconsiderada en su época, superó los 25 millones de euros en la subasta llevada a cabo en Sotheby , Londres , éste verano del 2011. Anteriormente perteneció durante muchos años a sir Edward Ginness, director ejecutivo y presidente de la compañia cervecera. Yo lo he traído al blog por haberme permitido pasar una tarde dorada y apacible en una góndola veneciana.

miércoles, 2 de noviembre de 2011

Michele Marieschi - Venecia, Gran Canal con Stª María de la Salute



Volvemos a este blog después de casi ocho meses de ausencia, pero tras recuperar la contraseña perdida y pasar un verano muy movido, estamos otra vez de nuevo aquí, con la intención de no defraudar.
Este es el primero que traemos, y me parece que también el primero que se vé en Cajamadrid junto a la puerta de entrada. Desde luego , si es además el primer cuadro al que te diriges en la sala, impresiona de verdad, por eso lo he puesto en primer lugar. Desde el otro lado del Gran Canal vemos la bellísima iglesia de  Santa María de la Salud, erigida en agradecimiento tras la finalización de una plaga de peste que sufrió la ciudad hacia 1629, unos ciento y pico años antes de que Marieschi llevara a cabo la pintura. Destaca en el centro de la composición con todos sus elementos arquitectónicos muy resaltados por el pintor, en especial las maravillosas volutas que enmarcan el tambor poligonal de la cúpula, coronadas por figuras. Pero lo más destacable, en mi opinión, es la luz : el tono amarilleante que crea unas sombras cálidas y nítidas y ambos , luz y sombra,envuelven toda la composición y se proyectan perfectamente en las aguas azules del canal. El resultado es una imagen casi teatral del otro lado del Canal con la iglesia presidiendo el espectáculo.La blancura teñida de luz de la piedra de la Salute es destacable, llama la atención. No os la perdais.

domingo, 27 de febrero de 2011

Rubens-adoración de los Magos



lienzo de 3,55 x 4,93 metros!!.sin apenas"respiración", quiero decir, sin paisaje ,sin aire detrás, en el fondo apenas el humo de unas artorchas y estrellas en el cielo nocturno; es por ello una concentración de personajes y animales bastante cerrada, pero magnífica en su composición diagonal,con el último camello rellenando la esquina superior derecha que faltaba; camellos algo caricaturizados y excesivamente grandes en comparación con los caballos.
La imagen es serena pero solo en lo que a personajes principales y observadores se refiere, ya que de pronto Rubens introduce , siguiendo por supuesto la diagonal, un grupo en movimiento, desnudo, y bién iluminado, que parece de otro cuadro: son los descargadores de los presentes con que los Magos van a obsequiar al Niño, y además pone dos pequeños ángeles en la parte superior que también pertenecen a éste grupo en movimiento. Según parece el pintor llevó a cabo la obra en 1609 y no la volvió a ver hasta veinte años después,en Madrid, cuando había evolucionado lo suficiente para decidir corregir muchas cosas que ya no le agradaban, cosa muy normal para cualquier creador.
Así, añadió una franja en la parte superior y otra en la derecha, con su propia figura y además transformó gran parte de la escena adaptándola a un lenguaje pictórico más acorde con el momento en que artísticamente se encontraba (en aquél entonces Rubens era un ferviente admirador de Tiziano).


viernes, 25 de febrero de 2011

Rubens - Diana y Calisto



                                                                              


   
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no puede faltar un ejemplo del desnudo
femenino que tanto representó el pintor , especialmente en la última fase de su 
vida; cuando hace este cuadro tiene
Rubens alrededor de
58 años y le quedan
unos cinco años de vida. Hace muy poco
ha pintado Las tres gracias, y
todavía va a pintar, entre otros,
el juicio de Paris, con 61 años ,y Diana y sus ninfas sorpren


didas por sátiros, con más de 62 años.Se recrea en la sensualidad 
de la belleza femenina, según el gusto de la época, por supuesto.
En 2011 la mayoría no consideraríamos realmente "bellísimas"
a estas muchachas, pero Rubens, en 1635, está tratando de repre
sentar y, desde luego lo consigue, la belleza femenina más sublime.
Observar tres detalles : el contorno, es decir las líneas de los 
contornos de los cuerpos son siempre difuminadas. Las sombras
propias y arrojadas sobre éstos son siempre suaves y también 
exquisitamente difuminadas. Y por último admirar las perlas que
forman parte de los adornos de las ninfas, !son tan bellas como la
propia piel !.siempre que veo éste cuadro las voy buscando de una
mujer a otra , de una joya a otra joya, es una delicia.(si podeis, copiar
esta imagen del cuadro en vuestra memoria y sacarlo luego por picassa
ó por cualquier aplicación con la que podais ampliar todavía más
la imagen : es para ver las perlas mucho mejor).  

Rubens - danza con personales mitológicos

                                                  



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puede recordar algo a esos 
cuadros tan familiares con danzas populares
de la escuela flamenca.De nuevo
el movimiento frenético, pero
hay una armonía, cierto orden 
conseguido a base de entrelazar
los personajes por las manos,
pero de
una manera magistral.Rubens, metido en faena, 
debe pintar y pintar brazos manos ,pies, piernas, cabezas

en todas las posturas y en todos los planos necesarios para
hacer la escena real. Picasso, 300 años más tarde habría
prescindido totalmente de ésta "inutil" servidumbre y posiblemente
también habría logrado el mismo ritmo y belleza. Pero, !ojo! 
seguimos en el S.XVII , y éstas son todavía las leyes imperantes
a las que el pintor se somete de forma,como veis,brillante.