david hockney - retrato de Nick Wilder

con este cuadro llegamos al final de este repaso que hemos presentado sobre cinco siglos de pintura inglesa , desde 1497 , año del nacimiento de Hans Holbein el Joven, hasta hoy, puesto que el pintor que ahora traemos afortunadamente vive todavía. He dejado muchos insignes artistas con cuadros en la muestra por no tener tiempo para incluirlos aquí, ya que la cola de exposiciones aumenta cada vez más. Tanto Madrid como Barcelona son dos ciudades realmente afortunadas por la dedicación que sus museos, organismos y entidades  ponen para conseguir traernos casi constantemente a lo largo de todo el año estas magníficas recopilaciones de arte. Lo malo es que nos están acostumbrando a un nivel altísimo, como aquel asiduo de la buena ópera que solo se conforma ya con oir cantar a las mejores divas.

 La diva en este caso se llama  David Hockney, un artista moderno , nacido en 1937 y representante pues  del arte de la segunda mitad del siglo pasado, pero también de todos los que llevamos del actual siglo XXI , pues aún no ha parado de progresar y de interesarse por todo lo novedoso. Lo último el i-pod  y el extendido i-phone, excelentes instrumentos pictóricos con enormes posibilidades, después de haber pasado por la Polaroid, el fax, y la fotocopiadora. Por supuesto también ha pasado por el grabado, la acuarela y cualquier técnica en la que haya intuído posibilidades de expresarse ; es , así pués, un auténtico artista de este siglo, pero su significado en la historia del arte llena más plenamente el siglo anterior. En efecto, Hockney es el auténtico representante, si no creador , del arte pop, es decir del arte libre , no sujeto a academicismos ni reglas que más representa éste mundo moderno que creció y se aceleró al término de las dos grandes guerras. El arte de nuestra generación, el fruto , por ahora, de la audacia de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX. 

Actualmente tiene casa en Londres pero también mantiene dos residencias en Los Angeles, ciudad en la que ha permanecido, con muchísimas intermitencias, desde el año 1966 y que desde el primer momento le subyugó por su clima, su sol, su ambiente liberal y sus posibilidades de trabajar y progresar.
Aquí comenzó a experimentar con otro medio recién incorporado, los colores acrílicos, que le permitían llevar a cabo grandes superficies lisas , luminosas y de colores muy vivos con las que poner en  los lienzos la alegría de la vida en la California de mediados de siglo. De esta época son sus famosas pinturas de piscinas, esto es , del paisaje de las ciudades residenciales americanas de la costa oeste, puesto que no hay más que subirse al avión, nuestro más significado medio de transporte actual, para ver cual es el paisaje , desde su ventajosa posición : una sucesión de piscinas , manchas azules entre la vegetación generosa que esconde con sus sombras cada residencia. Hockney, en esta época feliz, lleno de vida y de amor, se sintió atraído por el azul del agua y sus brillantes reflejos llenos de sol y calor. Este cuadro es uno de los más famosos de este tema, pero traemos unos cuantos más :

- a bigger splash



 - Peter salindo de la piscina de Nick

-large diver

-hollywood pool

- robert Littman Floating in My Pool

-Lithograph of Water Made of Thick and Thin Lines and a Light Blue Wash and Dark Blue Wash

 -paper pool 11

-portrait of the artist

 si teneis la ocasión de visitar el Hotel Roosevelt en los Angeles, no dejeis de visitar su piscina cuyo fondo fué decorado por Hockney con simples líneas curvas evocando los brillos angulosos producidos por el sol sobre el agua en movimiento. Si el agua está tranquila os dará lo mismo , pero en cuanto el primer bañista agite su superficie comienza el espectáculo y las líneas que decoran el fondo cobrarán vida y se unirán a la fiesta que unos metros más arriba llevan a cabo el agua turquesa y el sol, como una pareja de enamorados.
No puedo dejar de traer una página con obras de nuestro pintor. Si solo me dejaran quedarme con dos, me quedaría con las panorámicas sobre  el Gran Cañón....!que colorido!.

peter blake - portada para el album Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band

Que familiar nos resulta a todos, jóvenes y mayores, esta portada del  octavo album de los Beatles, que salió al mercado el año 1967 después de 129 días de trabajo de grabación. El disco tuvo un éxito fulminante, como todos los que sucesivamente iban saliendo de estos geniales compositores, pero éste , junto con  el anterior Revólver, de 1966, marcó un punto de inflexión en el desarrollo artístico de estos maravillosos músicos  . Hasta la fecha actual al parecer se llevan vendidas más de 32 millones de copias  en todo el mundo.
El collage de la derecha es el original de Peter Blake, quién fué invitado en Marzo de ese mismo año a colaborar en la creación de la portada del disco :  en castellano : la banda del Club de los corazones solitarios del Sargento Pimienta . Debajo de un dibujo del sargento en cuestión aparecen los cuatro músicos con uniformes también de sargentos y con diversas condecoraciones, entre ellas las medallas de la Orden del Imperio Británico que ostentan McCarney y Harrison entregadas por la Reina en 1965.
A partir de este collage se diseñó la portada definitiva que fué resultado de extrecha colaboración de los cuatro beatles, Blake y el productor del disco George Martin. Los personajes que aparecen fueron elegidos por unos y otros entre los que intervenían en el diseño de acuerdo con sus gustos y preferencias. El collage original de Blake se ha subastado el pasado año en Sotheby's de Londres , adjudicándose por 87.704 dólares . Tiene 30 x30 cms y anteriormente perteneció al arquitecto Colin Wilson quién lo había comprado directamente a Blake en 1968. Con el fín de ver más nítidamente nuestra portada, hemos incluido ésta página donde se puede ampliar la imagen

Peter Blake, nacido en Inglaterra en 1932, ha desarrollado a lo largo de su ya larga vida  una obra artística que lo definen como uno de los más importantes autores de arte pop del pasado siglo. Calificado como el abuelo del arte pop británico, recibió el título de caballero, Sir, y desde muy jovén se interesó por el collage ,el arte popular y la ilustración en general, de manera que cuando hace esta cubierta para los Beatles, ya estaba entre los más conocidos aristas en éste campo. Podeis ver todos los albumes de discos en cuya portada colaboró Blake, puesto que este artista ha estado siempre muy en contacto con el mundo de la música pop. En 1969, Blake dejó Londres para instalarse en Bath, donde comenzó a interesarse por ilustraciones basadas en el folklore y en personajes de las obras de Shakespeare. De sus collages traemos algunos de los más conocidos y famosos, son todos excelentes :

-convención del Comic en Picadilly Circus
-Westminster Abby Animalia
-regata en el río Támesis
-día de los esqueletos en Ludgate Circus
-baile en Regent Street
-el encuentro ó tengo usted un buén día Mr. Hockney
 
Pero nos queda poner algo muy interesante y curioso. La portada del Sargento Pepper es tan famosa qué, probablemente debido a lo característico de su diseño, se ha re-creado en dos ocasiones al menos, siempre por su autor original, por supuesto. Me direis que la portada en cuestión se presta , nada más verla, a una modificación que se le ocurriría al más tonto : cambiar a todos ó algunos de sus personajes. Clarísimo. Traemos las dos modificaciones con nombres de sus nuevos personajes incluídos. La primera la hizo Blake con ocasión de la campaña a favor de Liverpool para conseguir su nombramiento como capital de la cultura europea del 2008 ; en este caso sustituyo los originales por personalidades del mismo Liverpool. 
La segunda ha sido precisamente para conmemorar su 80 aniversario el pasado año 2012 , y en cuanto a los personajes intercambiados, dice el mismo Blake : -He elegido a gente que admiro, gente grande, y a algunos que son muy amigos míos ; tengo una gran lista de personas que me gustaría que entraran en el collage, pero es imposible meterlos. Pero eso muestra lo fuerte de la cultura inglesa y lo que  su legado de estas últimas seis décadas representa-.
Y ya, solo como anécdota, pongo una tercera modificación, esta vez debida a la edición en castellano de la conocida revista musical Rolling Stones, con motivo de la presentación de los 50  mejores grupos de rock españoles. Aquí os dejamos que seais vosotros los que averigüeis quienes son esta vez los sustitutos.
 Bueno, esto que viene es un homenaje a nuestros BEATLES....escuchar, es el último tema del disco a day in the life .  
y, el mismo tema ,cantado hace poco por Paul Mcartney 

laurence stephen lowry - paisaje industrial

pintor muy popular a mediados del siglo pasado, especialmente por los temas tratados y el estilo un tanto naif, como podeis ver en este paisaje de ciudad fabril, uno más de los muchísimos de este mismo tema que pintó durante su vida, todos en la zona industrial del NW de Inglaterra, zona del gran Manchester . Concretamente , solo en dos de sus ciudades llevó a cabo la mayoría de estos cuadros :  Pendlebury y Salford.

Una gran cantidad de los mismos cuadros llenan actualmente el Museo de su nombre , The Lowry, en la última de estas dos ciudades. Lowry pinta de lejos el ambiente de sus calles y plazas, incluyendo en algunos casos acontecimientos cotidianos y llenándolas de sus habitantes anónimos esquematizados en un simple punto ,la cabeza y un trazo vertical más o menos vestido y coloreado .Son escenas ciudadanas llenas de encanto e ingenuidad, donde el color gris-negro domina sobre un fondo blanco casi constante. Quizá ese negruzco dominante remarca intencionadamente el carácter industrial de estas vistas , pero también la abunancia de chimeneas y naves lo definen perfectamente .

Dejamos una página donde podeis ver gran cantidad de obras de este artista que murió hace tan solo 37 años.

spencer gore - la estación de tren de Letchworth

el Camden Town Group fué un grupo de artistas ingleses que hacían un tipo de pintura en la línea del Post-Impresionismo, como se llamó al movimiento artístico con características propias para ser considerado como tal y que tuvo su desarrollo en los últimos años del Impresionismo. Precisamente el término fué acuñado por un crítico de las islas, Roger Fry, tras unas exposición de tres post-impresionistas franceses, Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh,
que se llevó a cabo en Londres el año 1910. -oiga, pero ¿estos no eran impresionistas como los que más?-. Bień, seguramente un porcentaje muy elevado de personas a las que se les pida el nombre de un pintor impresionista saldrán con uno de estos tres, y no se podrá considerar su respuesta como incorrecta del todo. Algunos de los impresionistas más competentes de la última época del movimiento, no se conformaron ni siquiera con el enorme bagaje de avances y logros que ,en materia de pintura, habían obtenido sus colegas anteriores, y , aún pintando de una forma similar, trataron de expresar un poco más de ellos mismos , de ofrecer una visión algo más subjetiva del paisaje, el retrato ó cualesquiera fuese el tema a tratar. Sí, Van Gogh hace paisajes muy impresionistas, pero les llena de sí mismo, vuelca en ellos todos sus anhelos, sus temores, su furia contenida, en una palabra todo su ser. Esto es ser post-impresionista, poner algo más aún que el maravilloso paisaje lleno de luz y de calor, aún a costa , por supuesto, de modificarlo a conveniencia.

Spencer Gore fué el fundador, junto con Walter Sickert , importantísimo pintor alemán  afincado en Inglaterra, muy influenciado por la cultura francesa, del Camden Town Group, tomando éste nombre de la zona de Londres, Camden Town, donde estaba situado el estudio de éste último. Su padre ganó el torneo de tenis de Winbledom en el año 1877 y él mismo fué un excelente jugador de cricket. A través de otro pintor, Rutherston , quién le había pintado un retrato y con quién mantenía en estos años de principios de siglo  una gran amistad, Gore conoció a Sickert durante un viaje a Normandía en 1904.

Muy cercana a Londres, a 55 km  hacia el norte, saliendo por la A1 en dirección a la ciudad de Peterborough, que, por cierto tiene una maravillosa catedral gótica, encontrareis el pueblo ó pequeña ciudad de Letchworth, o mejor, la ciudad -jardín de Letchworth. Esta fué la primera ciudad-jardín planeada y llevada a cabo en la Inglaterra de principios del siglo XX . Y aquí deberíamos detenernos mucho más tiempo para ensalzar y admirar esta magnífica iniciativa urbanística y a uno de sus mas entusiastas promotores,  Ebenezer Howard, a quién la clase trabajadora inglesa debe un gran tributo por su esfuerzo en mejorar sus condiciones de vivienda, servicios, y, en fín , calidad de vida. Ciudades a la escala del hombre ,integradas en la naturaleza y autosuficientes laboralmente, esto es, con trabajo insitu para todos sus habitantes. Es una página de oro en la Historia del Urbanismo de la época moderna. Si teneis ocasion de viajar por Inglaterra, merece la pena que os detengais a ver sus maravillosas ciudades-jardín, aún cuando hoy, cien años después, ya se hayan copiado y extendido por todo el mundo. Hoy
Letchworth tiene unos 33.000 habitantes y ,por supuesto, sigue siendo un lugar adorable para vivir y trabajar.
Bajo el título:   Jonathan Meades :: Letchworth Garden City, y debidos a éste insigne escritor inglés actual, podeis ver la serie de 5 videos sobre esta ciudad-jardín inglesa.
Spencer Gore vivió en esta localidad, comenzada en 1903, de  Agosto a Noviembre de 1912. Pues bién, y aquí viene lo más asombroso, los mejores y más avanzados de sus cuadros los llevó a cabo en estos meses y en esta ciudad. Exactamente 23 cuadros , en su mayoría paisajes. Allí nació su hija, en el número 100 de Wilbury Road,  en la casa que alquiló a Harold Gilman, casa representada en algunos de sus cuadros. Uno de ellos, el de la estación, lo traemos aquí, por ser el de la exposición . Gore , como podeis ver en la presentación que hemos preparado a continuación, estiliza y simplifica figura y objetos y modifica enteramente su tratamiento del color, enriqueciéndolo y creando nuevas armonías más allá del estilo puramente impresionista.

Spencer gore- his masterworks from Letchworth from Jose S.perlado

henry lamb - Lytton Strachey

un retrato en tonos tostados, ocres oscuros  y sienas que llama poderosamente la atención por la profusión de elementos verticales en consonancia con la figura alargada del sujeto que descansa sobre el sillón. Sujeto qué, efectivamente era alto y delgado, con gafas y con barba .Se trata de Lytton Strachey , historiador, hombre de letras de prosa irónica, crítico literario y también uno de los muchos intelectuales que apostaron decididamente en Inglaterra por una salida urgente del convencionalismo victoriano imperante qué, para lo avanzado de la época y contrariamente al clima de renovación e innovación que por todas partes se extendía por el continente, estaba pidiendo a gritos su demolición. Fué quién introdujo a Henry Lamb en el sofisticado grupo llamado de Bloomsbury , una especie de club formado por elementos de la élite más avanzada intelectualmente, casi todos los elementos masculinos provenían del Trinity o King’s College de Cambridge, comprendiendo a escritores, artistas, filósofos y otros intelectuales. Entre ellos se encontraban Virginia Woolf, John Maynard Keynes y  E. M. Forster . Realmente conformaban más bién un grupo de amigos y familiares, había muchos conyuges y hermanos, que se relacionaban intelectualmente mediante reuniones en sus casas , sobre todo en el distrito londidense de Bloomsbury , en los alrededores del Museo Británico. Discutían cuestiones estéticas y filosóficas dentro de un remarcado agnosticismo y fueron muy influenciados por G.E. Moore y Bertrand Russell.  Su afán por la espontaneidad y considerando la relación como algo lo más placentero posible les llevó a conformar relaciones amorosas de dos, de tres ó de cuatro, estables en unos casos y en otros no, libres y felices, aparentemente al menos, pues suponemos que la característica debilidad y egoísmo humanos jugaría malas pasadas a estas desenfadadas uniones.

En este orden de cosas, Strachey ,por ejemplo, que era homosexual, creyó ver en Lamb, a quién conoció en una fiesta de amigos, a uno de su misma condición y, atraído por sus cualidades, intentó mantener relaciones. Cualidades, en palabras de  Vanessa Curtis, una miembro del grupo : " con el pelo rizado rubio, una figura delgada y una manera única de vestirse con seda antigua  o trajes de terciopelo. , lucía un pendiente de oro y tenía un sentido del humor juguetón". Sin embargo  éste movimiento, a la larga, tuvo una gran influencia en la crítica, la literatura, la propia economía, y las artes de finales de siglo y , por supuesto también en la evolución de las corrientes feministas, pacifistas y sexuales. 

Henry Lamb era australiano, de la ciudad de Adelaida,  pero pronto arribó a Manchester donde su padre ejercía de profesor de matemáticas. Estudió medicina que no acabó totalmente y después estudió en Paris pintura. El cuadro que traemos es del año del comienzo de la I Guerra europea, 1914, cuando contaba 31 años . Ese año retomó sus abandonados estudios y se alistó llegando a ser oficial médico de su batallón hasta ser herido y devuelto a casa. Ya firmado el armisticio que puso fín a la Guerra, recibió el encargo de llevar a cabo una serie de cuadros de grandes dimensiones sobre la pasada guerra que llenarían una gran galería destinada al efecto. Dos de estas obras son : tropas irlandesas sorprendidas por un bombardeoturco en los altos de Judea y  travoys llegando con heridos a la estacion de Smol, Macedonia  ambos del año 1919. Tres años después, en 1922 expuso el cuadro que traemos, Lytton Strachey , en la galería del Club Alpino de Londres con gran éxito. Cuando estalló la siguiente Gran guerra de éste siglo , en 1939, ahora sí, fue designado como cronista ilustrador de la contienda y llevó a cabo una enorme cantidad de retratos de soldados y oficiales. Podeis ver unos cuantos en la siguiente página de BBC.co.uk  . Quizá por este tipo de cuadros es por lo que es más conocido Henry.

Pero me he permitido traer dos cuadros más que no siguen esa línea, hay quién dice que recuerdan a los post-impresionistas, a Gauguin quizá, pero, en fín, juzgar vosotros. Yo los encuentro de los mejores , sin olvidarme del presente retrato. Se trata de : La mujer del artista y muchachas irlandesas

John everett millais- niños from Jose Santiago Perlado Jimeno

john everett millais - mi primer sermón- mi segundo sermónn

mi primer sermón

                                                                         mi segundo sermón

sorprendentes cuadros, ¿verdad?. Pertenecen, como indico, a John Everett Millais a quién rápidamente identificareis por ser el autor de Ofelia,quizá la obra prerafaelista más conocida. Se trata de una de sus hijas,  Effie , de cinco años de edad en ese momento, quien escucha su primer sermón bastante seria y formal y duerme con una gran paz su segundo, recostada en ambos casos en un viejo banco de alto respaldo al parecer de la iglesia de Todos los Santos de Kingston-on-Thames, donde los padres del artista tenían una casa al borde del río . El primero de ellos es del año 1863 y tuvo tanto éxito en la exposición de la Royal Academy que al año siguiente , 1864, repitió la modelo y casi el tema. No importa, los dos creo que son soberbios, un ejemplo más sin embargo de la gran debilidad que éste pintor siempre tuvo por la pintura de niños y adolescentes en sus primeros años de recién estrenada juventud. La niña se ha puesto una capa abrigo roja con sus bordes rematados en piel posiblemente de su madre, quién ha dejado sobre el banco guantes y misal. Como decimos, Millais llevó a cabo un sinnúmero de obras en las que aparece algún  niño, niña ó joven de poca edad, siempre tratados con gran ternura y atención. Y si no, ver la presentación de una serie de obras de este tipo que he traído en la siguiente entrada. Siempre consideró el retrato infantil como un verdadero reto dada su dificultad y se esmeró en su superación pintando a sus propios hijos y a los hijos de los otros. Entre 1856 y 1868 el matrimonio tuvo ocho y todos posaron alguna vez, algunos muchas veces, en sus cuadros. La figura del niño sirvió no solo como tema en sí, un retrato, sino como protagonista o elemento primordial de situaciones corrientes ó excepcionales de la vida , y , más aún, de temas y acontecimientos históricos.

 Niño prodigio, destacó desde los cuatro años en la pintura de manera que la familia se hubo de trasladar a Londres antes de cumplir siete, casi con la precipitación de evitar el deterioro ó el decaimiento de alguna de sus excelsas facultades congénitas. Así, a los once años fué admitido nada menos que en las clases de la Royal Academy y aquí fué donde , para el bién suyo y de toda la humanidad subsiguiente, conoció a dos compañeros alumnos, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti,con quienes emprendió la formación de la Hermandad pre-rafaelita.  Fundada en Londres en 1848 , duró apenas cinco años como tal asociación ; volvía sus ojos al tipo de pintura que se hacía en Italia antes de Rafael de Urbino, es decir, aborrecía el manierismo incipiente y abogaba por una vuelta a la realidad , autenticidad y sinceridad de los temas y de su ejecución. Huir de lo convencional, de las recetas , de la composición a priori. Todo ello derivaba en una perfección y delicadeza sin igual en la técnica y en un estudio exhaustivo de la realidad de la naturaleza y de las cosas.  Podeis ver este documental de la BBC titulado los revolucionarios victorianos en inglés con subtítulos en español.

El ideal prerafaelita no se limitaba a la pintura, sino que ,ya desde su iniciación tenía también raices en la poesía y esta poesía la llevaron los pintores a sus obras como podemos observar principalmente en las  de nuestro autor hasta el año 1860. Aparte de la presentación de la siguiente entrada, creo que debeis ver Lorenzo e Isabela del año 1849, pintada a la edad de 20 años y también Fernando engañado por Ariel de 1850, este como ejemplo del detallado estudio de la vegetación natural consecuencia del ideal de autenticidad y belleza que el movimiento preconizaba. Después de éste año Millais , casado con la mujer de Ruskin, una vez se hubo divorciado de éste, se convirtió en un padre de familia  muy numerosa que hubo de mantener y la crítica, empezando por el propio Ruskin, por cierto uno de los impulsores de la Hermandad prerrafaelita, empezó a ver cierto abandono de la tensión poética y originalidad en sus obras.
Es posible que , por conveniencia del mercado, Millais dejara algo la fantasía creativa por una mayor dedicación a la realidad del encargo, retratos o grabados de sus propias obras, pero creo que la calidad y la poesía siempre se mantuvieron casi intactos hasta el final de sus días. De cualquier forma éste es un tema que queda para los estudiosos.  
 

frederic leighton - Perseo sobre Pegaso apresurándose al rescate de Andrómeda

un cuadro ya de 1895-1896 perteneciente al más conocido representante de la pintura victoriana. La vida de Sir Frederic Leighton coincide casi exactamente con los años del larguísimo reinado de esta monarca del reino Unido y Emperatriz de la India; en efecto Leighton vivió entre 1830 y 1896 y el reinado de Victoria de Hannover se extiende desde 1837 a 1901.  Como se ve , el cuadro es prácticamente del año de la muerte del pintor y representa a Perseo sobre el caballo alado Pegaso que vuela al rescate de Andrómeda, hija los reyes Cefeo y Casiopea, antes de que sea devorada por el monstruo Ceto. Habreis visto algúna cuadro de carácter mitológico representando a la bella Andrómeda atada a unas rocas temiendo la inminente llegada de Ceto para devorarla. Perseo al parecer llegó a tiempo de matar a la bestia y liberar a su amada.
Leighton, el primer artista nombrado caballero bachelor o Sir, llevó a cabo una obra pictórica realmente atractiva desde el punto de vista estético y formal. Para comprobarlo no hay más que darse un paseo por alguna página y por ello hemos seleccionado dos : The complete works  y   Taringa , y a ambas le reconocemos y agradecemos el tener la ocasion de poder admirar juntas tantas obras de este pintor. Bueno, deleitaros, especialmente con la segunda de ellas. Aparte he subido uno de los cuadros que más admiro de Leighton ; se trata de Sol ardiente de Junio, (flaming June), una obra que por sí sola podría hacer famoso al Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, donde se encuentra. Quizá exagero porque dicho Museo contiene un verdadero tesoro de Obras de Arte de todas las épocas. No dejeis de visitarlo si teneis la suerte de poner alguna vez el pié en esta bellísima isla del Caribe.

Leighton era nieto del primer físico ó medico que tuvo la familia imperial rusa en S.Petersburgo quién, como tal, amasó una gran fortuna. Sus padres , ya en Inglaterra, accederían a que su vástago fuese un artista solo si llegaba a ser un artista eminente, pero ,claro, esto es imposible de saber a priori, y, el pintor aceptó a ciegas la condición (y, por supuesto , los padres también ), y, tuvo la suerte, todo hay que decirlo, de conseguir llegar a serlo. Así , a sus 25 años la reina Victoria se encaprichó de una de sus obras,  Procesión a través de las calles de Florencia de la madonna de Cimabue(1853-5) y la compró por 600 guineas el primer día de su exhibición en los salones de la Royal Academy. Una obra de 17 pies de longitud estudiada al máximo detalle y ejecutada con total brillantez y parsimonia en dos años durante su estancia en Roma. Fué un soltero empedernido y ya maduro tuvo como modelo principal a  Ada Alice Pullen, conocida como Dorothy Dene, y ambos , muy probablemente, fueron los tipos en los que se fijó  George Bernard Shaw para los personajes de Elisa y el profesor Higgins en su famosa obra Pygmalion.

Pudiera ser considerado por su estilo y ejecución como un pintor perteneciente al movimiento prerrafaelita, movimiento netamente inglés coetáneo de Leighton, y de hecho se asoció a ellos a su llegada a Londres en 1860, pero nunca se declaró de palabra ó en escrito alguno como tal.

john martin - Josué ordenando al sol detenerse sobre Gabaón

la conquista de Canaan por Josué y los israelitas costó 6 años largos .Todos conocemos el famoso pasaje de la Biblia acerca de la demolición de las murallas de Jericó por el fragor de las trompetas de Josué y posiblemente también este otro sobre la defensa de Gideón, ciudad aliada de Israel amenazada por las numerosas fuerzas conjuntas de los reyes de  Jerusalem, Hebron, Jarmuth, Lachish and Eglon . Tras una noche de marcha contínua montaña arriba las tropas israelitas sorprendieron al llegar el día a sus enemigos, dispersándolos y empujándolos hacia el valle de Ajalón , donde Dios envió sobre ellos un granizo destructor. Josué imploró al Altísimo que parase el sol sobre Gideon y la luna sobre Ajalón con el fín de poder prolongar la lucha y completar la derrota de sus enemigos. El cuadro, del año 1848, representa justamente este instante, y Martin aprovecha la escena para emebelesarnos con un luminoso espectáculo atmosférico donde cielo y tierra se conjugan sobre los diminutos e insignificantes guerreros llenos de  humanas pretensiones. El cuadro es todo vapor de agua y luz, a la izquierda la luna se mantiene estática y amarilla sobre el valle de Ajalón envuelto en densos cortinones de granizo, mientras en la parte derecha el sol hace pasar sus rayos inmóviles a través de serenos y brillantes parajes nubosos. Además es de unas dimensiones adecuadas a su espectacularidad, 2.64 x 1.51 metros, lo que la hacen irresistible dentro de la exposición.
El cuadro de William Turner titulado, "tormenta de nieve, Aníbal y su ejército cruzando los Alpes" es de unas dimensiones algo inferiores, pero todavía grande, y, siendo del año 1812, podría haber influído en el de Martin. De cualquier forma , este último es, desde luego, un bellísimo homenaje a Turner en ésta obra y en su conjunto

Sin embargo , aún siendo ésta la mejor de todas, Martin pintó este pasaje de la Biblia en más ocasiones. La primera vez ,ya en 1816, con una obra que lo llevó directamente a la fama, muy parecida a la que traemos pero ,para mi gusto, mucho menos espectacular, cielo y tierra se presentan mas independientes, más reales e inexpresivos. También realizó grabados sobre el tema que podreis encontrar fácilmente en internet. Se puede decir que dejó para el final la mejor de sus versiones,opinión, por supuesto, totalmente personal.

Tras el éxito de la versión de éste cuadro de 1816 de la que acabamos de hablar, Martin llevó a cabo una sucesión de grandes obras parecidas a ella y que están todas a su altura o la superan. Así, os traigo : la caída de Babilonia de 1819 , la fiesta de Baltasar de 1820 ,   la destrucción de Pompeya y Herculano de 1822,    la caída de Nínive de 1827 , y por último, la tarde del Diluvio de 1828. La erupción en abril de 1815 del monte Tambora , en Indonesia, que provocó un triste año sin verano en todo el hemisferio norte, y que  pudo dar lugar a la producción de obras literarias como Frankenstein  de Mary Shelleynd  o el Vampiro de John Polidori, también pudo finalmente desencadenar en nuestro pintor un afán por recrear en sus obras antiguas catástrofes o adornar escenarios históricos con poderosas manifestaciones atmosféricas.

. Obras suyas muy posteriores son tambien :
el Juicio Final  y las llanuras del Cielo, de 1853,  y  el gran día de la ira , de 1851.

Pero John Martin no solo debe ser considerado un pintor a secas. Además de su calidad como pintor romántico, era un ingeniero en potencia, incluso se dice que era esta su verdadera vocación . Es posible que la crisis económica de 1820 impidiera el que muchos de los proyectos, algunos realmente avanzados, para los servicios de Londres, que el joven Martín tenía en mente,  vieran  la luz .Entre ellos, un sistema nuevo de alcantarillado , un plan para mejorar el encauzamiento del Támesis, y hasta un ferrocarril subterráneo. En 1841, Martin, con 52 años se convertía, momentáneamente, en uno de los hombres mas veloces del planeta al desplazarse viajando en una locomotora a lo largo de las nueve millas existentes entre Southall y Slough, Inglaterra, como testigo directo y también conejo de indias de una prueba de velocidad. Alcanzó más de 90 milllas por hora   

john constable - esclusa y molino en Dedham

John Constable nació en el pequeño pueblo de East Bergholt en la costa este de Inglaterra el año 1776 . El cuadro representa los alrededores del molino que su padre, próspero comerciante de harinas, regentaba en una localidad cercana, Dedham. El río es el Stour que corre de Oeste a Este hasta desembocar en el mar del Norte, río, por otro lado, navegable desde comienzos del siglo XVIII . Se sabe que a finales de dicho siglo, Gran Bretaña disponía ya de 2000 millas de rios-canales navegables, unos naturales, aproximadamente un tercio de este número y el resto resultado de obras de ingeniería y construcción de canales ó de acondicionamiento y mejora de cauces. Así, el padre de Constable poseía un pequeño barco ,  The Telegraph, con el que llevaba habitualmente maiz hasta el mismísimo Londres. Hoy día toda la región que rodea Dedham es todavía de una excepcional belleza natural y como tal está protegida. La torre que se aprecia en el fondo del paisaje es la de la iglesia de Dedham. 
Constable pintó esta torre y sus alrededores en multitud de ocasiones .Digamos que se formó como paisajista de una forma autodidacta entre estos lugares. Uno más, destacó rápidamente como excelente dibujante, más no se dedicó plenamente a la pintura hasta los 23 años .Habría seguido el lucrativo negocio de su padre sin duda alguna si no se hubiera interpuesto de forma clara y seductora su pasión por el arte.
Sin embargo, su primer paisaje al aire libre no lo pintó hasta el año 1810, o sea con 34 años . Ocho años antes había ya expuesto en Londres y comenzaba a ser apreciado . En 1821 recibe un premio en el Salón de París por su famoso cuadro el carro de heno, y , a partir de ahí son ya todo aciertos en cada cuadro que realiza y reconocimiento de estos aciertos por parte del público y la crítica, tanto en Francia como en Gran Bretaña . El cuadro que traemos lo pintó el año 1817 ó 1818 y no es el único de este mismo tema. Al menos hay otros dos, parecidísimos, todos pintados entre 1818 y 1820 y un boceto magnífico, de 1816 ; uno de ellos se encuentra en The Currier Gallery of Art, Manchester , y el otro en el museo Victoria y Alberto de Londres .
Constable es considerado el principal pintor del paisaje inglés, muy influenciado en sus comienzos por los pintores paisajistas holandeses del XVII y por su compatriota Gainsborough . Recorrió muchas zonas de las islas siempre acompañado de su paleta y realizando innumerables bocetos y dibujos que después utilizaba para sus obras; incluso, en la mayoría de los casos, los bocetos eran de todo el paisaje que iba a representar , y sobre los mismos aplicaba grandes capas de color ,basándose en el estudio directo de la naturaleza que veía y teniendo muy en cuenta la hora el día y desde luego, como se aprecia en casi toda su obra, el estado atmosférico particular de cada momento. El mismo decía que no había dos días iguales, ni siquiera dos horas, de la misma manera que no había dos hojas iguales entre todos los árboles existentes y por existir. Pero sobre todo, Constable es un pintor moderno que se acerca  ya a lo que harán después los románticos y los impresionistas. Algunos de sus cuadros son , en este sentido, verdaderamente asombrosos por su color y su ejecución. He traído trece , que simplemente los numero; verlos y comprobar lo que os digo :

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john hoppner - Anne Isabelle Milbanke

nacida en 1792, el cuadro es del año 1800, por lo que Anne contaba aquí tan solo con nueve años de edad . Esta niña que veis se va a casar quince años después nada menos que con el poeta y escritor Lord Byron , eso sí, habiéndole rechazado dos veces .Nacida en  Durham, hija única de Sir Ralph Milbanke y sobrina del político y aristócrata , Lord Wentworth, recibió una educación, como correspondía a su clase, exquisita, tanto en materias clásicas como científicas y matemáticas . Educación que nuestra acomodada niña aprovechó con creces desde el primer momento, llegando a destacar como una gran matemática , y transmitiendo esta vocación por las ciencias exactas a su propia hija, la única hija con  Byron,  Ada Lovelace . Y, cosas de la herencia y suponemos que también de la temprana educación,  también a su vez la hija de ésta Lady Anne Blunt destacó , ésta vez no en las matemáticas, al menos que sepamos, sino en su amor por los viajes y los caballos árabes, y también en la música y el dibujo. Tres generaciones de mujeres, madre, hija y nieta en el mismo hilo de  inquietud intelectual y artística, entre 1792 y 1927 : merece la pena detenerse en sus vidas y por ello he señalado bajo sus nombres algunas estupendas referencias. Tenemos que dejarlas, pero el asunto, no me digais que no, es emocionante.
Pero no solo recibió el precioso tesoro de la cultura y la ciencia, sino qué, por eliminación natural de aquellos posibles herederos que la antecedían, disfrutó ,como sucesora y propietaria del título de Baronesa Wentworth, del nada desdeñable patrimonio que conllevaba. Hasta aquí lo bueno, ahora viene lo malo, que siempre se alterna en cualquier vida , cualesquiera sea la posición social del que la vive. Anne, enamorada siempre de su marido, a pesar de reconocer y sufrir sus ostensibles defectos,  no fué feliz con él. Llegó casi a verle como una persona desequilibrada y hasta cierto punto peligrosa para la educación de Ada , y en 1916 ambos, de común acuerdo, se separaron . Byron marchó a Suiza y posteriormente a Grecia, donde, como sabeis, murió a los 36 años de edad .
Si apenas se conocieron en vida, Ada y su padre, Lord Byron, descansan para siempre juntos en la iglesia de  St. Mary Magdalene en Hucknall, Nottingham.

Del autor, John Hoppner, diremos que se trata del máximo rival de Thomas Lawrence, once años más joven, en éste período de la monarquía de Jorge III y posteriormente de la Regencia del Príncipe de Gales . Ambos tuvieron una relación exitosa con la Royal Academy y ambos pintaron una gran cantidad de retratos de personajes y nobles de la época . Hoppner llevó a cabo la publicación en 1903 de una serie de retratos de Damas, a Series of portraits of ladies , grabados por Wilkin, Charles sobre cuadros suyos al óleo. Traemos algunos porque, aquí sí, destacó sobremanera en este tipo de retrato de damas, unas ricamente ataviadas y otras no tanto, quizá como era la moda de la época, muy influenciada por los ecos de la Revolución de la vecina Francia, pero todas con una indudable distinción .En fín, si en algo es superior a Lawrence es en la pintura de damas y niños , como este maravilloso de Anna Isabelle Byron con su blancura inmaculada en un paisaje abierto y borrascoso de la costa inglesa.
Los siguientes pertenecen a :

 lady charlotte duncombe
 vizcondesa de andover
 Condesa de Ashburnham
Lady Charlotte Susan Maria Bury
Charlotte Maria, Condesa de Euston
Henrietta Elizabeth Frederica, Lady Langham
Elizabeth, Duchess of Rutland
Charlotte Walsingham, Lady Fitzgerald
Honorable Lucy Byng
Anne Garbett, Lady Romilly
Lady Redesdale
a ladie
Lady Louisa Manners, Condesa de Dysart
Mary Robinson, Perdita
Mary Boteler de Eastry Ken, detalle
Mary Boteler of Eastry Ken

thomas lawrence - miss martha carr

un cuadro con gancho. Una dama inglesa retratada por Thomas Lawrence en 1789 y que pertenece a nuestro Museo del Prado de Madrid. Además, de éste pintor inglés , posee tres más : el retrato de John Fane, décimo conde de Westmorland,   dama de la familia Storen , y  retrato de David Lyon. Para mí no están a la altura de éste que vemos y mucho menos a la del nivel medio de éste maravilloso Museo , que ,bién es sabido, tiene el listón altísimo.
Lawrence nació en la ciudad inglesa de Bristol, donde su padre mantenía una posada . Directamente fué un niño prodigio sin ayudas ni enseñanzas de ningún tipo, y desde muy temprana edad , sin tener aún los diez años, dibujaba con lápiz a la perfección y recitaba a Milton .Lo siguiente fué un contínuo progreso en el dibujo hasta llegar incluso a mantener a su propia familia con los ingresos que obtenía de retratos a lápiz . Antes de cumplir los veinte años era ya un reputado pintor en toda la zona de Bath y en 1787, a los dieciocho, el mismísimo Sir Joshua Reynolds lo recibió y agasajó en Londres, donde finalmente se asentó, entrando como alumno de la Royal Academy de las Artes. Merece la pena echar un vistazo a la página que, sobre ésta pretigiosísima institución inglesa ,se puede consultar en Wikipedia, y detenerse en la relación de sus principales académicos que en ella se incluye. Este retrato de Martha Carr, o Carry, lo hizo el mismo año que su famosísimo retrato de la actriz Elizabeth Farren , obra que ,presentada en la exposición de la Royal Academy, tuvo un éxito inmediato en los círculos artísticos y sociales del Londres de finales de siglo por sus avances técnicos y su nueva concepción del retrato de sociedad. Hoy está en el Museo Metropolitano de Nueva York. Pués bién, ambos cuadros coetáneos,  si nos fijamos bién ,son parecidísimos en su ejecución y hasta en su presentación formal.
A partir de ahí , y tras la muerte del genial Reynolds , fué el pintor de moda que no rechazó ninguno de los abundantísimos encargos, aún sin ser capaz en algunos momentos de llevarlos a cabo. Además de pasar a ser académico de la Royal Academy de la que más tarde , en 1820, sería su presidente , comenzó a emplear cantidades de dinero cada vez mayores en la compra de pinturas para su colección, de tal modo qué, tras su muerte, ésta fué ofrecida al Rey y posteriormente al Estado, quienes no llegaron a un acuerdo en el precio, por lo que esa extensa colección de obras de arte , principalmente clásicas, acabó dispersándose.
Entre 1818 y 1820 visitó Aquisgrán, Viena y Roma por encargo del Príncipe Regente para llevar a cabo una serie de retratos de los principales artífices de la Paz, la celebrada paz tras la derrota de Napoleón y el comienzo de una nueva época para Europa. Dichos retratos se encuentran en la galería Waterloo del castillo de Windsor, galería que se puede visitar

anthony van dyck - queen henrietta maría

retrato del año 1632 . Ella es la reina consorte de Inglaterra, Irlanda y Escocia tras su matrimonio con Carlos I  y cuenta aquí con 23 años. Esposa tras el intento fallido de unir al monarca con una princesa española, Maria Ana, hija de Felipe III , al no aceptar la Corona inglesa las exigentes condiciones que el monarca español imponía para consentir esta unión. Nacida en el palacio del Louvre de París , hija del rey Enrique IV de Francia y de su segunda esposa, perdió a su padre tan solo seis meses después, al ser asesinado.También sería asesinado su propio esposo, el Rey de Inglaterra, Carlos I. 
 Borbona francesa, católica hasta la médula y fille de France, conoció a su futuro esposo en París cuando éste se dirigía a España a tratar de llevarse a Maria Ana de Austria, pero no sabemos si en aquel encuentro se produjo flechazo ó no. Sea como fuere, lo que no sospechaban es que volverían a encontrarse de nuevo dos años después en 1625 nada menos que  ante el Abad de Canterbury que les iba a casar . Una francesa católica Reina de la Inglaterra anglicana no era una situación como para ser aceptada por gran parte de la corte, la nobleza y la sociedad inglesa de la época, y esto hizo que la mitad de su matrimonio con Carlos fuese una constante sucesión de enfrentamientos, discusiones y desamor. No debió haber flechazo en París, y si lo hubo se desvaneció con rapidez ante el cúmulo de malas influencias sobre el Rey y el catolicismo a capa y espada de la Reina . 

Sin embargo, a partir de la muerte del duque de Buckingham , uno de sus peores detractores,en 1628, todo empezó a cambiar. Dos años después nació su primer hijo, el Príncipe de Gales,  Carlos , acontecimiento que consolidó la mejoría establecida en la relación de la real pareja. En este cuadro, Henrietta acababa de alumbrar a su segundo hijo , Mary ,en 1631 y quizá estuviera ya esperando al tercero,  el futuro Jacobo II , pues hay que decir que fué madre de dos futuros reyes de Inglaterra y abuela de otros tres .Así pues, es muy posible que en este cuadro fuese totalmente feliz y quizá empezase a estar enamorada . Henrietta María fué a partir de este momento una esposa especialmente leal al Rey y durante la guerra civil que sucedió a continuación , no dejó de demostrarlo nunca, recabando fondos, tropas y cuantos medios sirvieran para la causa de su esposo, quién , sin embargo fué ejecutado por alta traición por el bando opuesto. Henrietta se exiló definitivamente en Francia y moriría en París a los 51 años.
Si alguien tenía que hacer un cuadro de la Reina, ese no podía ser otro que Van Dyck, como igual  podríamos decir de Velázquez al hablar de retratos de Felipe IV de España .El primero, como el segundo, pintaron a sus reyes e infantes del derecho y del revés, quizá el español en una situación menos cómoda y relajada, debido a su preocupación por el rango y la categoría , que en el flamenco . Carlos I fué, en efecto, un monarca especialmente preocupado en elevar el nivel de la misma Corona y de la corte por medio del arte, y , así, no escatimó medios  para atraer a las islas a lo mejor del panorama artístico del continente . Entre ellos el principal, Anthony Van Dyck , que además colaboró con el monarca y sus agentes en la obtención de obras de arte para la colección real. Podeis leer algunos comentarios sobre él en una de las entradas de la exposición El Hermitage en el Prado , la correspondiente al cuadro

Anthony Van Dyck - retrato de Sir Henry Danvers

 Más de una veintena de cuadros de Carlos y Henrietta llevó a cabo  Van Dyck, pero pienso que de su taller, léase el comentario que os indico, debieron salir muchos más. En esta exposición han traído el que vemos, quizá uno de los primeros de la francesa, y me parece maravilloso con ese estudio del tejido plateado tan perfecto y al mismo tiempo sencillo, consiguiendo atrapar toda la luz posible en sus pliegues y acompañado por unas sombras cálidas y armoniosas. Además los tonos rosáceos , en especial en las flores de su mano, son de una delicadeza total. Un salto de gigante en la evolución del retrato en Inglaterra al compararlo con el cuadro anterior de Peake el Viejo . He buscado retratos de Henrietta pintados por Van Dyck y traigo algunos de ellos, a los que doy una denominación de ningún modo académica, simplemente con algo que les diferencie :

malahide castle ,  Sir Jeffrey Hudson ,  museo de san diego ,  1635  , museo marítimo Greenwich ,  1638 , henrietta 7  ,
 henrietta 8

 

robert peake el viejo - catherine carey condesa de nottingham

!espectacular, no es así?. No había visto nunca un vestido con tal profusión de adornos, joyas, relieves, filigranas, bordados, miniaturas..........Agrandar todo lo que podais con  derch(raton)-vent nueva > + 
y admirar esta maravilla . 
No en vano el autor de esta obra, Robert Peake el viejo, pasó sus primeros años de aprendizaje con Nicholas Hilliard quién le adiestró en la elaboración de cálidas y elaboradas miniaturas. Nicholas era el principal pintor de miniaturas en la corte de Isabel I y de su sucesor Jacobo I .Sus delicadas y pequeñísimas obras estaban de moda entre la nobleza y constituían un presente siempre apreciadísimo entre ellos.  Aquí Robert Peake no escatima tiempo ni esfuerzo en la exaltación de la riqueza de una de las primeras damas de la corte de Isabel I. En efecto,  Catherine Carey, condesa de Nottingham desde su casamiento con Charles Howard , estadista y almirante inglés, y primo carnal de la reina Isabel, era a su vez hija de Henry Carey , a su vez hijo de María Bolena, hermana de Ana Bolena, madre de la reina. Como veis, estamos hablando de un matrimonio en el seno de  la más alta nobleza de la Inglaterra de finales del siglo XVI . El cuadro es del año 1597 y nuestra querida Cat, como la llamaban, murió solo seis años después, en 1603, precisamente el mismo año que la reina Isabel, a los cincuenta y seis años. Había estado casada con Henry de Nottingham 40 años y dejó a su muerte cinco hijos. Henry volvió a casarse a los siete meses con una bella escocesa de diecisiete años, cincuenta años más joven que él, Elizabeth Stuart ,pariente de María Stuart (Estuardo) y medio prima de Jacobo I .

Se piensa que muchas de estas joyas y ricos aderezos,  e incluso el vestido que luce Cat ,posiblemente se los prestó para la ocasión la mismísima Isabel I , ya que entre ambas existía una gran amistad y compenetración y de seguro Cat tenía acceso al ropero y joyero de la monarca siendo como era  Mistress de las ropas y joyas de la Reina .Basta con decir que incluso, para su retiro , Isabel la otorgó la concesión de su famosa residencia solariega de Chelsea. Durante algún tiempo  se creyó que la dama representada en el cuadro era la misma Reina Isabel, en parte por la riqueza ostentada.  

A Robert Peake se le dice el Viejo para distinguirle de  su hijo William y de su nieto ,también Robert, ambos pintores , grabadores y casi comerciantes. Hacia 1590, el gran retrato de cuerpo entero empezó a estar de moda en Inglaterra y muchos nobles se aplicaron en llenar una buena galería de estos retratos en sus propias mansiones. Robert fué de los afortunados a los qué la nobleza solicitó sus servicios para este fín, y le fué tan bién  que en 1604 fué designado para hacerle un retrato al Príncipe de Gales, el heredero, el famoso y queridísimo príncipe Henry, que no llegó a reinar, pues murió a los dieciocho años de fiebres tifoideas. Dicho retrato tiene fecha de 1605 y lo traemos aquí por lo curioso y diferente que es de todo lo hecho en esa época en Inglaterra. Pero no había acabado su carrera ascendente puesto que tan solo 3 años después , en 1607, fue nombrado, conjuntamente con su amigo  De Crizt, sargento-pintor en la corte de Jacobo I . Peake fué un pintor vinculado , en su obra y en su propia vida, con otros tres pintores , dos de ellos ya mencionados  aquí : De Critz, Marcus Gheeraerts el Joven e  Isaac Oliver . Todos se especializaron en la clase de retratos que ya hemos mencionado y crearon una etapa en la pintura inglesa inolvidable . Admirar estos de Robert Peake extraídos de Wikimedia.

marcus gheeraerts el joven - Anne, lady Pope con sus hijos

empezamos con este cuadro una visión de la exposicion titulada la Isla del Tesoro  ó también Arte Británico de Holbein a Hockney, desde la Fundación Juan March de Madrid, esto es una serie de cuadros de pintores ingleses o afincados en Inglaterra desde mediados del siglo XV hasta ahora ,pués Hockney todavía vive, en realidad es todavía un chaval de unos 75 años.

El clásico retrato de familia noble que posa con sus mejores galas y nos transmite su quietud y mirada atenta mientras lo hace . Son ocho ojos más bién oscuros ,que nos miran directamente, envueltos en sus magníficos vestidos y luciendo adornos y joyas profusamente. Corresponde plenamente a la forma de vestir impuesta en la Inglaterra de los últimos Tudor, de los últimos días del largo reinado de Isabel I . El cuadro fué pintado en el año 1596 y las mujeres lucen anchísimas faldas merced al uso de aros circunferenciales para conseguir ese volumen buscado que vemos en el vestido de Anne, y que le sirve en este caso para disimular su embarazo. Nacida en 1561, tenía pues en esa fecha 35 años, se había casado en segundas nupcias el año anterior con William Pope , primer conde de Downe,  y esta esperando pués al hijo de ambos , de nombre William como su padre ; luce también una espléndida gorguera y, copiando a la mismísima reina, amiga de los colores claros , blancos, beige, negros y plata, lleva el vestido de este último color.  Los niños representados, Henry, James y Thomas son, como supondreis, hijos de su primer matrimonio.

Del pintor, Marcus Gheeraerts , sabemos que es uno de los miembros de una familia de pintores, padre, hijo y nieto. Huyendo del duque de Alba y sus tercios españoles , abandonó con su padre la ciudad de Brujas donde había nacido y se instaló en Inglaterra, donde pasó el resto de su vida muriendo en Londres en 1635. Su carrera fué rápida y eficaz, llegando pronto a formar parte del principal grupo de pintores-retratistas de las islas, con quienes, por otra parte, estaba también emparentado. Por mediación del influyente Sir Henry Lee de Ditchley, Queen's Champion , artífice del gran esplendor caballeresco en la corte de Isabel I y finalmente su protector, tuvo acceso a los círculos cortesanos llegando a conseguir que la mismísima Isabel, la reina, posara en el famoso cuadro Ditchley Portrait de 1592 . Tras la muerte de Isabel, todavía mantuvo su prestigio con Jacobo I y especialmente con Anna de Dinamarca, su mujer, a quién pintó en varias ocasiones. Posiblemente colaborase también con el pintor sargento del Rey Jacobo,  John de Critz , ya que era precisamente su cuñado.

Hacia 1590 Gheeraerts llevó a cabo una verdadera revolución en la pintura del retrato de la Inglaterra de la época, al introducir las tres dimensiones, o mejor, la búsqueda de las tres dimensiones en el cuadro, modificando posturas, sombras, fondos , aperturas de paisajes, y , en fín, todo aquello que contribuía a evitar un aspecto demasiado plano del personaje y del conjunto .  También fué uno de los primeros pintores en utilizar en Inglaterra el lienzo en lugar de la tabla como soporte, permitiendo una mayor dimension de las obras. Por otro lado, es de los primeros en hacer el retrato de cuerpo entero y comienza a estudiar más detenidamente el interior del sujeto, su carácter , a emplear tonos de sombra más coloreados . Para mi gusto uno de sus mejores retratos es el titulado mujer encinta por su delicadeza y buen gusto. Por último traigo una página con muchas de sus mejores obras.