Marc Chagall - ilustraciones para las fábulas de la Fontaine

   las dos palomas

                                                                  

                                                           la gata transformada en mujer

para ilustrar las ediciones de la obra de Gogol, las almas muertas y de las famosas fábulas de La Fontaine, Chagall aceptó el encargo de llevar a cabo una serie de grabados. La Fontaine había publicado sus  fábulas en el año 1668 acompañadas por ilustraciones del dibujante Chaveau . Posteriormente hubo otras ediciones y entre ellas una magnífica con dibujos de Gustavo Doré en 1867. Para la primera de éstas obras, Chagall  realizó, entre 1924 y 1927, hasta un total de 107 placas. Para la  la segunda hizo también dibujos preparatorios con guache, de los que aquí traemos la gata transformada en mujer, todos ellos de gran colorido y por supuesto, como siempre, con gran fantasía .  Las dos palomas es un grabado, pero también se muestra en la exposición su dibujo preparatorio en color. Al parecer estuvo trabajando en las placas desde 1927 a 1931 pero los grabados resultantes no se editaron hasta 1952, debido a la muerte del propio editor y a la segunda Gran Guerra. Cien placas para otras tantas fábulas elegidas. Dicen que el pintor estuvo viajando por la campiña francesa para ambientarse en el espíritu de las mismas ; sin embargo, de las100 ilustraciones se extraviaron más de la mitad y actualmente se  desconoce su paradero.

La edición de 1952 dió lugar a una tirada de 200 copias, 85 de las cuales fueron coloreadas por el mismo artista.

Traemos aquí una de las ediciones, puede ser la nº 22, totalmente en blanco y negro, es decir sin colorear por Chagall y otra perteneciente al grupo de las 85 coloreadas

Marc Chagall - la caída del ángel

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una obra en la que estuvo trabajando, suponemos que no diariamente,  durante  nada menos que 24 años, desde 1923 hasta el 47, año además de la muerte de Bella, su esposa. Se sabe que el pintor fué añdiendo elementos , aunque la idea del tema , desde su comienzo, creemos que esta clara y a tono con los tiempos que corrían en Europa y el mundo entero. El proceso de elaboración de una obra de arte es muy diferente segun el tipo de la misma ,su intención, el cliente si lo hay, la época, el propio temperamento del autor y muchísimas otras variables, esto está claro, y pienso que casi todos los artistas consideran muchas de sus obras como eternamente inacabadas, o ,dicho de otro modo, consideran cualquier cosa salida de su mano como algo siempre abierto a ser retocado, modificado o incluso replanteado. Especialmente en la pintura al óleo, dada su versatilidad y su posibilidad de cambio, el no dar nunca por acabada una obra supone una enorme ventaja para la misma y permite al artista recrear continuamente lo ya hecho....un color nuevo aquí, una línea allá...esto no esta bién  y necesita mas fuerza......No hay más que contar con un  estudio de tamaño regular que permita tener al alcance de la vista y del pincel el mayor número de obras posible. Yo con frecuencia aprovecho el óleo sobrante en el pincel o la paleta para actuar sobre cuadros acabados y ya secos , tocando aquí y allá,  y puedo asegurar que todos van mejorando con cada toque, descubres muchísimos secretos del color y sobre todo aprendes con tus propios errores. Esto sin embargo ,es imposible hacerlo en la acuarela, mejor dicho, se puede hacer pero ,al revés que en el óleo , solo serviría para lo contrario, estropear cada vez más la pintura.

Perdonar que me extienda así en un tema técnico, pero tenía que decirlo : no existe una obra acabada mas que cuando se la quitan de algún modo de la vista al pintor.

 Aquí Chagall retocó, segun nos cuentan, para añadir figuras y cosas según le dictaba su estado, cambiante con los acontecimientos de su vida. La figura dominante es la el ángel que se precipita sobre la ciudad, seguramente su ciudad natal. De un rojo fuerte y con sus alas descompuestas es la imagen del Satán derribado por Dios que siembra el caos y el infierno en su caída, como la guerra y la persecución de su pueblo; a la izquierda un rabino, con gran expresión de terror, parece proteger la Torá del caos que se avecina. La catástrofe ha derribado en la esquina superior izquierda a uno de sus paisanos y ,en fín , aparecen aquí y allá elementos habituales de sus obras,como la madre y el hijo en la misma piel del ángel prometiendo la futura victoria de la vida sobre el horror y la desolación ,como la cabra , esta vez amarilla , indicando la fuerza del mundo natural, leche, carne, imágenes optimistas de Chagall, el violín , su música folklorica siempre presente, la figura de Jesús en la Cruz, sacrificado como lo estaba siendo su pueblo. Están  pues los tres elemnetos simbólicos de toda su obra : tradición judía, su Rusia querida y el Cristianismo.

Y están la tragedia y la desesperación  que dejan paso a la esperanza y la paz. En la noche negra y letal rasgada por el relámpago rojo del angel, vemos brillar la luna y el cirio iluminados y plenos. Todo un cántico a la esperanza y la fe en la vida y el amor. Quizá se trate del Chagall más auténtico de toda la exposición.

Marc Chagall - sueño de una noche de verano

  

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cuadro del año 1939 , hemos dado un gran salto en el tiempo y estamos al borde de otra guerra, con Chagall en Francia desde el año 1922 bastante temeroso por los acontecimientos que se precipitaban sin remedio. Ya en 1930  habían sido confiscadas 59 de sus obras por los nazis en Munich para ser mostradas como ejemplo de Arte degenerado en la exposición que bajo ese mismo titulo se celebró en dicha ciudad. En todos estos años Chagall se ha asentado como pintor e ilustrador y es un artista tan reconocido como para haber podido celebrar una exposición retrospectiva de su obra en 1924 a sus 37 años y posteriormenete otra exposición en Nueva York el año 1926, año en el que también recibe el encargo de ilustrar las Fábulas de La Fontaine . Que diferente panorama al de su segunda llegada a la capital de Francia con su mujer y su hija, y verse prácticamente en la pobreza al comprobar primeramente que sus obras dejadas en Alemania habían sido malvendidas por efecto de la inflación galopante, y, además, que se habían perdido muchos de los cuadros dejados en su último alojamiento de la Rouche en París. Entre ellos figuraban el cumpleaños y sobrevolando Vitebsk , y al parecer pasó mucho tiempo rehaciendo obras perdidas valiéndose de bocetos y dibujos preparatorios qué, por fortuna, aún conservaba.

La obra que vemos representa un tema conocidísimo y queridísimo por Chagall : se trata de una escena de Sueño de una noche de verano,sobre la conocida  obra del mismo título de W. Shakespeare. El pintor la había leído al parecer bastantes veces. La comenzó en 1930.  Si conoceis la bellísima comedia del dramaturgo inglés, os diré que ha representado a Titania ,la reina de las Hadas del Bosque ,y a Bottom, uno de los artesanos encargados de representar un drama para festejar las bodas del Duque. El argumento es un pelín largo de contar, pero resumiendo sería algo así : Oberón, marido de Titania y Rey de las Hadas decide castigar a ésta por la disputa común de un bello joven, y lo hace encargando la búsqueda de la flor de Occidente color púrpura llamada amor desconsolado que tiene el poder de, exprimida sobre los párpados de cualquier durmiente, hacer que se enamore del primer ser viviente, animal ó persona , que vea justo al despertar. Con ésta artimaña mágica Titania se enamorará ,casi probablemente, de cualquier animal del bosque y olvidará el joven en disputa. En efecto, al despertar Titania, bajo el jugo mágico de la flor,lo primero viviente que vé es precisamente a Bottom que en ese momento lleva una cabeza de asno que le ha puesto Puck, simplemente como una broma acorde con la alegría de los próximos festejos. Titania cae en un profundo amor por Bottom,el hombre asno,  momento que vemos en el cuadro y pide a sus hadas que atiendan a su nuevo amado en lo que pida.

En lo alto vuela Mercurio ó Hermes alado y parece que nos está presentando a los novios, a la pareja de enamorados Titania y Bottom, por lo que puediera representar también a Puck, personaje intrigante , alegre y ejecutor de esta pequeña intriga. Chagall aprovecha el tema para unir lo humano, Titania, con lo natural, Bottom-asno ó Bottom- buey ó Bottom- cabra, como más os guste. Lo hace en muchísimos de sus cuadros y dibujos, siempre elementos y seres naturales se juntan y mezclan con sus queridos seres humanos. Aquí Titania se entrelaza con un ser híbrido, mitad hombre, mitad animal . Todos nacemos en el mundo animal, pero a veces convertimos nuestros impulsos básicos en oro, dice Chagall . Siempre quiere aunar el mundo natural, primigenio y puro con nuestra realidad humana ; volver a ese estado inicial de comunión con la naturaleza.

Marc Chagall - la ventana en la caIle de Bréhat

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un cuadro muy bonito,es cierto, pero nada tiene que ver con todo lo que hemos visto hasta ahora. Parece incluso una acuarela suave y delicada. Podría parecernos una singularidad en su producción, algo que se repite pocas veces, sin embargo en estos años conoce el paisaje francés y lleva a cabo algunos cuadros de este estilo . Quizá en Vitebsk desde el monte Zadunov, de 1917, puede ser uno de ellos. Es ya del año 1924, año en el que Chagall se encontraba de nuevo en Francia tras su inicialmente forzada y luego fructífera estancia en Rusia. En efecto, en 1922 volvió a Francia tras pasar la guerra y los cinco primeros años de la Revolución, la gran promesa del cambio radical que podría cambiar las vidas de tantas y tantas personas hacia un maravilloso estado de bienestar, ó al menos hacia una mayor justicia e igualdad en el reparto de los bienes. La esperanza y entusiasmo en ello de todo un pueblo y del mismo Chagall constituye uno de los momentos más emocionantes de la historia del mundo. El pueblo judío fué de los primeros en mejorar y Chagall fué desde el comienzo reconocido y valorado, aunque no a todos dentro del mundo cultural les fué tan bién. 

Le ofrecen ser comisario para todo el país de Artes visuales pero él se queda con algo menos, aceptando serlo solo para la zona de Vitebsk. Allí crea el colegio de las Artes y se atrae a dos personalidades de la talla de Lissitzky y Malevich, además de contar con su antiguo profesor Yehuda Pen. Las cosas a la larga no van bién por dificultades de entendimiento artístico entre ellos y Chagall acaba marchando a Moscú donde le ofrecen el diseño escénico del próximo gran Teatro de Cámara judío y para éste lleva a cabo unos murales que constituyen un hito en esta género. La posguerra , a pesar de la Revolución, trae el hambre y la necesidad y se traslada con su familia a una localidad próxima a  Moscú más asequible y de vida más barata. Va y viene a la capital , donde da clases de arte en un orfanato, pero finalmente , al no mejorar sus condiciones, decide volver a Francia, país donde si estas mejoraran le podrían permitir desarrollar mejor sus expectativas artísticas. 

Atrás deja pues esta otra etapa de su vida, que, repetimos, fué enormemente productiva  y asentó definitivamente su independencia artística. De esta maravillosa época, la más rica y plena de su vida, y quizás también la más feliz, a pesar de sus dificultades, podemos ver parte de su obra en las siguientes referencias: 1914 a 1922(1) 

y 1914-1922(2)  y también en esta otra : Rusia

Finalmente diremos que la vista que representa el cuadro es en la isla de Bréhat que se encuentra en el canal ,pegada a la costa norte de la Bretaña francesa.
 

Marc Chagall / sobrevolando Vitebsk

tratamos de presentar las obras de ésta exposición en orden cronológico. Esta es de 1914 y es difícil de encontrar en publicaciones e incluso en internet. No sé a que se debe . Sin embargo, parecidísimas a ésta, encontramos al menos tres obras más en varios museos del mundo; veámoslas: la del Museo de Arte de Ontario, Toronto , la perteneciente al MOMA de Nueva York y finalmente la que se encuentra en el Museo de Arte de Philadelphia . Esta está en el Israel Museo de Jerusalen. La principal diferencia entre estas tres y la que nos ocupa es, como rápidamente comprobareis, la pareja abrazada que ha colocado Chagall en la esquina de la calle de ésta última ; lo demás es bastante idéntico si se exceptúa un tono algo más oscuro, más nocturno y esos puntitos blancos de la esquina superior izquierda que pueden ser ¿estrellas en la noche incipiente?. Ese año Chagall ha vuelto a ver a su prometida y posiblemente acordado ya su próxima boda para el siguiente año de 1915. A partir de estos años el pintor introduce con mucha frecuencia en sus obras a la pareja de enamorados, siempre sumergidos en su mundo de ensueño y felicidad y también de irrealidad ,como se manifiesta en su liberación de ataduras físicas, volando ó retorciéndose de manera imposible. Veasé si no su famosa obra, ya de 1924, por encima de la ciudad.  , o bién la conocida como el cumpleaños .La pareja , a pesar de las reticencias iniciales de los padres de Bela y de la época que les estaba tocando vivir, estaba en el séptimo cielo, máxime cuando a los nueve meses nació la pequeña Ida. Bela fué el gran amor de Chagall, cosa que manifiesta muy poéticamente en su Diario en no pocas ocasiones y lo sería hasta la muerte de ésta en 1944. Os mostramos una foto de los dos . Ella no solo fué su musa durante muchos años, sino además su secretaria particular en todo lo relacionado con su arte.
Extraida de la pagina PBS Newshour, transcribo en castellano una cita de la nieta de Chagall ,tambien llamada Bella como su abuela, Bella Meyer, quien en 2003 con motivo de una exposicion sobre Chagall en San Francisco, decia 

"desafortunadamente no conoc'i a mi abuela pues murio joven, pero siempre oia hablar de ella a mi abuelo y la ame a traves de sus palabras. Siempre estaba hablando de ella de la forma mas adorable. Era verdaderamente feliz. Estaba enamorado y ella siempre estaba en su mente. Cuando recientemente yo misma me he enamorado pienso que 'el habr'ia dicho ya sabes lo que es el amor y ahora entenderas mi pintura".

Pero el personaje que más llama la atención del cuadro es ,por supuesto, el más irreal, el que no se cae aunque esté suspendido en el aire .Chagall pinta este personaje volando como si tal cosa, sin ningún prejuicio, algo normal esto de volar por encima de la realidad, y se anticipa muchos años al propio surrealismo. Aquí viene a enturbiar el momento mágico que están viviendo los enamorados, recordando un elemento extraído de la tradición hebrea, como es el judío errante, que cubre con su vuelo la blanca tranquilidad del paisaje, y que nos viene a hablar del contínuo vagar de éste pueblo. Será un personaje muy representado por el pintor.

En 1915 Marc comenzó a ser conocido en el mundillo del arte en Rusia, primero en Moscú ,donde expuso dos veces y luego en San Petersburgo, e incluso comenzó a vender y a recibir algún encargo para ilustrar libros en yiddish.  El hermano de Bela, Jacob, consiguió que Chagall no fuese movilizado , al menos para el frente, y le encontró un destino en el Comite industrial militar en San Petersburgo. Estos años tumultuosos los llena Chagall con representaciones de la vida cotidiana de su ambiente y su ciudad, con alusiones a la guerra y el sufrimiento , que ya hemos visto, y con maravillosos cánticos al amor humano.

Marc Chagall - la casa azul / la casa gris

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 al ver estos dos cuadros, hay algo que nos suena  familiar ,como si estuviésemos hojeando cualquier libro actual con sus imágenes e ilustraciones . No es la primera vez que sucede en éste blog, ni será la última. Nos ha tocado vivir hoy día rodeados de imágenes, y estas en su mayoría se generaron en la primera mitad del siglo pasado. Sea como fuere, el caso es que casi todo el mundo encontraría agradables y emocionantes estas dos obras de Chagall y, también , actuales, tanto que podrían ilustrar cualquier libro de cuentos infantil editado anteayer. Con Chagall estamos mirando los dibujos del presente .Se sabe que el pintor en su adolescencia , allá en Vitebsk, recopiló muchos de los dibujos de una de sus numerosas hermanas pequeñas, Mariaska, para estudiarlos  como posible futura fuente de inspiración . No era el único artista en Rusia que sentía esa fuerza que se aprecia en cualquier dibujo infantil , y muchos se sentían, como Chagall, libres al aplicarlo en la representación de situaciones serias, complejas y maduras.

Además Chagall había sido discípulo de Bakst en Petrogrado,antes de su primera etapa parisina, y, por supuesto, es lo primero que se nota en casi todas sus obras y en estas dos también . Bakst decía que ! la fuente de cualquier composición radica en la relación entre sus colores!. Nada menos. Y proponía observar bién cualquier dibujo infantil y comprobar la generalmente maravillosa relación entre sus colores y la fuerza y brillantez de los mismos

Fijaos en la casa azul (1920) , donde Chagall ha aplicado esto fielmente y de manera magistral : azules frente a amarillos , verdes y ocres rojizos de contrapunto.

¿Con cual de los dos se quedarían si pudieran costearlos?. Los Thyssen , que si pueden hacerlo, se quedaron con la casa gris(1917), y , tras esta exposición, volverá a su sitio alguna planta más arriba del mismo museo. Me imagino que la baronesa hubiera querido tener los dos, y dada su conocida sensibilidad artística ,los hubiera colocado bastante próximos, sino contíguos. Por ahora nos conformaremos con verlos juntos en esta maravillosa muestra, aunque desearíamos quizá algún día poder admirarlos juntos para siempre.............

A estas alturas no podemos dudar del paisaje que representan : efectivamente son cabañas de madera , muy abundantes en el Vitebsk de aquellos años y con la ciudad en el fondo representada por algunos de sus edificios más notables. Pero la casa gris está hecho en plena guerra y es posible que su gris se deba al estado interior de su autor ó a una decisión no totalmente sentida . Me explicaré : Chagall como revelan sus pinturas es ,ante todo, un pintor enormemente positivo y optimista, y muy posiblemente,  en aquel  1917, aún siendo todavia de guerra, hubiera podido enunciar en este mismo cuadro un cántico a la vida lleno de color y vitalidad . No es más que una conjetura sin importancia, el caso es que Chagall nos ha dejado un cuadro expresionista , la casa gris, y otro fauvista, la casa azul . Nunca ví un cielo tan lleno de malos presagios como  el del primero, aunque rompe un poco los nubarrones retorcidos y violentos con un pequeño trocito de azul....... El personaje de la parte inferior izquierda lleva un rótulo que dice chagall y  en la manga de su camisa pone en hebreo idiota, y repite grabada esta palabra, ahora en ruso, en la valla de madera.

Marc Chagall - el vendedor de periodicos

en 1913, a sus 26 años, Chagall fué invitado a participar en el primer Salón de Otoño alemán en la galería der Sturm de la  ciudad de Berlín. Por supuesto no perdió la ocasión y al año siguiente se le ofreció la oportunidad de exponer individualmente en esa misma galería ; estábamos en Mayo de 1914. Allí Chagall expuso varios lienzos y más de 150 acuarelas  Desde  Berlín tenía más cerca Vitebsk, aún teniendo que cruzar toda Polonia y casi toda la actual Bielorusia, pero no perdió la ocasión de hacer una breve visita a su pueblo, a su familia y a su novia Bella durante el verano de ese año y allí le sorprendió primero la primera Gran Guerra y posteriormente la Revolución de 1917. Chagall ya no volvió ese año ni a Berlín ni a París y se quedó en Rusia hasta 1922.

Volvía a su tierra un pintor muy diferente del que la dejó cuatro años antes ; su contacto constante con el ambiente vanguardista e innovador que le rodeó durante esos años le habían permitido descubrir y experimentar por si mismo  los nuevos caminos por los que en esos momentos los artistas más avanzados de la época se adentraban. Pero, pese a haberse metido por casi todos ellos ,no era un cubista, tampoco era un expresionista, ni un naib, ni uno de los fauves, no era sino un poco de todo esto y sobre todo era ya un pintor situado cara a cara frente al mundo que le estaba tocando vivir y al que se le venía encima de forma inminente, en una de las épocas más convulsas de la época moderna.

Este es un cuadro del año 1914 y en el se refleja principalmente tristeza , nuestro portador de noticias es un hombre abrumado y triste ; sus ojos reflejan ya lo que se puede leer en sus periódicos : el desastre de la guerra, maniobra mortífera irracional, imparable e irremediable que acaba llegando a cada pueblo,cada casa y cada persona como un viento negro y letal. El cielo rojo presagia el desastre y las torres de las iglesias que vimos en otras de sus obras se han convertido en verdaderos bunkers alargados y herméticos . Todo es desolación.

De estos primeros años de guerra Chagall tiene varios cuadros impregnados del soplo gris de la contienda y podemos ver varios de ellos sin apenas color ,algunos prácticamente en blanco y negro. Aquí traemos soldado herido , otro más ,soldado en camilla  y, por último grupo de gente .

Marc Chagall / la boda

cuadro fechado en 1910 - 1911 por algunos y 1911- 1912 por otros, pero en fín, puede ser ya un cuadro realizado en París. En esta exposición aparece como de 1911-1912, precisamente un período pleno de actividad en la vida del joven Chagall y también de relación y recepción de influencias de todo tipo : desde sus visitas contínuas al museo del Louvre, donde pasaría horas embelesado en la obra de Coubert, Delacroix, van Gogh, Cezanne y Gaugin  ,a sus seguramente frecuentes contactos con los poetas y pintores de aquella Escuela de París en pleno momento álgido. Por otro lado tuvo también tiempo de asistir a dos academias de pintura y participó en el Salon de los Independientes y en el Salón de Otoño del año de 1912 . Esa era su actividad diurna, pues la pintura la dejaba para la tranquilidad de la noche : excesos de una

 juventud dedicada al arte con enorme entusiasmo y capacidad de asimilación. 

También en este año de 1911 , cambió su  pequeño estudio alquilado de Montparnasse por la Rouche, la colmena, una suerte de edificio enorme compartido subdividido en 140 pequeños estudios, donde se daba alojamiento a muchos artistas con poco poder económico que iban llegando a la capital y que hacía las veces también de centro cultural  ó academia . Aquí conoció a poetas, bohemios, vanguardistas....un mundo en ebullición que ,sin embargo, en ningún modo le hizo olvidar el otro mundo que había dejado atrás en la lejana aldea,  por el contrario, en sus cuadros reverdecieron los objetos de su recuerdo con insistencia. Sus compañeros de la Colmena le comenzaron a llamar el ruso loco, pero indudablemente era admirado por todos ellos y en especial por sus amigos poetas de los que ya hemos hablado anteriormente. Absorbió el cubismo, a Matisse, a Cézanne, el color de los fauves, a los Delaunay, pero el siempre volvía su alma a su tierra natal en busca de recuerdos y elementos para incorporarlos a sus obras. Permaneció allí hasta su regreso a Rusia en 1914. Fueron años maravillosos y seguramente cruciales para su evolución.

Este cuadro representa una boda de su pueblo. Ya está, no es más que eso, lo que había visto alguna vez en  Vitebsk, una boda dentro del ceremonial judío por supuesto, y donde emplea un colorido (desgraciadamente no he podido conseguir una imagen mejor , pero sí podeis acceder a esta referencia: http://www.flickr.com/photos/snarfel/3391281129/sizes/l/in/photostream/ , infinitamente mejor; copiar y pegar en la casilla superior de vuestro buscador ) originalísimo que poco a poco estará presente en casi todas sus obras. Sí, de acuerdo, Delaunay está detrás de él , quizá sea el artista que más influyó en él durante ésta época, pero hay algo más......Ya veremos en lo que se va a convertir al ir viendo la evolución de sus obras. Aquí Chagall pone el color, casi siempre primarios, en áreas geométricas grandes e independientes, bién definidas y dislocadas unas de otras, haciendo participar en este juego de color a los personajes del cortejo nupcial. Con dos triángulos azul y verde por debajo de los novios, centra la atención en ellos como auténticos protagonistas de la escena. Por supuesto no faltan los músicos.

Me recuerda este cortejo a otro muy famoso pintado más de un  siglo antes (1792) por Goya en otras circunstancias y con otra intención ; veámosle : Francisco de Goya, la Boda

Marc Chagall - el violinista

su Rusia querida, las casas de madera del pueblo cubiertas de nieve helada todo el invierno, las torres de las iglesias, cruces en lo alto del cielo blanco, la alegría de la vida y de la infancia tranquila y despreocupada, el calor de la familia y la comunidad, la poesía de las pequeñas cosas que conviven unidas y felices día tras día....

......¿No es encantadora la figura del violinista animando este pequeño universo añorado de paz y felicidad ?.

Chagall pintó a este músico en varias ocasiones y , como leeremos más abajo, en sus días de Vitebsk tuvo ocasión de oir tocar el violin muchas veces a uno de sus tíos y era un instrumento que le fascinaba. Posiblemente en las numerosas celebraciones judías estaría muchas veces presente. Su sonido envolvió ese mundo de su infancia y esto se refleja en la frecuencia con que este personaje aparece en sus obras. Dice el pintor : "Cada sábado el tío Neuch se ponía un taled cualquiera, y leía la Biblia en voz alta. Tocaba el violín, como una zapatero. El abuelo le escuchaba y soñaba. Tan solo Rembrandt hubiera sabido lo que pensaba el viejo abuelo, carnicero, comerciante, cantor, mientras su hijo tocaba el violín en la ventana, delante de los cristales sucios, recubiertos de gotas de lluvia y huellas de dedos." Aparecen " tíos Neuch" en  El violinista verde, (1923);  músico con violín,(1919); La boda,(1944); El violinista azul (1947); circo en la aldea, (1969), entre otros muchos.

Y no podemos dejar de hablar también del famoso musical de Broadway el violinista en el tejado de 1964 que casi todos conocereis y muchos habreis visto, al menos en película. Al parecer la historia esta basada en el relato titulado Tevye y sus hijas de Sholem Aleichem sobre la vida en una comunidad judía anterior a la Rusia bolchevique .Los decorados se inspiraron en el mundo pictórico de Chagall . Fiddler (el violinista), que así se llamó el musical ,batió todos los records de permanencia en Broadway con mas de 3000 representaciones y tardó nada menos que diez años en ser superado, esta vez por el musical Grease.

Después, en 1971, llegó la versión cinematográfica de Norman Jewison que recibió tres oscar y ocho nominaciones.

Marc Chagall - el poeta ó las tres y media

            

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 "Todo puede cambiar en nuestro mundo desmoralizado, excepto el corazón, el amor del hombre y su lucha para conocer la voluntad divina. La pintura, al igual que toda la poesía, tiene una parte de esta divinidad; la gente lo siente  hoy en día tanto como antes. Qué pobreza rodeó mi juventud, qué gran desafío el de mi padre con sus nueve hijos. Y sin embargo, siempre estuvo lleno de amor y a su manera fué un poeta. A través de él sentí por primera vez la existencia de la poesía en esta tierra. Después la sentí en las noches, cada vez que miraba hacia la oscuridad del cielo. Entonces aprendí que había otro mundo. Esto trajo lágrimas a mis ojos, tan profundamente me conmovió. " Marc Chagall.

A lo largo de la primera etapa de su vida, Marc Chagall escribió sus impresiones sobre su obra y su vida y las recopiló en mi diario. Toda su niñez y juventud están maravillosamente contadas en estas páginas. Es el perfecto complemento de su labor artistica.

Esta obra es también de 1911 y su título puede referirse, según algunos autores, al estado del poeta a las tres y media de la mañana.......... en pleno trabajo .Pensar lo que querais, pero parece que Chagall quiere representar un poeta en plena búsqueda de la palabra, en el difícil trance de encontrar esa palabra clave y definitiva que se enlazará con la siguiente y siguientes hasta enseñarnos un pedazo de su alma. Este proceso a veces es fluido y etéreo y a veces terrenal, lento y engorroso. Aquí el poeta puede estar en cualquiera de las dos situaciones. No es la única vez que alude el pintor a los poetas en sus cuadros. Os traigo aquí : poeta tumbado ,  poeta con pájaros ,  mazin, el poeta  y, por último sobre la ciudad,  bellísimo cuadro en el que algunos ven al poeta y su musa .

Desde la llegada de Chagall a París, se vió acompañado de numerosos artistas , algunos, no pocos, de procedencia rusa que ciertamente le facilitarían su relación con la famosa vanguardia que se encontraba en plena edad de oro. Entre ellos estaban Robert y Sonia Delauney, rusa ella, quienes, especialmente Robert, influyeron en el carácter cubista de muchas de sus obras de ésta época y también en el lirismo de su colorido. Nunca aceptó la sequedad de color y falta de poesía del cubismo, y en este cuadro ya se ve claramente esto : esos tonos rojos y azules fuertes y sin mezclas . Además Chagall está ya simplificando y unificando las formas , aparte ,por supuesto, de que toma resueltamente del cubismo todos sus elementos más definitorios :  ver como rompe la superficie del cuadro y hace deslizar cada plano por su cuenta, ver como simplifica al máximo cada elemento (la mano superior, la botella, ....), como rompe totalmente  la perspectiva de la escena, su profundidad, y , que me decís de las flores , flotando libremente en un extremo del lienzo. Sin embargo Marc Chagall, a pesar de estar tan influenciado en esta parte de su vida, no es un cubista, pero le vino muy bién el cubismo, como también el fauvismo, y el expresionismo y todo .

Siguiendo con los poetas, también  Blaise Cendrars y Guillaume Apollinaure fueron desde el principio entusiastas de la obra de Chagall, y en algunos de sus poemas así se refleja . Apollinaure fué el alma del grupo de artistas y poetas que se formó en Montparnase  y entre sus amigos se encontraban también  Pablo Picasso, Andre Breton, Marcel Duchamp y Henri Rousseau . Podeis ver el cuadro dedicado a éste poeta Homenaje a Apollinaure, pintado en 1912. El contacto con este mundo artístico efervescente del París bohemio, a la cabeza del desarrollo artístico en Europa abrió sin duda alguna el universo de Chagall en todos los sentidos.

Marc Chagall - la habitación amarilla

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en marzo de 1911, año de la fecha de este cuadro, Marc Chagall tomó el tren desde Rusia y tras un viaje de cuatro días apareció en París : el corazón se le ensanchó, su felicidad no tenía límites, estaba en la ciudad de la luz , en la ciudad del arte y de la libertad , eso era un sueño. Con este primer cuadro comenzamos una pequeña visión de la obra de este pintor especial, y lo abordamos ya en la capital de Francia. Chagall tiene 24 años y ha pasado sus años de niñez en una pequeña ciudad de la actual Bielorrusia, Vitebsk, ciudad situada en una zona destinada a ser ocupada principalmente por judíos. Por supuesto su educación en esos primeros años estará marcada por su origen pero pronto aparece el primer pequeño giro que empieza a dirigir su vida hacia algo diferente más universal y pleno que lo que habría sido una vida corriente en la gris, pobre y antigua Vitebsk : su madre, mediante el soborno, de otro modo no le hubiera sido posible a un chico judío, y en contra de la opinión del padre, consigue que  Moishe Segal, que así se llamaba realmente Chagall, complete su tradicional educación judía en la escuela local con la asistencia a la escuela de arte de Yehuda Pen. Este, además,  impresionado por la forma en que el joven judío maneja ya el color, le dispensa de pagar las cuotas de asistencia a sus clases. Moishe pinta todo lo que cae al alcance de su mano,  su casa, su ambiente, sus compañeros, su pueblo,  su religión ,  su Rusia,........

Siempre los llevará en su mente, en su corazón y en sus pinceles : Chagall no dejó nunca de pintar estos motivos, de una forma o de otra. Repleto de poesía ,colorido y frescura, se encuentra de frente con el movimiento cubista que precisamente se está fraguando en esos momentos a lo largo y ancho de los ambientes artísticos de París. Por supuesto Chagall desde el primer momento se siente influido por sus principios, pero como vemos hay algo muy suyo que lo hace distinto. De hecho, sus primeros contactos,más adelante hablaremos de ello, fueron con los poetas antes que con  los  propios pintores de la vanguardia. En este primer cuadro que vemos, ya el cubismo ha comenzado a hacer estragos, aunque no de forma brutal , pero la mesa esta deformada en su forma y perspectiva, flota en la habitación, sin lugar fijo, y lo mismo la silla, la mujer , su cabeza, sus brazos, no es preciso situarlos en un lugar fijo y racional, todo puede estar en varios lugares al mismo tiempo.... pero, ¿que cosas hay?. Pues podemos identificar hasta un samovar, ¿hay algo mas ruso?, eso sí , cayéndose, y lo mismo los vasos necesarios; y además hay una cabra, sacada directamente de la perdida ciudad de sus amores. Para remate nos ofrece una magnífica noche de plenilunio , como aquellas gélidas y despejadas noches invernales de su niñez. Todo ello en amarillo, un color que le va muy bién al recuerdo y a la nostalgia.